viernes, 30 de marzo de 2012

Video La Morenada interpretado por la Orquesta Sinfonica Nacional

La Morenada, arreglo orquestal de Alvaro Montenegro sobre melodia popular anonima. Interpretada por la Orquesta Sinfonica Nacional de Bolivia como bis del Programa I Oberturas 1812-2012. Director invitado Ramiro Soriano Arce

Fitaz: Shakespeare se bolivianiza con “El Mercader de Venecia”

Una adaptación de “El Mercader”, obra clásica de William Shakespeare llega al Festival Internacional de Teatro (Fitaz) a cargo de la Escuela Nacional de Teatro de Santa Cruz y la Compañía Sourous y Théâtre de l’Epée de Bois, para presentarse hoy en su única función, en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez a las 20:00.

La obra dirigida por Antonio Díaz-Florián toma de Shakespeare, la “profundidad de los textos y la capacidad de retratar las pasiones humanas sin importar la raza o la idiosincrasia de los individuos”. Esta adaptación sugiere una propuesta intercultural “per sé” que introduce trajes de caporales como vínculo del vestuario de la época de la reina Isabel de Inglaterra.

Pero hay más en el menú del Fitaz de hoy: el público podrá deleitarse, las 18:45, con la obra “Bonitas”. Esta puesta de la Compañía La Oveja Negra está destinada a espectadores mayores de 13 años para abordar la búsqueda existecialista de un sentido, de una continuidad a esto que es ‘vivir’. Dirigida por Cristian Mercado es protagonizada por Soledad Ardaya y María Teresa Dal Pero.

En el Teatro de Cámara hoy y mañana a las 18:45 se pondrá “Divorciadas, evangélicas y vegetarianas”, de Gustavo Ott. La comedia, que es “un canto a la amistad entre mujeres, a la complicidad, a la esperanza, sazonado con un humor políticamente incorrecto, callejero, sarcástico” está dirigida por Miguelangel Estellano y protagonizada por Karol Fernández, Francia Oblitas y Carmen Guillén.

Finalmente, repite hoy a las 22.00 en el Salón de Honor del Teatro Municipal la obra para mayores "Usted, una cama y mis intenciones" de La Cueva.

jueves, 29 de marzo de 2012

Compañía Salamandra muestra la obra teatral “La Hermandad”

El caos en tiempos difíciles… Una carta llegada de no sabemos dónde… La información que no tenía que filtrarse… ¿Qué sabemos de lo que pasa a nuestro alrededor? ¿Hasta dónde podemos decidir?, son las preguntas que se hace Andrea Ibáñez, autora y directora de la obra teatral La Hermandad que el público podrá apreciarla hoy en el Teatro Municipal de Cámara a partir de las 18:45 horas.

Al frente de la compañía Salamandra, Ibáñez ha conformado dos elencos altamente competitivos, uno en La Paz y otro en Santa Cruz. Ambos participarán en el Festival Internacional de Teatro con propuestas diferentes sobre un mismo texto, hecho que permitirá al público experimentar diferentes emociones y apreciar conceptos diversos.

“Me he preguntado muchas veces si estamos en una hipnosis colectiva o dormidos a una realidad diferente, parecería que el enfrentamiento, el odio y el enojo nos impiden encontrar maneras más creativas y sanas de crecer como personas, familia o sociedad. (…) He intentado tejer una obra que ponga al público como detective, donde en cada momento recibe información y está en él saber cuánto de lo dicho es verdad y cuanto no”, señala Ibáñez.

La Sinfónica se oye bien a la batuta de Ramiro Soriano

Bajo la batuta del director invitado Ramiro Soriano Arce, la Orquesta Sinfónica Nacional, lució su buen nivel interpretativo en el inicio de la temporada 2012.

Un repertorio muy bien seleccionado para la primera y segunda parte del concierto, consistente en ocho oberturas, fueron suficientes para ratificar el profesionalismo de todos los integrantes de la Sinfónica Nacional.

El aporte del maestro Soriano Arce, al guiar con un acertado movimiento de manos a todos los músicos en cada una de sus intervenciones, de acuerdo a cómo lo exigían las partituras, fue fundamental para la armonía de las interpretaciones, evitando así errores que muchas veces se oyen en los conciertos.

La presentación comenzó con la Obertura “Russian y Ludmila”, de Mikhaif Glinka, posteriormente el público que llenó las instalaciones del Centro Sinfónico, se deleitó con: “Las Hébridas”, “Guillermo Tell”, “El Murciélago”, “Festiva”, “Orfeo en los Infiernos”, “El Barbero de Sevilla”.

El concierto tuvo su momento culminante cuando la Sinfónica interpretó la “Obertura 1812” compuesta por Pioff Ilich Tchaikovsky, en la que una serie de explosiones de fuegos artificiales simularon los disparos de cañones, con los que el compositor quiso dar un homenaje a Rusia por su resistencia a Napoléon.

Al final el público ovacionó a los músicos y al maestro Soriano, por el excepcional concierto que duró casi dos horas y que se repetirá hoy desde las 20:00 en el Centro Sinfónico de la calle Ayacucho.

Estupor y temblores, una propuesta multicultural

Las experiencias de una joven belga durante su trabajo en una corporación japonesa centran la trama de Estupor y temblores, un monólogo con el que Francia debutará hoy en el Festival Internacional de Teatro de La Paz.

La obra, que se presentará a las 20:00 en el Teatro Municipal, es dirigida e interpretada por Layla Metssitane, quien además escribió el texto a partir del best-seller homónimo de la belga Amélie Nothomb.

Se trata de recuerdos verídicos de Nothomb, que en 1990 trabajó para una firma japonesa. La novela obtuvo el Gran Premio de la Academia Francesa y el premio Internet, otorgado por primera vez por los lectores internautas, además encabezó durante meses la lista de libros más vendidos de Francia.

Según la sinopsis del FITAZ, Estupor y temblores narra “con humor ácido el mundo de la cultura corporativa japonesa, costumbres y forma de vida en Japón, a través de una visión humilde, divertida e inteligente de una joven belga de 22 años de edad, que debe luchar contra su doble desventaja, ser occidental y mujer”.

Sin embargo, en una entrevista a un medio internacional, Metssitane declaró que “no es un ataque ni un juicio de valor sobre las costumbres o de la manera de vivir de los japoneses”.

Al contrario -agregó la reconocida actriz-, es una visión humilde, graciosa e inteligente de una joven frente a un nuevo mundo. El mensaje podría ser: ‘miremos bien, escuchemos bien, antes de juzgar de manera apresurada’”.

El grupo Entre dos aguas se presenta en el Modesta Sanjinés Pass-Port, el drama del emigrante

Creada a partir de “la tragedia de la migración que vivimos en Bolivia” y de la experiencia propia de recorrer el país “una y otra vez con la actividad teatral”, la obra Pass-Port, puerto de paso cuestiona el concepto de frontera a través del lenguaje del clown.

La pieza, a cargo del elenco sucrense Entre dos aguas, se presentará hoy, a las 18:45, en el Teatro Modesta Sanjinés.

Se trata de una “reflexión con humor y sin dañar a nadie, sobre un tema tan importante”, según comenta la actriz polaca Danuta Zarzyka, quien protagoniza la obra junto a su hija Naomi Achirico, ambas integrantes del elenco independiente formado en 2004 junto a Lucas Achirico.

“La obra presenta una línea propia del grupo resultante de la fusión de la creación de imágenes que Lucas y yo aprendimos en el Teatro de los Andes, con las técnicas actorales de clown”, señala Zarzyka sobre la obra que desde 2010 ya se presentó en festivales de España y Ecuador.

“Durante mucho tiempo vivimos en Yotala y convivimos con mucha gente que emigró y que por lo general tuvo malas experiencias. Estas impresiones nos movieron a crear la obra en la que intentamos presentar con un humor irónico toda la tragedia que conlleva esta problemática”, agrega.

Teatro de La Cueva propone una comedia en “tres planos”

La historia de un director y una actriz a través de su relación personal y la preparación de una obra de teatro. Éste es el argumento de Usted, una cama y mis intenciones, obra que el Teatro de la Cueva presentará esta noche, a las 22:00, en el Salón de Honor del Teatro Municipal.

“Es una obra de teatro dentro del teatro, se juega en tres planos: entre el director y la actriz, sus personajes y los actores reales que los interpretan... Es una especie de juego tridimensional”, afirma Denisse Arancibia, que retorna a las artes escénicas luego de una incursión de cuatro años en el cine.

Bajo dirección y producción de Arancibia, el elenco está compuesto por los reconocidos actores Enrique Gorena y Patricia García.

Según la directora, Usted, una cama y mis intenciones hace uso de múltiples recursos escénicos, como el video y el aprovechamiento conceptual de la escenografía, “que busca alejarse de lo convencional de modo artístico”.

“Es una obra muy cómica y muy bien pensada desde el texto al uso del audiovisual, que no ha sido una decisión estética sino que el texto lo demandaba”, afirma, y agrega que, sin embargo, “destaca sobre todo la interpretación de dos actores que son unos monstruos en escena”.

FITAZ ‘En silencio’: escuchando lo esencial

El silencio está pasado de moda. Es algo raro. Antiguo, anticuado. Es difícil de encontrar. Es un artículo de lujo, caro, muy caro. Todo es ruido. Y voces, y gritos: vivimos en el reino del tumulto. Decía Miles Davis: “El silencio es el ruido más fuerte”. Pero es el ruido el que a todos nos molesta. El que nadie escucha. Confucio, con su sabiduría, remata: “El silencio es el único amigo que jamás traiciona”.

Es sintomático que uno de los grandes dramaturgos de la historia —Samuel Beckett— abandonara la palabra y se refugiara en el silencio en las últimas obras teatrales de su vida. Un guiño a su parquedad patológica. “La escritura me ha llevado al silencio”, dijo el dublinés en una entrevista.

Tres de esas piezas son las protagonistas de la puesta en escena de Comunidad Teatral Imákina. Actos sin palabras I, Actos sin palabras II e Ir y venir fueron presentadas el lunes y ayer en el marco del Fitaz 2012. Cuarenta minutos de un silencio escéptico (beckettiano), interrumpido por el ruido molestoso de un centenar de palabras en el último ‘dramatículo’.

Unos 100 aficionados al teatro en silencio, escuchando lo esencial. Catorce silbidos, un clown triste y solitario, cuatro empujones desde la nada, una palmera, cinco cuerdas y tres cajas. Una soga y unas tijeras. Dos manos. Es Actos sin palabras I. La obra del irlandés revolcada en el mundo del clown que esta vez llega para traernos no la risa, sino lo absurdo de lo humano, el fracaso de lo cotidiano, la derrota, la muerte de la esperanza.

¿El silencio cura? Dos clowns se visten y se desvisten. Se arropan en sacos polvorientos, se acurrucan y se acuestan. Comen, toman sus pastillas. Mientras uno duerme, el otro despierta. Es Acto sin palabras II.

Y tras media hora de silencios, donde los tres actores (Mario Aguirre, Luis Caballero y Luis García-Tornel) despliegan su trabajo corporal, sus técnicas y sus particulares modos de clowns mudos gritando desesperación, llega la tercera obra breve y sus palabras. En Ir y venir se cuentan 127 palabras. Tres mujeres con anillo charlan sobre el pasado en el patio, sentadas en un tronco. Frases entrecortadas, fragmentos, como siempre.

¿Cuándo se vieron la última vez Flo, Vi y Ru? No importa. Parece que están iguales, como siempre. Se toman de la mano y sueñan con el amor. Se cuentan chismes al oído. Pero luego callan. “El silencio es la peor mentira”, dijo otra vez el bilbaíno Unamuno. Y así, deciden no hablar del pasado y de lo que después pasó. Callar para no recordar, para no traicionar, para no perder, para no quedarse solas. “Callar es mentir”, añade Espinal. Y tomarse de la mano para sentirse vivas. Y con anillos. ¿Se puede decir tanto con tan pocas palabras? El silencio traiciona, grita y duele.

Hamlet de los Andes’: Padre, patria y mentiras

Teatro de los Andes sigue siendo el plato fuerte del Fitaz. Y esta vez con el morbo de la etapa post César Brie de yapa. Hamlet de los Andes es una versión libre del clásico de Shakespeare con altos y bajos; siempre atrapando conciencias.

1. Padre: no es gratuito elegir una obra como Hamlet en este momento. La presencia-ausencia de Brie en el texto y su adaptación es notoria. Sin embargo, matando al progenitor, se afianza su presencia, pues la continuidad en cuanto a lenguaje-estética-identidad y poesía no se pone jamás en duda. Hamlet de los Andes, en este sentido, una obra de transición en la carrera del grupo de Yotala. La identidad mostrada con esas imágenes poderosas, esos elementos claves en la escenografía y ese “tempo” son sin duda de todos, de un trabajo colectivo.

2. Patria-poder: el segundo acierto es la propuesta de reflexión sobre Bolivia. Contra la vieja política: emparentando el padre y sus anticuados modos con el viejo régimen. Dudando siempre del cambio y el presente: “desencajado tiempo de cambios en un país donde algo huele mal”; “la locura de los poderosos debe mantenerse en vigilancia”; “marchas y marchas, pero todos estamos en paz”. Y esa canción punk-rockera con poderoso bajo (grande Lucas Achirico, David Arze y su música) gritando mentiras, todo es mentira. Incluso esa mentira es mentira. El Teatro de los Andes expone un retrato amargo de la realidad colocando las tildes en esos tiempos y eras sobrepuestos, abigarrados.

3. Teatro: cuando Hamlet de los Andes abandona su tono “hamletiano” y se pone a reflexionar sobre el oficio teatral, se pierde. Cuando se deja de lado el tono “shakespeariano” y se acelera-ralentiza con un tono monocorde, se pierde. Toda su fuerza visual y textual se apaga. La platea ríe los chistes sobre el teatro contemporáneo y “moderno”. Está bien. Y también se la pasa bien con la “Atraparatones” y la Luciana luchando como cholitas cachascanistas. Está mejor. La poesía se deja de un lado para cruzar sin ton ni son, de la noche a la mañana, a la parodia patética. Eso sí es una “copa envenenada”. Teatro dentro del teatro con no se sabe qué intenciones.

4. Puertas y mesas: si algo convence y permanece del sello Teatro de los Andes es su poderoso trabajo escenográfico, donde nada sobra, donde todo tiene un sentido y un lugar. Maestro Gonzalo Callejas. El hallazgo de la mesa es sensacional. Mesa de chupa, puerta-umbral donde todos entran y salen, féretro y saco de aparapita. Y las telas locas al viento. Brillante, como las actuaciones gigantes del trío (Callejas, Alice Guimaraes y Lucas Achirico). Una parte de mí ama con pasión y alegría esta versión de “Hamlet” del Teatro de los Andes, otra la odia por revanchista y dispersa. El resto es silencio.

Ricardo Bajo es periodista.

En el marco del Fitaz, mía y la actriz Patricia García ofrecen un tributo al teatro con siete escenas recreadas de obras que quizá alguna vez viste...

Cambia de piel en cada escena. Patricia García es una de las actrices más importantes y versátiles de nuestro país en la actualidad y por ello, en un homenaje por el Día del Teatro —que se celebró el 26 de marzo— mía decidió invitarla para una serie de sesiones de fotos en que proponemos siete escenas que quizá nunca se hayan llevado al teatro o que, por el contrario, hayamos visto infinidad de veces en diferentes obras o películas.

Presentamos así a estos personajes femeninos que se enfrentan ante diferente tipo de situaciones, siendo ellas el principal referente. Es también un guiño al trabajo de la artista visual estadounidense Cindy Sherman (New Jersey, 1954), quien planteó un ejercicio similar tomando imágenes de sí misma desde fines de la década de 1970 y que sigue reinventándose en la actualidad.

La actriz, educadora y directora Patricia García nació en La Paz. Trabaja y se formó en artes escénicas desde 1995 con Ignacio Márquez (Venezuela); Sergio Mercurio, Darío Levin y Gabriela Branda (Argentina); Vivian Costa (Cuba); Marcos Malavia, Norma Quintana y César Brie (Bolivia); Gisella Noriega (México); Claudia Stavisky, Fabrice Ramalingom, Alain Gautre y Gael Quivrin (de Francia); Félix Ruckert (Alemania) y Alejandro González (Colombia).

Trabajó con David Mondacca, Norma Quintana, Gastón Arce Sejas, Escena 163, Teatro de los Andes, Kikinteatro, Zig Zag Teatro, Percy Jiménez, Diego Mattos y artistas extranjeros como El Errante (Argentina) o Diphtong Cie. (Francia).

Está presente en esta versión de Fitaz en tres obras: Mátame, por favor, El séptimo Sentido y Usted, una cama y mis intenciones.

La magia de la música

El entorno de un musical, pero en las calles paceñas. Así, el colorido del vestuario hace contraste con los cables enmarañados y las paredes de ladrillo visto. ¿Cómo es un musical a la boliviana? Quizá con otros ritmos y otros sonidos, donde el talento de Patricia, que también ha fungido de cantante, muestra su esplendor.

La novia

En medio del bosque y vestida de blanco, debe huir. No sabemos de quién o de qué... puede ser el fin del mundo de Lars Von Trier (Melancolía, 2011) o una novia dada por muerta (Kill Bill, 2003).

Comedia

En un entorno muy colorido, esta chica Almodóvar nunca antes vista descubre interesantísimos datos en una tarde de lectura, mientras disfruta de un vaso helado de gazpacho.

Crimen

Mientras el asesino baja las gradas armado con un cuchillo, ella se esconde en la cocina luego de llegar del mercado. Esta mujer está decidida a provocar su propia viudez.

El escape

Los vientos de guerra y el desastre se perciben en el ambiente de fin de siglo. Ella debe salvar a su único hijo de la desgracia. Sólo le queda correr y correr sin ser descubierta.

Nostalgia

Ahora, Patricia se pone en la piel de una mujer en espera de aquel amor que no regresará jamás. Esta escena asiática es un tributo al estilo evocador del director Wong Kar Wai.

La Merced: Las pinturas de Holguín están dañadas

Se requiere de un proyecto que preserve
y restaure las obras

Sucre/CORREO DEL SUR

Dieciséis cuadros del reconocido pintor barroco de la época colonial, Melchor Pérez de Holguín, con un valor incalculable, que forman parte del patrimonio del templo de La Merced, sufren graves deterioros por la humedad y las termitas. Advirtieron de lo irreversible de los daños si es que no se inicia un proyecto de preservación y posterior restauración.
El templo de la Señora de La Merced construido entre fines del siglo XVI y principios XVII, cuenta entre su colección de arte sacro, con dieciséis pinturas de Holguín ubicadas en el crucero del templo.
El hermano Bernardo Gantier, como miembro de la Comisión Arquidiocesana de Arte Sacro, manifestó su preocupación por el grave estado de las obras de arte, pues la constante humedad afectó a los lienzos y las termitas socavaron gran parte de la maderería debajo de la cobertura de pan de oro.
“En Bolivia, son los únicos holguines que están en su sitio original desde que Holguín los pintó en 1710 (…) son los cuadros de su mejor época y representan escenas de San Pedro Nolasco, el fundador de la orden de La Merced”, comentó.
Gantier indicó que ahora la prioridad es hacer un diagnóstico de los cuadros para determinar su estado. Esta tarea implicaría un presupuesto de al menos Bs 12.000; luego, en base a los resultados se tendría que elaborar el proyecto de restauración de las obras.
Según relató, ya se intentó bajar los cuadros para llevarlos a otro espacio con mejores condiciones, como la sala Capitular de la Catedral; sin embargo, las “enfermedades” que padecen como las termitas, podrían “contagiar” a otros “sanos”. Por otro lado, el Ministerio de Culturas, luego de haber hecho una inspección, se opuso a realizar cualquier movimiento.
“Este deterioro avanza día a día y la institución llamada a precautelar el patrimonio es el Ministerio de Culturas, pero no hace nada porque no tiene presupuesto o no le interesa”, remarcó.


COMPROMISO
DEL PRAHS
Por su parte, el coordinador de la Unidad Mixta de Patrimonio – PRAHS, Erland Ovando, explicó que en Sucre actualmente hay siete edificios religiosos, monumentos nacionales, que están siendo rehabilitados en base a un plan de manejo, entre ellos La Merced.
“En La Merced se ha definido que la prioridad es la intervención en las cubiertas, tanto de la nave principal como de la Sacristía (…) se están iniciando las obras en base al proyecto que ha sido elaborado por el PRAHS en coordinación con la Escuela Taller y con el conocimiento del Ministerio de Culturas”, explicó; sin embargo, reconoció que existen problemas con las obras de arte.
En este sentido, explicó que se deben definir los mecanismos para la atención del problema con la participación del Ministerio de Culturas y el Arzobispado de Sucre.
No obstante, aseguró que existe la predisposición para elaborar y ejecutar el proyecto para asegurar la preservación de los holguines; para este efecto, se podrían asignar recursos del presupuesto destinado a la conservación y mantenimiento de los templos, que este año alcanza aproximadamente a Bs 500 mil.
“Lo que pasa es que hemos priorizado la conservación del edificio, pero a través de un proceso que, seguro va a ser aceptado por la Cooperación Española y el Gobierno Municipal, vamos a asignar un monto necesario como para enfrentar las obras de conservación de estos lienzos”, aseguró.

Fitaz: llega Francia con "estupor y temblor"

Estupor y tembloresde la compañía francesa Théatre des Hommes, es una adaptación del libro homónimo realizada e interpretada por la actriz y directora Layla Metssitane que llega al FITAZ en representación. La puesta única, con subtítulos, será el jueves 29 a las 20:00 en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.

Se trata de una autobiografía que refleja las experiencias de la autora al interior de Yumimoto, una de las mayores empresas japonesas. El monólogo narra con humor ácido las costumbres, tradiciones y formas de vida de la cultura nipona y sus corporaciones donde el dinero tiene un alto valor.

La mirada se da a través de una joven que tiene en contra el ser occidental y ser mujer. “este personaje debe luchar para integrarse a una empresa fuertemente jerarquizada que la hace sufrir una progresiva y humillante degradación laboral, además de situaciones insólitas”, señala la actriz.

Con la autobiografía, la autora belga Amélie Nothomb, alcanzó rotundo éxito por la visión inteligente, irónica y humorística con la que plantea la diferencia de culturas. La obra fue trabajada con la finalidad de que el público entienda las diferencias existen y no deben ser pasadas por alto.

Layla Metssitane es de origen marroquí, su trabajo no se limita a las artes escénicas, sino que posee una importante producción en cine y televisión.

Además, el Fitaz propone hoy tres obras nacionales: "La hermanda" de Salamandra (Teatro de Cámara, 18.45), "Pass-port" de Entre dos aguas (Casa de la Cultura, 18.45) y "Usted, una cama y mis intenciones" de La Cueva (Salón de Honor del Municipal, 22.00).

En el salón del museo "Simón Iturri Patiño" Exposición de grupos de arte concluye con resultados exitosos

"Patunka Octubre", "Ayawaska" y el anfitrión "Arte O", hoy culminan de forma exitosa la Exposición Nacional de Grupos de Arte, con interesantes propuestas eclécticas en cuanto a conceptos y técnicas se refiere, actividad que se desarrolló en el salón de exposición temporales del museo "Simón Iturri Patiño".

La muestra itinerante comenzó el 20 de marzo y concluye hoy con resultados positivos, pues al margen de haber contado con críticas favorables, se logró vender una serie de producciones pictóricas de artistas que provienen de La Paz y Cochabamba, además de la Unión de Artistas Plásticos "Arte O", que en esta oportunidad funge como anfitrión, debido a su tercer aniversario, celebrado el 24 de este mes.

Verónica Guzmán, integrante de "Arte O", manifestó que la labor y los sentimientos de estos pintores, dibujantes y escultores, plasmados en sus lienzos y sus esculturas, fueron valorados por el reconocido artista Alberto Medina, hecho corroborado por la afluencia de público amante del arte.

"Nos place la presencia de estudiantes, ciudadanos de a pie y estudiosos del arte, hemos recibido muy buenos comentarios, por eso algunos de los cuadros tienen la opción de venta, como se puede apreciar son técnicas innovadoras, dibujo, pastel acrílico, altos relieves, óleo y mixtas sobre todo, técnica que está siendo muy utilizada últimamente, además de la escultura en piedra", dio cuenta, Guzmán, a tiempo de invitar a la ciudadanía orureña a poder participar de esta última jornada de exposición.

OTRAS ACTIVIDADES

Por otro lado, Verónica Guzmán informó sobre el viaje a Holanda que emprenderá la semana que viene el coordinador de "Arte O", Wilson Zambrana, con la finalidad de participar en una exposición artística internacional, que al margen de los Países Bajos, integra a las diversas culturas del planeta, que reflejan sus contextos mediante obras pictóricas y escultóricas. El objetivo principal es poner en alto el nombre de Oruro y por ende de Bolivia.

Con 11 cañonazos empezamos en 2012

Las actividades culturales de la Orquesta Sinfónica Nacional comenzaron ayer con un esperado concierto.

ENTREVISTA

JUAN ORTEGA LANDA

Presidente de la Fundación de la Orquesta Sinfónica Nacional

La Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) empezó ayer un ciclo importante de desarrollo institucional y excelencia artística.

El objetivo es marcar un nuevo hito en la cultura nacional, afirmó el presidente de la Fundación de la Orquesta Sinfónica Nacional, Juan Ortega Landa. La Obertura 1812-2012, con un abarrotado Centro Sinfónico Nacional, abrió el programa de este año.

—¿Cómo califica el comienzo de la nueva temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional?

—Comenzamos con algo muy selecto, porque la Obertura 1812-2012 es un conjunto de oberturas muy especial.

La velada musical, a cargo del prestigioso maestro Ramiro Soriano, contó con un despliegue musical y la presencia de los cadetes del Colegio Militar del Ejército, quienes resguardaron dos cañones y dispararon once cañonazos, con efectos especiales, en honor a la Obertura 1812 de Tchaikovsky, una de las obras más conmovedoras por su fuerza y simbolismo.

—La OSN empieza un nuevo ciclo, ¿cuáles son sus objetivos principales?

—Preservar la mística de la orquesta será de vital importancia. Estamos confiados en que 2012 marcará un nuevo hito en la cultura nacional, porque tenemos un programa inolvidable y estamos seguros que contará no sólo con la aceptación, sino también con el aplauso de los amantes de la música universal.

—¿Qué dejó el maestro David Händel a la cultura de Bolivia?

—Bajo la dirección del maestro David Händel, la orquesta alcanzó un elevado nivel artístico. Hoy contamos con un Centro Sinfónico Nacional, escenario con una acústica inmejorable. Estamos muy orgullosos de la trayectoria, desarrollo profesional y desempeño de nuestros músicos, quienes lograron posesionar a nuestra orquesta en el imaginario colectivo para hacer realidad un proyecto de gran trascendencia.

—¿Cuándo se elegirá al sucesor de Händel en la OSN?

—David Händel, como saben todos, nos acompañó por más de 14 años, generó básicamente un ciclo muy importante en el cual se vio una transformación cuantitativa y cualitativa de la orquesta. David Händel presentó el año pasado su renuncia, básicamente inspirado en el desarrollo de su carrera profesional para ir a dirigir a otros lugares, situación que nos enorgullece.

Ahora cerramos ese ciclo y abrimos uno nuevo. Este nuevo ciclo comienza fundamentalmente como para el hombre la firma, con la presentación de nuestro nuevo logotipo, posteriormente generaremos una nueva elección de transición para tener al nuevo director, que se realizará a través de una convocatoria internacional, donde tanto los nacionales y extranjeros tienen el mismo nivel de oportunidad de ocupar este cargo, que dejó David Händel.

La convocatoria está lista y estamos coordinando con el Ministerio de Culturas. Tenemos todo el apoyo de Pablo Groux.

—¿El Coro Sinfónico también tiene su desafío?

—En 2012, la Orquesta Sinfónica Nacional dio la bienvenida al maestro Julio Barragán, como director del Coro Sinfónico, y comenzó así una etapa de profesionalismo y calidad vocal sin precedentes en Bolivia.

El coro, que está integrado por cantantes profesionales, participará en dos programas independientes que son el abono Barroco de Sucre y la cantata Canto para Una Semilla, con décimas de Violeta Parra.

miércoles, 28 de marzo de 2012

Una mirada al teatro en Tarija y Bolivia

“Caen, dices, devotos labios de nácar descreído y hace mucho que la lluvia sembró algunos silencios escandalosamente invisibles. Pero hemos estado siempre en este instante donde todos los pájaros ensayan una fuga, inventando un cuadro eternamente en el espejo turbio de la escena”, declama la actriz emocionada mientras se cierra el telón y los aplausos no se hacen esperar. Ayer, martes 27 de marzo se celebró el Día Mundial del Teatro que fue creado en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI).
“El teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración con la habilidad de unificar las muchas diversas culturas y gentes que existen en el mundo. Pero el teatro es más que eso, tiene la habilidad de hacernos sonreír pero también tendría que hacernos pensar y reflexionar”, dice Alfredo Rivera director de la Compañía de Teatro “Juan Misael Saracho”.
Explica también que el teatro se produce a través de un trabajo en equipo. Los actores son la gente que se ve, pero hay una sorprendente cantidad de personas que no se ven. Ellos son igual de importantes que los actores debido a que sus diferentes y especializadas destrezas hacen posible que una producción se lleve a cabo.
“Ellos también deben compartir los triunfos y éxitos que puede, con suerte, suele haber”, dice Rivera y añade que la Compañía de Teatro “Juan Misael Saracho” hace llegar a todos los hombres y mujeres del teatro en cada rincón de Bolivia, un abrazo solidario en la lucha que representa cada día levantar un telón y el estar unidos en el quehacer diario por una sociedad mejor.

El teatro en Bolivia
Un estudio del actor y periodista español Daniel González Gómez Acebo da cuenta que el teatro en Bolivia se practicaba desde la época de los incas, y descarta que esta actividad cultural haya llegado con los españoles en la colonización.
Las primeras obras del siglo XIV, XV y XVI fueron Ollantay, Utqha Paukar y Wanka (la tragedia) del fin de Atahuallpa, estas dos últimas poco conocidas. Las tres son anónimas, es decir, no se conocen de su autoría. Wanka del fin de Atahuallpa fue escrita por un amauta, pero no se supo el nombre, en el siglo XVI y una copia de la redacción apareció en el siglo XVIII.
El cronista peruano Juan de Santa Cruz, autor rescatado por Gonzáles, averiguó sobre una batalla entre indígenas y españoles en la que aparecen actores en plan de burla frente al oponente. “Uno de ellos se llamaba ‘llama llama’, eran actores que se ponían uno encima del otro y hacían burla a la gente”.
Dos géneros teatrales existían, entonces, el Wanka que significa tragedia y el aranway, similar a comedia. Un ejemplo de este tipo de obra fue encontrada por un etnólogo belga en los valles de Cochabamba, trataba de una historia de amor entre dos campesinos, tenía escenografía propia y un bosque artificial.
Investigaciones acerca del teatro aymara dan cuenta del origen de diferentes personajes que aparecen en danzas aymaras. Por ejemplo, el kusillo, el cual espantaba a los animales para que los campesinos pudieran cazarlos, éste participaba en diferentes bailes, no tenía uno propio.

Apuntes sobre el estado del teatro en Tarija
Todos los grupos teatrales de Tarija han coincidido que en nuestra tierra al teatro siempre se le ha decretado la muerte, especialmente en nuestro medio, donde no hay un solo espacio escénico para que el arte del teatro subsista.
Se dice que el teatro de la Casa de la Cultura será estrenado en el mes de abril del presente año. Esto lo vienen anunciando desde hace 10 o más años pero los actores confían en que este año se haga realidad. “Ojalá que este año, en el mes aniversario de Tarija, los actores, al fin podamos subir a las tablas para mostrar nuestro potencial histriónico”, dice Rivera.
El Director de la Casa de la Cultura, Nils Puerta, dijo que el teatro será inaugurado en abril e invitó a todos los actores para poder ser partícipes y hacer uso de esta nueva infraestructura mediante petición ante la dirección.
El teatro tiene una capacidad para 450 personas, cuenta con un escenario diseñado para ascender y descender de manera mecánica, cuenta con iluminación completa, cañón, reflectores y diversidad de luces a color, el equipo de sonido es moderno con los canales suficientes para la realización de conciertos.
Respecto al mobiliario, éste está destinado a la parte administrativa, de dirección, secretaria, boletería y otros, se cuenta con cómodos asientos para el público que asistirá a las funciones.

Falleció Norma Méndez de Paz, autora de la primera ópera nacional Incallajta

La escritora y autora del libreto de la 1ra ópera nacional “Incallajta”, Norma Méndez de Paz, falleció hoy. Amigos y familiares le dan el último adiós en el templo La Capilla y se anuncia el entierro para las 15:00 horas.

“Incallajta”, obra que fue creada en honor a las ruinas, se estrenó por primera vez en La Paz, en 1980 con la música de Atiliano Auza León.

Volvió a la escena en nuestra ciudad, 30 años después con más de un centenar de artistas de la Orquesta Filarmónica de Cochabamba, cuerpo de baile y el reconocido barítono Gastón Paz Zegarra, donde Norma Méndez también participó como coordinadora general.

Una verdadera obra de arte que tuvo una presentación exitosa y fue destacada también en la publicación de Los Tiempos “Incallajta, una ópera de primer nivel”, el 19 de septiembre de 2010.

Oruro Actores pusieron en escena la falta de apoyo de las autoridades

Integrantes de la Asociación Boliviana de Actores (ABDA) filial Oruro, con motivo de celebrar el Día Mundial del Teatro, ayer en la plaza 10 de Febrero escenificaron la realidad del teatro local y la falta de apoyo de sus autoridades. Actividad que pretende sensibilizar a la comunidad en su conjunto.

EL presidente de la ABDA, Ariel Alcócer Boyerman, indicó: "Como artistas, como teatreros, que significamos la parte creativa de lo que es el arte, hemos querido presentar este pequeño trabajo en este día especial".

Los actores se organizaron para la presentación de algunos grupos de teatro escenificando la importancia del teatro en toda sociedad, pero también se mostró el poco apoyo y respaldo que se recibe por parte de las autoridades departamentales y municipales. El elenco estuvo compuesto por más de cinco artistas quienes a su turno intervinieron y dieron a conocer el mensaje al público que se dio cita alrededor de las 12:00 en la plaza principal de nuestra ciudad.

"Tenemos esa percepción, lamentablemente el apoyo al arte, al teatro, a la cultura, es muy poco en Oruro, nosotros a partir de esta actividad queremos difundir el talento que existe en el teatro local, con artistas orureños que apuestan al arte", afirmó Alcócer.

Luego de la presentación se realizó una pequeña tribuna libre por parte de los artistas, quienes coincidieron en cuestionar la falta de políticas de apoyo que se da en otros departamentos, también se llamó a la reflexión al público orureño que no respalda a la producción local como debe ser.

El trabajo de la institución que aglutina a los artistas, se inicia el mes de abril con interesantes propuestas o "temporadas" que serán presentadas por los elencos orureños.

España sube al escenario del Fitaz con una comedia del Siglo XIX

Una comedia basada en la relación amistosa de un duque y su secretario, es la propuesta que traerá hoy, a las 20.00 horas, la compañía española El Astillero, a través de su obra “30 grados de frío”.

Esta puesta en escena que forma parte de la programación del Festival Internacional de Teatro, será protagonizada por Francisco Vidal, que interpretará al Duque de Osuna, Chema Ruiz, en el papel de Juan Valera y Daniel Martos, bajo la dirección de Luis Miguel González. Silvia Marta y Miguel Ángel Camacho completan el equipo.

La obra ambientada en San Petersburgo de 1856 y enero de 1857, comienza con la llegada de la legación española a la capital de Rusia, para retomar las relaciones diplomáticas.

“Al frente de la legación está el Duque de Osuna, don Mariano Téllez Girón, dueño de la mayor fortuna de España, un aristócrata que, con una peculiar idea de la grandeza, decide costear la legación, mostrando una opulencia fuera de lo común. Don Mariano llevaba como secretario a un diplomático de carrera, un funcionario observador y de muy inteligente sentido del humor, un joven llamado Juan Valera, que más tarde se convertiría en uno de los grandes novelistas españoles del Siglo XIX”, sostuvo el director del elenco, Luis Miguel Gonzáles.

Este viaje al Imperio desconocido, induce a los espectadores a mirar de diferente manera a este país, naciendo en ellos momentos de reflexión y la necesidad de cambios urgentes.

Gonzales basó su propuesta escénica en las “Cartas de Rusia” de Juan Valera, que en opinión de la crítica lo hizo con notable sagacidad e inteligencia.

Para los productores de la puesta en escena es sumamente sugerente desde “los viajes, las situaciones, los personajes femeninos, incluso la misma Rusia y sus palacios, todo está a merced de un público dispuesto a crear, partiendo de las sutiles pistas que lanzan los actores”.

VISIONES

La obra muestra dos visiones de España, una de ellas es la del Duque de Osuna, don Mariano Téllez Girón, “autonombrado” embajador en Rusia, que pertenece a la España “del antiguo régimen, la de la aristocracia imperial venida a menos, que no quiere ver que todo su imperio se ha derrumbado”.

La otra visión es presentada por el personaje de Juan Valera, “que es una persona más moderna, ilustrada y cercana a una contemporaneidad”.

“En este viaje un tanto quijotesco surgen aventuras, conflictos y rivalidades entre los personajes, pero también una gran amistad”, dijo González, a tiempo de explicar que las expectativas del elenco, sobre sus presentaciones en Bolivia “son muchas”.

“Lo que queremos es que nuestro texto guste al público e incluso influya entre la gente que pueda escribir o dirigir teatro aquí, que muchos de ellos ya son amigos míos”, agregó.

DATOS

- La obra tiene un récord de cartelera en Europa, además el grupo es uno de los más connotados en el viejo continente.

- Su llegada a Bolivia tiene el apoyo de la Embajada de España y la Agencia de Cooperación Española.

- “30 grados de frío es una comedia llena de ingredientes clásicos de este género. No fue un plan premeditado, sino que ese tono y esos referentes han surgido del trabajo en común de los dramaturgos con los actores”, afirmaron, por su parte, otros integrantes del grupo.

Teatro Palais Concert en deterioro y no hay fecha de inicio para su refacción

Una de las históricas construcciones que perdura en el tiempo es el teatro Palais Concert, que por su concepción arquitectónica es reconocido como un patrimonio de los orureños, desde hace varios años muestra un deterioro preocupante, sin que exista fecha programada para su refacción.

De acuerdo a la explicación proporcionada por el jefe de la Unidad de Turismo y Cultura del Gobierno Autónomo Departamental de Oruro, Pedro Ramos, lamentablemente no se puede realizar un trabajo a corto plazo, que debe ser desarrollado por especialistas. Además de preparar un proyecto especial de restauración de todo el teatro Palais Concert, hecho que impide el inmediato trabajo en la mencionada edificación.

"Se hicieron solicitudes el 2011, ahora hemos coordinado en una reunión para encaminar este delicado tema adecuadamente, respaldándonos por ejemplo con el Colegio de Arquitectos, la normativa que pueda tener el Ministerio de Culturas y otros, para iniciar el trabajo", indicó Ramos.

Mientras dure este proceso el teatro Palais Concert, seguirá abriendo sus puertas y funcionando pese a la precariedad de sus instalaciones, en el interior como en el exterior, con las limitaciones mencionadas, además de que en horas de la noche y las madrugadas, algunas personas inescrupulosas convierten el sector en un mingitorio público.

"Es difícil hablar de tiempos, es un trabajo muy especializado, si vamos a tocar este teatro tiene que ser para que vuelva a nacer, va a tomar su tiempo, estamos realizando el perfil de proyecto", puntualizó Ramos.

El Gobierno Autónomo Departamental de Oruro, es el directo encargado de la infraestructura y de acuerdo al compromiso los trabajos civiles se realizarán respetando las normas y leyes vigentes, en cuanto se refiere a preservación de edificios patrimoniales.

FITAZ Dabar repone la obra “El nuevo traje del emperador”

Después de un exitoso debut, el pasado fin de semana, en el Espacio Pipiripi, el grupo actoral Dabar repondrá hoy, a las 18.00 horas, la comedia “El nuevo traje del emperador” en la Unidad Educativa Marien Garden del distrito Max Paredes.

Esta comedia logró el tercer lugar en el concurso municipal de teatro Raúl Salmón De la Barra, razón por la cual su presencia en la mayor fiesta teatral de la ciudad, Fitaz, forma parte del reconocimiento a la calidad del montaje escénico.

La adaptación de un cuento realizada, por la directora del elenco, Paola Gaitán, muestra en tres actos la vanidad y orgullo de las personas, que gastan hasta lo que no es suyo con tal de vivir de apariencias.

“Es una obra con profundos mensajes sobre esta actitud, adaptable a cualquier sociedad”, agregó Gaitán.

Es la historia de un Emperador amante de los trajes nuevos.

“No ama nada más que lucir un nuevo atuendo por sus dominios. El desfile de la victoria está cerca, recibe una nueva propuesta para la confección de un nuevo traje. El Emperador está ansioso por mostrar y lucir ante el mundo su nuevo traje, un traje que por lo que le dijeron será la más grande maravilla del mundo, con éste revolucionará la moda de todo el planeta; no importa el costo, no importa nada, sólo importa ser el mejor vestido y esto se logrará cueste lo que cueste. El buscar hacer lo que uno quiere y ama sin importar los costos y las consecuencias hace que uno se desalinee y pierda así de vista su principal propósito y función”, agregó Gaitán.

El grupo lleva dos años de trabajo actoral, particularmente, sobre textos cristianos.

El elenco de este grupo está conformado por Valeria Canedo, Jacqueline Candia, Rebeca Pérez, Nohemí Pérez, Gustavo Torres y Paola Gaitán.

La Sinfónica abre 2012 con “cañones de guerra”

La Orquesta Sinfónica Nacional inicia su temporada 2012 con dos veladas dedicadas a oberturas de compositores como Piotr Ilich Tchaikovsky, Gioachino Rossini y Johann Strauss. Los conciertos serán hoy y mañana a las 20:00, en el Centro Sinfónico Nacional de la calle Ayacucho 366.

Dirigidos por el maestro Ramiro Soriano Arce, los conciertos titulados “Oberturas 1812-2012” contarán con la participación de cadetes del Colegio Militar que resguardarán dos cañones con los que se recreará, mediante fuegos artificiales, el fragmento final de la famosa pieza con la que Tchaikovsky homenajeó a Rusia por su resistencia a Napoleón.

Según el programa oficial, en la primera parte la orquesta interpretará las oberturas Russlan y Ludmila, de Mikhail Glinka; Las Hébridas, de Félix Mendelssohn; Guillermo Tell, de Gioachino Rossini, y El murciélago, de Johann Strauss.

Además, en la segunda se escucharán las oberturas Festiva, de Dmitri Shostakovich; Orfeo en los infiernos, de Jacques Offenbach; El barbero de Sevilla, de Gioachino Rossini, y finalmente, 1812 de Tchaikovsky, cuyo final triunfal incluye una serie de 11 disparos de cañón y el repique de campanas.

30 grados de frío, la creación colectiva en su mayor expresión

“Tenemos una fórmula de trabajo en la que el autor propone su texto al resto del grupo y éstos son implacables y le dicen qué funciona y qué no. El autor tiene la única obligación de estar callado e invitar las cervezas”.

Así trabaja la compañía española de teatro El Astillero, y fue así como se implementó y perfeccionó 30 grados de frío, la obra con la que se presentarán hoy a las 20:00 en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez, en el marco del VIII Festival Internacional de Teatro de La Paz (FITAZ 2012) que se efectuará en diversos espacios de la urbe hasta el próximo 4 de abril.

Pero éste no es un estilo más de creación colectiva dentro del panorama de las artes escénicas contemporáneas; la propuesta de El Astillero es única en España y Europa, pues más que una compañía de teatro, es un “núcleo de escritura contemporánea”.

Justamente según cuenta el director Luis Miguel González, 30 grados de frío es la primera obra cuyo texto no es enteramente una creación colectiva, sino una adaptación, una versión libérrima de Cartas desde Rusia, de Juan Valera.

Esta “hilarante comedia cargada de ironía” cuenta la historia de una legación española que en 1857 se instaló en San Petersburgo con el fin de restablecer las relaciones diplomáticas entre España y Rusia.

La historia

La obra está basada en las cartas escritas desde el lejano país por el escritor Juan Valera, entonces secretario del afamado duque de Osuna. “Valera -cuenta González- relata las divertidas aventuras de Osuna, típicas de la antigua aristocracia española que ya para ese tiempo estaba resquebrajada y en decadencia”.

Las primeras reescrituras del texto fueron realizadas por González, José Ramón Fernández y Ángel Solo. Las versiones posteriores, que antecedieron a la definitiva, surgieron de las improvisaciones con los actores, entre cervezas y buen humor, pero aún respetando la idea original de Valera.

Osuna, el duque, y Valera son dos personajes antagónicos. El duque hace gala de su opulencia, es un aristócrata derrochador, generoso, que dilapida su fortuna sin inhibición; mientras que su acompañante es un hombre mesurado, correcto y con un amplio sentido de la responsabilidad.

Según Francisco Vidal, renombrado actor de cine y teatro, que interpreta al duque de Osuna, este personaje es un hombre “ampuloso, extravagante e irresponsable”.

“Lo interesante es ver cómo a pesar de ser tan distinto a Valera, ambos pueden llegar a entablar una gran amistad”, comenta.

Analogías

Así, más allá de su trama particular, los personajes también encarnan a dos Españas diferentes pero fácilmente relacionables.

“La obra relata esta confrontación entre el antiguo régimen y la modernidad; y todo eso se trasplanta a la época actual, a esa España que hace cuatro años era pujante y fuerte, y a la que hoy es una nación en crisis. También está la lucha de las dos Españas, la más conservadora, tradicional y la España moderna”, dice González.

El personaje de Valera es interpretado por Chema Ruiz; el tercer actor en escena es Daniel Martos quien según afirmó la crítica española, es el “mago” de toda la propuesta, pues “interpreta a todos los demás que son como 50 personajes, entre ellos una mujer”.

Pero más allá, Martos es además el asistente de dirección que cumple así su viejo anhelo de incursionar en la actuación.

30 grados de frío se mantuvo en cartelera por más de un año y viajó por toda España. Fue un “inmenso trabajo de relojería”, de producción, programación, ensayos y viajes que, finalmente, recala en La Paz

Fuente Pagina Siete

Diego Aramburo, inspiración y carácter en el teatro

El director y fundador de Kiknteatr, Diego Aramburo, presentó por dos días consecutivos en el Teatro Municipal la obra “Hamlet de los Andes”, la cual fue bien recibida por el público paceño que agotó taquilla antes de las presentaciones. Esta obra refleja parte de su historia personal, ya que al igual que Hamlet, Aramburo perdió a temprana edad a su padre y transmite los dramáticos cuestionamientos que ocasionaron esta orfandad.

El director afirmó que invirtió en trabajo, investigación y reflexión como debe ser un artista que entrega, abre y cede parte de su esencia en cada obra. “El concepto y la visión de Hamlet son míos y son realmente muy personales”, sostuvo.

Aramburo empezó como actor a sus 17 años “sin saber nada y rodeado de una actividad escénica boliviana en general, “amateur y pobrísima”. El actor sostuvo que toda su obra artística gira entorno a un desarrollo coherente de estas obsesiones que le nacen desde su adolescencia.

Kiknteatr comenzó a fines de los ochenta y tiene el sello característico de Aramburo con artistas representativos como Patricia García, David Arze y Lía Michel. Trabajó también con Claudia Eid, quien fue pareja sentimental del director: “Trabajar con la pareja es muy demandante”, recuerda el actor, al sostener que no se debe mezclar la relación con el trabajo. “Con Claudia conseguimos una complicidad muy fuerte y linda, y la colaboración dio frutos; como ese Cuento del Amor, que es una obra de teatro escrita entre ambos y que me parece un texto muy bien logrado”, dijo Aramburo.

DEMAGOGIA: Por otro lado, Aramburo criticó el premio Eduardo Abaroa por ser una “demagogia” por parte del Gobierno, ya que otorgar 4.000 dólares como reconocimiento a toda una carrera artística, que a su criterio “es un insulto”, al considerar que un premio no es la manera de reconocer el arte, sino representa los lineamientos que rigen las políticas culturales del Estado actual.

Sin embargo, espera que el ministro de Cultura, Pablo Groux, abra más y mejores canales de diálogo, pues a su criterio es una de las personas más idóneas para ocupar ese cargo.

Económicamente hablando, el director afirma que el actor no vive de su arte: “No gano ni el diez por ciento del monto de lo invertido, pero recompenso con creces mi nivel humano y artístico”.

Aramburo es conocido también en el ámbito internacional: “Uno debe ir vendiendo su creación en cada función, y sobre todo en festivales del exterior, que son los que pagan algún caché que podría hacer que, a largo plazo, uno balancee los egresos con los ingreso”.

LIBERTAD DE EXPRESIÓN: Para Diego Aramburo la libertad de expresión es fundamental e imprescindible para cualquier ser humano en cualquier cultura y circunstancia. Revela su amarga experiencia juvenil cuando se vio obligado a abandonar sus estudios en la Universidad Católica de Cochabamba debido a evidentes muestras de rechazo por su trabajo contestatario artístico que no fue aceptado por un religioso que fungía de vicerrector de la sede de Cochabamba en ese entonces. “Gentilmente lo mandé a cagar y dejé la institución”, dijo el actor.

“Pero este tipo de atropellos al individuo y a su libertad de expresión no hicieron más que afirmar lo que era evidente para mí: Tengo cosas que decir y voy a hacerlo y las formas artísticas son el mejor medio que he encontrado para dar vía a esta necesidad humana”, sostiene el artista.

Por último, recomienda a los jóvenes, a quienes apasiona el teatro, pero a los cuales les preocupa el dinero, que dejen de dudar, pues de lo contrario no tendrán la fuerza para sobrevivir a los miles de embates que encontrarán en el camino del quehacer artístico.

“Esta actividad demanda una voluntad de fierro y dedicación a “full time”, más si uno quiere ejercerla con una calidad que le permita ser “exportable” cosa fundamental para sobrevivir con este oficio en un país como el nuestro”. Con esta voluntad es que Diego (Aramburo) nos ofreció Hamlet en los Andes que fue calificado por la crítica como una obra cúspide del teatro nacional”, manifestó.
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Teatro de los Andes muestra su esencia intacta en emotiva obra

Pagina Siete

Atormentado y al borde de la locura, un Hamlet con aires andinos se adueña del escenario. Llora, grita y reniega del peso de su destino: vengar a su padre muerto.

En torno a este clásico personaje, esta vez recreado con aires de aparapita, Teatro de los Andes presentó ayer Hamlet de los Andes, la primera obra desde que el argentino César Brie, fundador y director, dejó el elenco en 2010.

En medio de la oscuridad, Hamlet, interpretado por Gonzalo Callejas, devora los restos de su padre. Repite: “A los muertos hay que llorarlos y gritarlos, decía mi abuela”. Se viste de pollera para montar un show y molestar al asesino de su progenitor.

Esas escenas protagonizadas por Callejas, Lucas Achirico y Alice Guimaraes son de alguna manera el símbolo del regreso significativo del Teatro de los Andes a las tablas y el primer paso de una nueva etapa del proyecto que nació hace 20 años en Sucre.

Según el literato Omar Rocha, antes de ver la propuesta de la renovada compañía, la intriga general era saber si pudo con el enorme desafío de mantener “la estética, la poética del Teatro los Andes. Era un reto costoso y difícil y se ha logrado”.

Esta mirada la comparte Diego Aramburo, quien en la sesión inicial de la Escuela de Espectadores confesó ayer que fue su principal reto cuando aceptó la invitación para dirigir la obra.

“La estética, estilo y poética es una cuestión de identidad de los miembros del grupo y no sólo de un director (Brie) que fue una parte fundamental de su historia”.

En el mismo contexto de evaluación del debut en Bolivia de la nueva obra del reconocido elenco, el coordinador Paolo Nalli dijo que “seguiremos con la concepción con la que nacimos”, aunque confesó que es innegable mirar al pasado.

FITAZ El Hamlet de los Andes

Pocas obras como el Hamlet, de Shakespeare, serían tan propicias para que el Teatro de los Andes retome su horizonte sin César Brie. En efecto, la obra se construye alrededor de la figura del padre ausente que, sin embargo, ejerce una presencia perturbadora.

Y surgen algunas preguntas, ¿estamos muertos?, ¿quiénes somos finalmente?, ¿somos lo que éramos? En otro movimiento las preguntas particulares del grupo intentan confluir con lo que el público espera: Hamlet de/en los Andes.

La obra logra una complejidad relevante, por un lado se mantiene fiel a los principios que el elenco construye desde hace 20 años, una estética y poética tan particulares que es imposible no sentir la presencia fantasmal de quien está y no está al mismo tiempo.

Pero por otro lado, la tensión que produce un toque diferente dado por la dirección de Diego Aramburo y por la creación colectiva que deja de lado la añoranza y produce desde la ausencia/presencia.

Hay muchas cosas que destacar: un Hamlet andino, que convive perfectamente con los de tiempos míticos y ritualidades andinas relacionadas con el alcohol y el devenir aparapita, sin traicionar al personaje shakesperiano.

Unas escenas maravillosas como la pelea de cholitas cachascanistas para representar, como teatro dentro del teatro, los actos bochornosos del tío y la madre. Una escenografía perfecta para la propuesta, sustentada en una puerta que hace de mesa, de ataúd, de ring y puerta (esta vez a partir de su función simbólica de entrada y salida). Y un trabajo actoral impecable: tres actores que encarnan hasta el triple de personajes.

Luego de ver Hamlet de los Andes se entiende mejor cómo los griegos presenciaban historias que ya conocían, iban a ver las distintas versiones de Edipo, Antígona, de Medea'

Aunque sabían de qué iba todo, salían conmovidos, purgados de esos sentimientos que producía la tragedia en sus corazones. Así, esta versión de Hamlet deja las más diversas y gratas sensaciones que una obra de teatro puede generar.

Tarija En abril se inaugurará el Teatro

El director dela Casadela Cultura, Nils Puerta, informó que la agenda de “Abril en Tarija” ya está concluida y el programa se encuentra divido en cuatro semanas. La primera está enfocada a la semana santa con conciertos musicales religiosos, mientras que la segunda semana está dirigida a los niños y se harán presentaciones de marionetas, teatro de sombras y otros.

En la tercera semana se hará la inauguración del teatro dela Casadela Culturay para ello se tendrá actuaciones de música clásica, jazz, folklore y en la última semana se dictarán talleres de formación musical y se lanzará un concurso de poesía, ensayo y cuento.

Respecto a la inauguración del teatro, dijo que esta obra será abierta al pueblo tarijeño a través de las gestiones realizadas y la predisposición de las autoridades de turno. “Hemos encontrado una excelente predisposición para que esto realmente sea una realidad –dijo– y esto es un ejemplo de que cuando se pone en primer lado la cultura lo político desaparece”.

Para finalizar las actividades de abril en Tarija se contará con la presencia de un ballet italiano. Los programas serán repartidos en los siguientes días para que la población se de cita a cada una de las actividades.

martes, 27 de marzo de 2012

Claudia Eid: "Hacer teatro nada tiene que ver con ser boliviano o de otro país"

"El teatro nada tiene que ver con ser boliviano o de otro país, tener o no tener recursos; creo que hemos aprendido a hacer teatro de calidad y sin muchos recursos", declaró Claudia Eid, directora con reconocida trayectoria en el escenario cochabambino y nacional, en el día internacional del teatro que se celebra en todo el planeta con distintas manifestaciones artísticas y performance.

En Cochabamba, muchos de los actos conmemorativos se realizarán en horas de la noche, según confirmó la dramaturga que ganó uno de los reconocimientos en el Festival “Peter Travesi Canedo 2011” que se desarrolló en nuestro departamento el pasado 26 de septiembre. "Es interesante que, después de tanto tiempo, este año se decida festejar el día mundial del teatro. Creo que es un síntoma de que se le está dando más importancia a esta actividad", aseveró Eid.

Asimismo, la dramaturga sostuvo que en el país existen obras de gran calidad que en este 2012 estan dando que hablar internacionalmente y han sido acogidas con entusiasmo por parte del público boliviano, como "Hamlet de Los Andes", del grupo de teatro "Los Andes", y que coindidentemente se presentó anoche en el Fitaz. La obra sería estrenada en julio en Cochabamba.

"En mi caso, hemos comenzado el año en colaboración con un espectáculo de danza con Paola Salinas; después se abrió el taller permanente del Martadero, que pretende formar un grupo independiente a fines del 2012. Después me dedico a una obra llamada 'El Miedo' y posteriormente, otra puesta en escena en noviembre titulada 'Los Infelices'. Esto entre La Paz y Cochabamba", detalló la directora cochabambina, refiriéndose a sus proyectos personales.

"Lo único que podemos hacer es trabajar con lo que tenemos y no pensar en lo que no tenemos", asintió Eid.

Cada 27 de marzo, y desde 1961, se celebra el "día mundial del teatro", en honor a esta representación de la cultura que se festeja con la realización de eventos nacionales e internacionales. En Bolivia, este día no es la excepción.

Desde el pasado viernes 23, en el país se desarrolla el Festival Internacional del Teatro de La Paz (Fitaz) que coincide con el día mundial del arte. En su séptima versión, el Fitaz se presenta con obras pertenecientes a grupos teatrales de gran trayectoria, y donde el nivel de actuación ha crecido a pasos agigantados en los últimos años.

Trayectoria

Claudia Eid inició su carrera en el Elenco Municipal de Teatro de Cochabamba en 1996.

Después de formar parte de algunos elencos independientes, ingresó a Kikin teatro, grupo en el cual se desempeñó como actriz y directora. Con este grupo puso en escena diversas obras junto a Diego Aramburo.

Eid también escribió y actuó en la premiada obra “Ese cuento de amor” y dirigió “Desaparecidos”, estrenada en 2005.

Previamente fue becada por la Casa de América en Madrid y realizó un curso de dirección y dramaturgia con profesionales de la talla del colombiano Santiago García y el español José Sanchís Sinisterra.

En 2006 dejó Kikin teatro para dedicarse al elenco que creó y ahora dirige en Cochabamba: El Masticadero.

La Compañía de Teatro de Claudia Eid fue una de las ganadoras en el Premio Nacional de Teatro “Peter Travesi Canedo 2011” con la obra "La Carga".

Liber Forti en el nombre del Teatro

Con la mirada traviesa, hiperactivo, amable y con plena lucidez a sus 93 años, Liber Forti, fundador del grupo teatral "Nuevos Horizontes", reconoce ser un hombre enamorado de la vida, la soledad y la libertad en medio de su gran pasión por el teatro y una lucha callada contra el cáncer.

Desde su fundación en Tupiza en 1946, el legado de Nuevo Horizontes ha sido indiscutible para Bolivia, pues gracias a este emprendimiento, el arte de las tablas empezó a recorrer todos los distritos mineros del país, pues Liber Forti estaba y está convencido de que es posible un teatro de hermandad.

"Para mí el teatro tiene la función de conmover, de remover, de despertar emociones, el teatro está destinado a esto, a acercarnos a la gente, conocer realidades, aprender y agradecer por lo aprendido", manifiesta.

Sin embargo, Forti reconoce que no todos los momentos en la historia han sido fáciles para este arte, pero que siempre es posible hacer un buen teatro pues todo tiene que ver con el don de dar antes que recibir, ¿me preocupo por hacer algo para mí, por mí o para los demás?, se cuestiona tratando de explicar la esencia de lo que ha llenado por completo su vida.

Hoy, "Nuevos Horizontes", de mano del maestro sigue creciendo y cada vez más afirmando la voluntad de quienes viven apasionados por el teatro. Por eso, se espera con gran expectativa un taller que se llevará a cabo desde julio a octubre en Tupiza donde el legado de Forti nuevamente abrirá el telón.

Cuando se piensa en la edad y más aún en el cáncer, pareciera difícil comprender que cada día surgen y se renuevan los sueños y los proyectos. Liber Forti hace que esto sea una oportunidad para seguir viviendo, pues está convencido de que le falta hacer todo desde los comienzos.

"Tengo planeado en los próximos meses un viaje a Francia y Grecia, invitado por amigos que quieren seguir hablando de teatro… la enfermedad está ahí pero en vez de que sea un obstáculo, es una oportunidad, uno renace después de eso aunque pago las consecuencias día a día pero… ¡carajo, la vida es linda!".

Liber Forti, es simplemente un "hombre de alpargatas", así se define él, una bizarra expresión para explicar la personalidad de alguien que solo refleja sencillez, generosidad y un corazón lleno de agradecimiento.

FITAZ No Pirex, de Armatrux

En el marco del Fitaz 2012, el grupo Armatrux, de Brasil, se presentó el domingo en el Teatro Municipal con la obra No Pirex.

En un extraño y extravagante sitio, que bien podría ser el purgatorio, el infierno o simplemente la representación simbólica del mundo y la vida, cuatro oscuros clows: dos garzones, una cocinera y la administradora del lugar, pasan el tiempo preparando una grotesca y repetida cena para un viejo comensal.

Los patéticos integrantes de este patio de comidas, que es el mundo, preparan la mesa, la vajilla, la cocina, la comida y las bebidas. Simulan que cocinan, simulan que sirven, que beben y comen.

Los oscuros servidores todo lo expulsan, vomitan, escupen, matan. El comensal se come los platos y sangra cada vez que lo hace. El servir y el comer tiene un ritual dantesco, repetido, exagerado y absurdo. Mientras preparan la última cena que será siempre la primera y viceversa, transcurre la no existencia.

No Pirex es una poética y visual metáfora del sin sentido de la vida que vociferó el existencialismo, pero con entrañable humor latino, con sabor de Brasil.

Rechazando lo que ocurre en el escenario, el espectador termina por valorar y amar la vida. Porque la vida es todo lo contrario de lo que ocurre en ese amenazante y desolador sitio. Pero es cierto que mientras comemos para vivir, la vida pasa y nos va dejando con los huesos cansados y con bastante tiempo para reflexionar en nuestra última cena.

Esto es lo que narran los actores de Armatrux, sin pronunciar palabras o con sólo unos primigenios gruñidos. Un trabajo actoral, individual y colectivo sin fisuras, con una sólida técnica, experiencia e inocultable gusto, alegría y pasión por lo que se hace sobre el escenario. Homogéneo al más alto nivel. Una dramaturgia sugerente y cautivante. Un producto acabado hasta en el último detalle.

(Director: Eid Ribeiro. Elenco: Cristiano Araujo, Eduardo Machado, Paula Manata, Raquel Pedras y Tina Dias).

El Duende y la Luna traen una fábula aymara

El elenco del Teatro el Purgatorio repone una obra que le mereció el primer lugar en un festival boliviano.

Un duende enamorado de la luna, un valiente zorro azul y una niña que deberá bailar para salvar a su pueblo son parte de los 16 pequeños personajes que, manipulados por dos titiriteros del elenco del Teatro el Purgatorio, narrarán la historia de El duende y la luna, hoy, a las 10.30, en el Cine Teatro 6 de Agosto.
La puesta, que ingresa en el género de títeres de guante, tiene como creador a Raúl Beltrán, y como animadores, a Martín Céspedes y Roberto Espinal. La obra cuenta la historia de un pueblo que se olvidó de agradecer a la madre naturaleza por todo lo que le brinda, por ello, el Sajra (espíritu maligno) aprovecha y manda una maldición y desde entonces nada crece en las montañas, los animales no tienen crías ni las mujeres hijos, describe Céspedes. Añade que la salvación del pueblo está en las manos de la niña Paulina.
Sobre la obra. De acuerdo con Céspedes, la obra, de 50 minutos de duración, fue escrita en un proceso que duró 15 años y recién en 2007 salió al escenario. Ese mismo año, en el Teatro Municipal, participó en el Festival Nacional de Títeres y Muñecos Animados (Festiñecos), en el que obtuvo el Premio a la Mejor Obra.
El animador confiesa, respecto del guión, que a veces los procesos creativos “duran más de lo que uno quisiera y fue en 2007 cuando con Raúl asumimos el reto de montar la obra como tal. Después se integró Roberto Espinal para hacer la versión final que se presentará mañana”.
Con más de 50 funciones, la obra se escenificó en países como Perú y Paraguay, y en Bolivia, en las principales ciudades y provincias.
En el escenario se utiliza la imagen y el movimiento, y algo que sobresale en el guión, comenta Céspedes, es que algunas palabras en aymara no es necesario traducirlas para que los niños las entiendan, lo que le sorprende.
Al final, el mensaje apela al respeto a la madre naturaleza (Pachamama), a no olvidarse de ella y a celebrarla como se merece.

“A pesar de que los títeres no son de gran tamaño, se utiliza mucho la imagen y el movimiento; las palabras en aymara
son referenciales”.

Martín Céspedes / TEATRO EL PURGATORIO

Teatro el Purgatorio, con 27 años de trayectoria. Se fundó en 1985 con Raúl Beltrán y otros actores. Desde hace 10 años cuenta con un elenco estable: Raúl Beltrán, Roberto Espinal, Alejandro Beltrán, Clarivel Loayza, Sharon Cordero y Martín Céspedes. Las obras Cuando sale la luna (premio municipal de teatro Raúl Salmón 2010), El Rey León (basado en un cuento caribeño) y El pincel mágico (títeres) son parte de las producciones de Teatro el Purgatorio. Actualmente preparan la obra Tirante el Blanco, una obra para adultos, que se estrenará en junio.

10 bolivianos es el precio de las entradas para la función de hoy, a las 10.30.

11.00 Se presenta el elenco del Teatro Grito y Teatro la Cueva con la obra Fuera de sí, en la calle 5 de Mallasa.

18.45 El Búnker y Reciclaje Producciones presentan la obra La muerte de un actor, en el Teatro de Cámara.

18.45 Los actores de Imákina Comunidad Teatral reponen la obra En silencio, en el Modesta Sanjinés de la Casa de la Cultura.

20.00 Se presenta la obra Hamlet de los Andes, del Teatro Los Andes, en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.

22.00 Teatro Liberavi pone en el escenario la obra La Paz, sus historias, en el ex Círculo Israelita, Landaeta 346.


El Teatro celebra su día en las calles

Con una exposición de afiches de obras teatrales desde sus primeros años en nuestra capital y en Bolivia, arrancaron ayer en la Manzana Uno, las actividades de festejos por el Día Mundial del Teatro, establecido por la ONU.

Repertorio variado. Dentro del marco del programa oficial realizado por la Asociación Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (Asatt) en conjunto con el grupo de teatro Lu-k, hoy están organizando la presentación de la compañía de teatro El Taller, que recreará la obra El Ávaro, de Moliere, en la Casa de la Cultura a las 10.00. El ingreso gratuito.

Talleres. En la celebración se realizará tres talleres dirigidos por jóvenes y consagrados maestros de las tablas. Porfirio Azogue dictará su especialidad en la Biblioteca Municipal; Roberto Kim enseñará en la Casa de la Cultura; y María Delicia Landívar, en el Centro Cultural Franco Alemán en horario simultáneo de 14.00 a 18.00, para luego concentrarse junto a los estudiantes del taller e improvisar actuaciones.

Caravana. Artistas renombrados junto al grupo de jóvenes amantes del arte teatral, realizarán la caravana artística donde estarán los actores de la obra teatral ganadora del Tiqui 2012 "El corral de Bernarda", alentando el evento junto a otros actores, para concluir en una presentación conjunta.

Al concluir la cita se realizará la lectura de un manifiesto en honor al Día Mundial del Teatro, a cargo de los máximos exponentes de las tablas en la ciudad

Festejo

Día mundial del teatro. El 27 de marzo es una fecha muy especial. Se celebra, como todos los años el Día Mundial del Teatro, pero este año se cumplen cincuenta desde que el Instituto Internacional del Teatro de la Unesco lo instauró promoviendo anualmente la difusión de un mensaje escrito por una personalidad del mundo del teatro. El reconocido actor, productor, guionista y director estadounidense, John Malkovich pronunciará el mensaje.

Nace la escuela de espectadores en Bolivia

Hoy se celebra el Día Mundial del Teatro y en La Paz se inicia un emprendimiento que motivará la reflexión y la crítica en el público.

Generar un espacio de reflexión, estudio, discusión y crítica sobre espectáculos teatrales, en un principio, es el objetivo de la Escuela de Espectadores que hoy nace en Bolivia, justamente en el Día Mundial del Teatro, según Omar Rocha, coordinador de ésta y docente de la Carrera de Literatura de la UMSA. La sesión inaugural será hoy a las 10.30 en el Auditorio del Espacio Simón I. Patiño, cuando se hará una crítica sobre la obra Hamlet, del Teatro de los Andes, y en la que participarán Pablo Mascareño, responsable de coordinación de la Escuela de Espectadores de Mar del Plata, Argentina; Paolo Nalli, director general de Teatro de Los Andes, y Diego Aramburo, director de la obra, informa el Espacio Patiño. Al finalizar, a las 12.00, se realizará un brindis de honor. Por otro lado, el coordinador también informa que el 9 de abril se llevará a cabo una sesión en la que se tocará la significación de Hamlet en general para el teatro, la cual se desarrollará también en el Espacio Patiño a las 19.00.
un espacio para el público. Según Rocha, la idea de la escuela es, luego de ver las obras, dialogar con los directores y actores de ellas. Después se dará paso a algún especialista en teatro para conformar una sesión crítica.
La escuela está dirigida al público en general, que no está directamente relacionado con las artes escénicas pero que tiene interés en ir más allá de los mismos espectáculos. Durante el año se realizarán por lo menos tres actividades similares con otras obras de autores bolivianos: Eduardo Calla y Percy Jiménez, entre otros. Esta actividad dependerá, más que nada, de las obras en cartelera en La Paz, que se espera, este año, sean varias. La Escuela de Espectadores en La Paz sigue los pasos de la que fue fundada en Buenos Aires, Argentina, por el crítico teatral Jorge Dubatti.

Expectativas futuras. Respecto de lo que se espera de este emprendimiento, Rocha afirma que lo más importante este año es iniciar la escuela y darla a conocer entre el público. En un futuro, el camino puede diversificarse hacia una actividad más continua y hacia otras artes. “Hay ideas de que no solamente se quede en el teatro, sino que se extienda hacia el cine, analizar y discutir algunas películas en cartelera con los espectadores. Esperamos poder hacerlo”, sostiene Rocha. Acerca de los requisitos de participación, indica que la principal exigencia es tener las ganas y la motivación para hacerlo, no hay límites de edad y solamente se cobrará el monto que cubrirá la entrada al espectáculo.

10.30 Es la hora de inicio de la primera sesión de la Escuela de Espectadores en el Espacio Patiño.

5 Es el número de países que cuentan con una escuela de espectadores: México, Argentina, Colombia, Chile y ahora Bolivia.

La escuela de espectadores se inicia en buenos aires, argentina. El Espacio Patiño informa que la escuela de espectadores es un proyecto que comenzó en Buenos Aires en 2001, creado por Jorge Dubatti, docente y crítico teatral de amplia trayectoria en ese país. Debido a los resultados obtenidos, la escuela se “reprodujo” en otras ciudades de América como Santiago de Chile y México D.F., por ejemplo. Desde la llegada de Jorge Dubatti al Fitaz 2010, se pensó repetir la experiencia en La Paz y recién ahora, dos años después, el proyecto se materializa.
Tres fuerzas unidas por un fin común. Son tres instituciones las que dieron lugar a que esta iniciativa se plasme en Bolivia: el Fitaz, a través de su directora, Maritza Wilde; el Espacio Patiño, mediante el apoyo de su directora, Michella Pentimalli, y la Carrera de Literatura de la UMSA, a través de Omar Rocha.

Aparapita, dirigida por Claudia Andrade y llevada a escena por la Compañía de David Mondacca, inauguró el Fitaz 2012 el viernes pasado. En la tradición de No le digas y Los cuartos, Aparapita lleva al espectador de viaje por el mundo de Jaime Saenz, en el que la libertad es encarnada por hombres harapientos que viven y mueren bajo sus propios términos. La estética del inframundo, bellísima a su manera, y las excelentes actuaciones, entre las que hay que destacar a María Elena Alcoreza y Rodrigo Ayo, hacen de la obra una experiencia intensa y por momentos conmovedora.
La primera obra internacional en presentarse en el Fitaz fue No Pirex, del grupo brasileño Armatrux. En absoluto silencio, tres actores y dos actrices nos sumergieron también en una especie de inframundo en blanco y negro, esta vez habitado por seres tiernos y grotescos que hilaban relaciones entre sí, pasando reiteradamente del horror a la risa y de la pausa al desenfreno. Puede decirse que la obra trata de la decadencia, o de las relaciones entre amos y sirvientes, pero la verdad es que la temática pasa a segundo plano frente a lo magistral de la concepción estética y del excelente trabajo actoral.

Música y teatro en la antesala barroca

La apertura del IX Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana “Misiones de Chiquitos”, convocó a más de un centenar de personas quienes disfrutaron de la propuesta musical y teatral en la Manzana Uno.

Antesala. Para el magno evento se habilitó un escenario en el centro de la ciudad. La Manzana Uno recibió al público que llegó con casi media hora de anticipación para disfrutar del recital a cargo de notables músicos.

Comenzó con el recital del francés Jean Marie Olive, que tocó el orgue de Barbarie (instrumento típico de Francia), para luego continuar con el Ensemble de Vientos del Sistema de Coros y Orquestas (Sicor); y para concluir se cerró con el teatro callejero de Humanas.

El evento. Luego se realizó una feria informativa sobre las diferentes actividades que se realizarán del 26 de abril al 6 de mayo tanto en la capital oriental, como en la Chiquitania, Porongo, Buenavista y por primera vez en el sur de país en Villamontes.

A reír con Tra-la-la

Con todo un arsenal de humor llega Tra-la-la junto a Jenny Serrano de Champagne Show y Vicente Valenzuela, con el fin de festejar sus 30 años de vida humorística, en Santa Cruz.

Esta vez se presentará este grupo de talentosos actores en el Teatro René Moreno, el 30 y 31 de este mes y el 1 de abril. En este nuevo show se hará un recuerdo de los inicios de Tra-la-la, cuando actuaba Jenny Serrano acompañada de Daniel Travesí, que sin duda hará reír a más de uno.

Lo que se podrá ver. Sin duda alguna que se reirá de principio a fin, con las ocurrencias de la Satuca, el lustrabotas, los árabes, Tina Turner, Horacio Aumentado, magia de primer nivel, las cholitas imitadoras, esto siempre acompañado con el toque de buena música y baile que están acostumbrados a mostrar Tra-la-la. Junto con ellos estará Vicente Valenzuela, quien armado con su guitarra conquistará al público desde el principio haciendo una noche fiestera y alegre.

Con tecnología de primera. Sin duda que la gran novedad es que en una de las partes del show, se podrá ver en el escenario a Peter Travesí (+), con el personaje del charanguito, quien sostendrá una charla con su sobrino Manolo Molina. Será simplemente un show de lujo donde toda la familia se divertirá.

Un poco de la historia. El nacimiento de Tra-la-la se remonta a noviembre de 1981, cuando Peter Travesí y Denis Lacunza unieron talentos a fin de crear un grupo de teatro cómico musical para el público infantil, luego hicieron humor para mayores.

Jaime mejía expone paisajes otoñales

“Paisajes otoñales lacustres”, es el nombre de la muestra pictórica del artista plástico Jaime Mejía, quien pone su obra a consideración del público hasta el 31 de marzo, en el salón de exposición de Casa Alzérreca.
Con el auspicio de la Casa de la Libertad, el pintor Mejía expone su arte en la técnica de óleo sobre lienzo con pincel y espátula. Se trata de una colección de 19 cuadros que representan diferentes paisajes de diversos ecosistemas de Bolivia, con el denominador común de incluir lagos y ríos.
“Los colores son bastantes subidos de tono que sobre todo ocurren en las épocas de floración, entonces he tratado de plasmar todo esto a partir de mi experiencia”, comentó el autor.

Hoy se celebra el Día Mundial del Teatro

Éste 27 de marzo, se celebra el Día Mundial del Teatro, una iniciativa creada en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI) de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).

Este año, además, coincide con un aniversario muy especial ya que se cumplen cincuenta desde que esta institución lo instauró promoviendo la difusión de un mensaje por una personalidad del mundo del teatro.

Para esta edición, la persona elegida ha sido el actor John Malkovich, que suma su nombre a una lista en la que figuran, entre otros, Jean Cocteau, Laurence Olivier, Jean Luis Barrault, Eugene Ionesco, Antonio Gala, Pablo Neruda, Peter Brook, Iakovos Kampanellis, Vaclav Havel o Arthur Miller.

Según el Manifiesto del Teatro 2006 titulado Un rayo de esperanza, "el teatro conmueve, ilumina, incomoda, perturba, exalta, revela, provoca, trasgrede. Es una conversación compartida con la sociedad. El teatro es la primera de las artes que se enfrenta con la nada, las sombras y el silencio para que surjan la palabra, el movimiento, las luces y la vida".

EL FITAZ llega a los barrios de La Paz

La octava versión del Festival Internacional de Teatro de La Paz (Fitaz) llegó el fin de semana a los barrios de la urbe paceña.

La comedia El nuevo traje del emperador, del grupo Dabar, se presentó la tarde del sábado en el Espacio Interactivo Pipiripi, en tanto, que el domingo el turno fue de la Compañía El Recoveco, en el parque Bartolina Sisa (Aranjuez), con la obra Los Pájaros.

Dabar logró el tercer lugar en el concurso municipal de teatro Raúl Salmón de la Barra, razón por la cual su presencia en la mayor fiesta teatral de la ciudad forma parte del reconocimiento a la calidad del montaje escénico.

La adaptación de un cuento realizada por la directora del elenco, Paola Gaitán, muestra en tres actos la vanidad y orgullo de las personas que gastan hasta lo que no es suyo con tal de vivir de apariencias.

El grupo lleva dos años de trabajo actoral, particularmente sobre textos cristianos. Forman parte del elenco Valeria Canedo, Jacqueline Candia, Rebeca Pérez, Nohemí Pérez, Gustavo Torres y Paola Gaitán.

Compañía Recoveco Teatro se aproximó al parque Bartolina Sisa bajo la dirección de Cristian Mercado.

Ayer por la noche se presentó en escena la obra Hamlet de los Andes con un elenco boliviano en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.

En tanto que mañana será el turno de España, que llega con la obra 30 grados de frío, de la Compañía El Astillero, algo imperdible en el Teatro Municipal, a partir de las 20.00.

lunes, 26 de marzo de 2012

FITAZ Hamlet de los Andes se estrena esta noche en Bolivia

Diego Aramburo es el director invitado de Teatro Los Andes y lo aclara antes y al final de cualquier entrevista para evitar la confusión de que se piense que es el sustituto de César Brie, el emblemático director y fundador del elenco que tiene como sede a Yotala, Sucre, y que esta noche estrena en Bolivia Hamlet de los Andes, en el marco del Festival Internacional de Teatro de La Paz (FITAZ).

“Yo soy director y fundador de Kikinteatro, en Cochabamba, y fui invitado por Teatro los Andes para dirigir esta obra Hamlet de los Andes”, reitera Aramburo, quien ha obtenido ocho veces el Premio Nacional de Teatro en Bolivia, entre otros logros en su carrera personal.

Así también, precedida de éxitos, el elenco y el director invitado estrenarán hoy y mañana a nivel nacional Hamlet en los Andes, en el Teatro Municipal, a las 20:00.

Una obra-espejo

“Se trata de una obra que en cierta forma refleja al país, lo que está pasando en Teatro los Andes y también en mi vida. Es un ver las raíces de donde venimos, el legado paternal (...) y obviamente nos cuestionamos adónde vamos”, explica el director invitado.

“Personalmente, sabía desde mis cuatro años que mi padre iba a fallecer, lo que ocurrió 13 años después. Es cuando te preguntas de dónde vienes y cuál ha sido esa relación con tu progenitor. Lo mismo ocurre en el país, estamos en tiempos de cambio donde las raíces están siendo revalorizadas, a diferencia de antes y nos encontramos buscando el camino hacia el futuro. Teatro los Andes, que ha decidido crear sus obras de forma colectiva, también vislumbra lo que viene, pues ha cortado con su director fundador César Brie”, explica Aramburo.

Buscando las raíces

Basada en el Hamlet de William Shakespeare, esta pieza se inspira preguntándose: “¿quién es Hamlet?, ¿es apenas un personaje bajo el umbral de una puerta, siempre a punto de atravesarla, pero que jamás consigue decidirse a hacerlo?”.

En Bolivia existen muchos casos de gente que ha perdido la posibilidad de una comprensión del “sí mismo”, a partir de la pérdida de las raíces, según la reseña de la obra y recuerda que el Teatro de los Andes ha montado 21 piezas diferentes, sumando casi 1.500 representaciones en total.

Exitosa en Chile

Esta obra fue estrenada a inicios de este año a nivel internacional en uno de los festivales de teatro más importantes de Chile y cosechó la siguiente crítica publicada en el diario La Nación:

“Es el montaje más valioso, innovador y trascendente entre casi una veintena de títulos vistos durante enero, dentro y fuera del Festival Santiago a Mil. Y cautivó, parece de Perogrullo, por su teatralidad.

Por la manera ingeniosa de resolver dificultades escénicas y por levantar un puente sólido entre la cultura occidental (exclusiva y excluyentemente racional, reflexiva, intelectual, dialogante) y la cultura indígena andina (más intuitiva e instintiva, sensual y sensorial; sin embargo, también íntima, reflexiva y dialogadora).

Y, en especial, porque construye una ecuación escénica en que un hombre, junto con vivir la anécdota de su vida, es capaz de introducirse en los niveles más profundos del alma del ser humano y pasearse, al mismo tiempo, por los andenes de la tragedia, el humor, la comedia, el absurdo y las tradiciones originarias indígenas. En una versión en que Shakespeare aparece en todo su esplendor como gran dramaturgo”.

Aramburo, al hacer una evaluación de la actual situación del teatro boliviano, afirma que si bien existen teatristas muy reconocidos dentro y fuera de las fronteras, aún falta la consolidación de la identidad del teatro local.

“El Estado siempre se ha olvidado del teatro, hablo de este Gobierno y los anteriores, y no hay una infraestructura para una actividad teatral sostenida”, señala el director.

2
fechastiene la obra Hamlet en los Andes para ser apreciada en el FITAZ.

FITAZ- 2012 TEATRO BOGATIR Presenta: "EL PERRO Y LA BRUTAL HISTORIA DEL JUEGO Y LA MALDAD"

Festival Internacional de Teatro de La Paz
FITAZ- 2012
TEATRO BOGATIR
Presenta:
"EL PERRO Y LA BRUTAL HISTORIA DEL JUEGO Y LA MALDAD"
Escrita, dirigida e interpretada por Saúl Alí
Es la fantástica y monstruosa historia de una criatura mitad animal y mitad diablo quien se apodera de un pueblo a plan de apuesta, cerveza y fiesta.
La obra es producto de un proceso de experimentación e investigación teatrales basados en el Teatro de la Crueldad de Antonin Artaud y la propuesta de los Poetas malditos.
Saúl Alí fue merecedor de 6 galardones como mejor actor y mejor dramaturgo en el Premio Nacional de Teatro Peter Travesi y en el Festival Nacional de teatro Bertolt Brecht; entre otros galardones. Fue invitado a Festivales nacionales e internacionales. Es autor de más de una treintena de obras y proximamente parte de sus obras serán publicadas en España y Francia.
UNICA PRESENTACIÓN
CASA DE LA CULTURA
LUNES 2 DE ABRIL
HRS.: 18: 45
Entrada: 30 Bs.

FITAZ En silencio, de Imákina comunidad, en la casa de la cultura

La obra Silencio, dirigida por Francia Oblitas y Luis García Tornel, del grupo Imákina Comunidad Teatral, se presentará hoy desde las 18.45 en la Sala Modesta Sanjinés de la Casa de la Cultura. La puesta en escena, inspirada en la poesía de Beckett, resume en tres pequeñas piezas unidas tres relaciones de desamor, de encuentro, de imposibilidades, de infelicidad, que conducen al humor de la rutina diaria que agota o que impulsa a seguir viviendo. Tres seres habitando un no lugar, una respiración, tal vez un suspiro.

FITAZ La muerte de un actor, en el teatro de cámara

La muerte de un actor es la obra propuesta por dos companías teatrales: Reciclaje Producciones y Bunker Producciones, que relata de forma cómica y poética las vivencias de un personaje desde su nacimiento y los sucesos que lo construyeron. Dirección y actuación, Antonio Peredo; producción, Carmen Suárez; diseño, Natalia Peña; iluminación, Marcos García Tornel.

Dentro del Marco del IX Festival Internacional de música renacentista y barroca se tiene planeada una megaproducción.

Dentro del marco del IX Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana Misiones de Chiquitos, que arrancará el 26 de abril, se tiene preparada una megaproducción que es la ópera San Ignacio de Loyola, cuyo compositor es anónimo y fue rescatada por el padre Piotr Nawrot del archivo musical de Chiquitos. Esta obra se presentará un solo día, que será el 29 de abril, en San Ignacio de Velasco, afuera de la catedral debido a que se espera una masiva asistencia.

Participantes. En la ópera participarán la Orquesta Sinfónica Hombres Nuevos, el Ensamble Barroco Chiquitano, la Orquesta de Santa Ana de Velasco, la Orquesta de Paz y Bien de la parroquia de San Francisco y 5 solistas que interpretarán a San Ignacio, San Francisco, el demonio y dos ángeles mensajeros. La obra está dirigida por Antoine Duhamel, que es director de la ya mencionada Orquesta Hombres Nuevos, la puesta en escena estará a cargo del Lic. Ariel Muñoz, que prácticamente se encarga de ver toda la escenografía y espacio, pero también hay un trabajo actoral con los que participarán en la ópera, ya que no son actores, sino que son jóvenes que tienen un don artístico en su voz, entonces se tratará de impartirles una técnica de interpretación.

Sobre san ignacio de velasco. Se apuesta a San Ignacio para hacer algo tan grande porque hay una referencia anterior. “Es importante entender el proceso que se está teniendo en San Ignacio, el criterio que está llegando a tener la gente, la política, los empresarios de apostar y valorar su capacidad artística”, señala Ariel Muñoz. Hace un año atrás se montó una obra llamada "Cielo en la Tierra" como parte de un proyecto que reúne a un grupo de gente ignaciana adulta, dedicada a diferentes oficios (electricistas, carpinteros, ganaderos, maestros de escuela, veterinarios, estudiantes). A partir de esto se decidió volver a montar esta opera nuevamente allá y esto demuestra el proceso de algunos gestores culturales con respecto a los pueblos de la Chiquitania boliviana y la importancia de tan reconocido festival como lo es el de música renacentista y barroca para Bolivia.


"A las pocas semanas tenía 8 grupos de teatro de calle formándose, con la única herramienta de la motivación, y eso es muy enriquecedor para San Ignacio o para cualquiera que cree en el teatro".

Lic. Ariel Muñoz
Teatro

"Claudina… la mentirosita", interesante obra presentada por teatro nacional

La obra de la Compañía Nacional de Comedia Realidades "Claudina… la mentirosita", enmarcada en el teatro social costumbrista, presentada el fin de semana, tuvo una buena acogida de parte del público orureño, destacando el interesante argumento que se presentó, siendo aplaudido por los asistentes al Teatro Palais Concert en funciones de matiné y tanda.

La obra, Claudina la… mentirosita, presenta a una joven que por no estar satisfecha con su posición social y económica, empieza a conseguir una serie de caprichos a costa de la "mentira", que envuelve al entorno de su familia. Es así que el padre Jerónimo es envuelto en una calumnia de palabras mayores, llegando al extremo que fue expulsado del conventillo a consecuencia de la mentira de Claudina, que dijo ser acosada por el religioso. El argumento estuvo basado en la fiesta del barrio y en la cual se realiza una entrada folklórica, con danzas como de la morenada, el caporal y la cullaguada.

La trama se realizó en tres actos, que estuvo mimetizado con mucha risa, música, danza, para el agrado del público asistente que quedó satisfecho de haber pasado momentos gratos y sobretodo haber captado el mensaje que tiene la obra. La dirección de la Compañía Nacional de Comedia Realidades, estuvo a cargo de Raúl Villarroel.

El elenco de Claudina… la mentirosita, estuvo integrado por figuras reconocidas del teatro nacional, como Ruth Severich, Tito Fernández, Maricruz Pumarino, Reyman Tancara, Marcelo Fernández, entre otros.

Valerie Monic “Soy una irreverente actriz”

Esta hermosa cochabambina es una de las mejores modelos bolivianas en la actualidad cuya vida está dedicada íntegramente a la moda ya que aparte de ser modelo es licenciada en Diseño de Modas en la ciudad de Santa Cruz. Aprovechando su traslado a nuestra sede de gobierno, La Guía pudo hacerle una entrevista dentro de su apretada agenda.

¿Quién es Valerie Monic lejos de las sesiones fotográficas y el glamour?

Siempre es la misma.

¿Cuáles fueron tus primeros pasos frente a un lente?

A los 8 años se celebraba un cumpleaños en casa y había una cámara preparada para la ocasión. Vi la cámara de mi mami y procedí con una sesión de fotos completa, no dejando una sola foto para el festejo. Fue una sesión exitosa, hasta hoy es tema.

¿Es muy exigente el mundo del modelaje en nuestro medio?

Contrariamente a todo lo que se piensa, realmente no es un mundo aparte. Tiene sus realidades, pros y contras como toda actividad laboral que uno pueda realizar.

¿Con qué grandes diseñadores has trabajado hasta el momento?

Soy una gran admiradora del diseño en general y de los diseñadores en particular. Todos son grandes para mí.

¿Has hecho trabajos en el exterior? ¿Cuáles?

He participado en exposiciones y eventos en Santiago y en Lima. Tuve presentaciones, participé en spots publicitarios y varias producciones de moda.

Las fotografías que realizas son bastante conceptuales ¿Orientas todos tus trabajos para que sean así o todo depende del cliente?

Es una grata coincidencia que usualmente me contraten para desarrollar temas conceptuales ya que es donde mejor me desenvuelvo… ¡Soy una irreverente actriz!

¿Cuál fue la mejor experiencia en tu carrera como modelo?

Me gusta mucho la expresión “Vivo cada amor como el mejor”. Es así también en el modelaje, todas mis experiencias son fantásticas por lo que me es complicado aseverar que una haya sido la mejor.

Cuál fue tu paso por la televisión?

Fui copresentadora del programa musical y de espectáculo Showcase que se emitía por ATB. Estuve presentando también el último ATB Ferial.

¿Al momento priorizarás tu carrera como modelo o como diseñadora recién graduada que eres? ¿O será algo paralelo?

El diseño es mi pasión y el modelaje la adrenalina. Ser diseñadora es el “cupcake” y el modelaje el “cherry”.

¿Cuál es tu mayor aspiración en el modelaje?

Revolucionar el concepto para un medio que busca algo nuevo.

Fecha y lugar de nacimiento: 8 de Enero del 90, Cochabamba.

Estatura: 1,69.

Medidas: 85-58-85.

Aficiones, vicios y hobbies: Ir al gim, salir entre amigos, compras, comer y dormir.

Trabajos más importantes que hayas realizado: Todos son lo máximo, me enseñan, divierten y remuneran.

Teatro de los Andes mantiene cuatro pilares

Una nueva etapa vive Teatro de los Andes. Mucho han cambiado en los dos últimos años las circunstancias de este grupo que influyó decisivamente en la forma de abordar el teatro en Bolivia. Uno de sus creadores y cabeza visible desde aquel 1991 en que llegó al país, César Brie, vive en Italia mientras espera que parte de las tierras compradas en Yotala (Chuquisaca) se venda. Apenas la operación se concrete, todo nexo con sus antiguos compañeros se habrá roto.

Giampaolo Nalli es el único que queda del trío que arribó al país en agosto de 1991 con la intención de construir una comunidad teatral en Cochabamba, y que finalmente recaló en Yotala. Junto a Brie y Nalli estaba Naira González, quien se marcharía poco tiempo después, luego de haberse llevado al escenario la primera obra creada en Bolivia: Colón.

En febrero de 1992, tras un taller realizado en Sucre, se unieron dos bolivianos: Lucas Achirico y Gonzalo Callejas, que por entonces apenas dejaban la adolescencia. Por ese tiempo, siguiendo a Brie desde Europa, habían llegado también los italianos Filippo Plancher, Teresa Dal Pero y el español Emilio Martínez.

Como recuerda Nalli, sentado en el comedor de la casa y rodeado de los actores, si eligieron Chuquisaca fue porque al llegar a Sucre por vez primera, en 1991, se toparon con el Festival Internacional de la Cultura. El movimiento era intenso esos días, inclusive unas 200 personas irrumpieron en medio del monólogo que Brie presentaba, pues no querían quedarse fuera. “Fue un engaño”, como pronto verían, pues “la cultura en Sucre avanza a duras penas: el centro Pachamama que nació con gran impulso, ha cerrado por falta del apoyo oficial que se le había prometido; el museo de Asur fue obligado a buscarse otra casa; los grupos de teatro no dependen de Sucre para existir”. 

Pero mientras el espejismo duró, el trío encontró otro motivo para elegir Chuquisaca: una antigua finca estaba en venta en Yotala (población rural ubicada a 17 km de Sucre). Tenía una casa, además de amplio espacio para construir, una huerta, árboles… La compraron y, mientras avanzaba la albañilería, se alojaron en la capital. El 17 de julio de 1992, cuando el dinero ya era poco, todos se trasladaron a Yotala y comenzaron a preparar Colón.

La obra se presentó en La Paz, con actores músicos, cantantes y acróbatas, con humor punzante y un despliegue de imágenes, y las reacciones fueron de sorpresa, de fascinación, aunque hubo voces que criticaron que eso ya se hacía antes en Europa. Inclusive, alguien llegó a dudar de la presencia de los dos bolivianos, al considerar que esos chicos de rostros andinos —un aymara y un quechua— no eran sino un adorno para justificar el trabajo hecho por extranjeros.

En aquella obra se aplicó ya la que constituye —lo tiene muy claro el grupo— la esencia de Teatro de los Andes: la creación colectiva, guiada, en su papel de director, por Brie; pero “innegablemente colectiva”.

En ese tiempo, la gente de Los Andes sobrevivió comiendo todos los días la acelga que se cosechaba de la huerta. “Pasamos hambre”, dice Nalli, el único que no tiene nada que ver con el teatro, pero, hombre de izquierda como es, se unió al proyecto deseoso de cambiar el mundo por uno más igualitario y Brie le mostró que la cultura podía ser un camino.

Hambre había, pues, y mucha. “Pero no me importaba”, dice Lucas Achirico; “lo que hacíamos me llenaba porque era algo tan diferente y me gustaba tanto, que no pensaba en otra cosa”.

Y el tiempo pasó, hubo gente que se fue, otra que llegó; las obras fueron sucediéndose y atrayendo cada vez a más espectadores, dentro y fuera del país: Las abarcas del tiempo, Ubú en Bolivia, Gra-ffitti, Frágil, La Iliada…

En 2001, en los diez años de Teatro de los Andes, hubo festejo: por los aplausos, las giras, la constancia. Pero eran ya días amargos los que se vivían en Yotala.

“La crisis estalló con La Iliada, una obra de gran violencia que tuvo la virtud de hacer aflorar los problemas de la convivencia”, según Nalli, y fue entonces que “César comenzó a irse de a poco”, apunta Alice Guimaraes. Ésta última se integró en 1998 y, si bien no vivió la etapa de la acelga, pasó la de la sopa, “todos los días sólo sopa, que yo veía, al salir de la sala de trabajo, como un privilegio”.

Con problemas de relaciones interpersonales muy fuertes y todo, que empujarían a la salida de Teresa Dal Pero, una de los pilares del grupo, hubo más obras: Un sol amarillo, Otra vez Marcelo, 120 kilos de jazz, ¿Te duele?, La odisea… “No está mal para un grupo en crisis”, coinciden los actores.

Brie, que para entonces ya estaba casado y con dos hijas, decidió que no iba a seguir más. El 25 de febrero de 2010, mediante solicitada en los diarios, confirmada desde Yotala por Nalli y el propio Brie, se selló la separación.

Nalli, que, como desde el principio, es el administrador de Los Andes, hace notar que hubo distintas crisis en el grupo. Una primera fue cuando se marchó Plancher, otra muy fuerte, cuando se alejó Dal Pero; pero la más intensa se vivió tras la separación de Brie.

Tan fuerte ha sido ese momento, “que todavía nos estamos acomodando; hemos necesitado mucho tiempo para ubicarnos, también físicamente en la casa. Lo que ha quedado (un 30%, más o menos, de toda la propiedad) no es mucho; pero está bien”.

Esa parte conserva la sala de ensayos y de presentaciones, la capilla que se usa para ejercicios vocales, las habitaciones para albergar al grupo y a los visitantes y talleristas, además de los servicios necesarios (cocina, comedor, baños). Para entender lo que pesan los detalles cotidianos, baste señalar que el pozo de donde se extrae el agua ha quedado del lado que está en venta, así que aún se está buscando las alternativas. “Lo vamos a solucionar”, tranquiliza Callejas.

Esto mismo ha llevado al grupo a buscar residencias aparte en Sucre. Además, Callejas y Guimaraes han formado un hogar y tienen una niña, María, de ocho años de edad. Y Achirico se casó con una artista polaca que colabora con el teatro, Danuta Maria Zarzyka, y ambos son también padres de una niña, Naomi.

Como las hijas tienen que ir al colegio, al ballet, al gimnasio, los padres hallan más cómodo vivir en la capital. Y Nalli también ha hecho allí su espacio. Eso sí, cuando llega la hora de los talleres o de preparar una obra, todos se trasladan a Yotala.

“Los cuatro tenemos que definir nuestra vida, desde la artística hasta la práctica, con las dudas y la inseguridad que cualquiera tiene”, resume el administrador. Y, como ante el momento más trágico que se vivió en 2001, “cuando todos los que estaban haciendo La Iliada querían irse”, lo que les impulsa a seguir es el tener la consciencia de que “provocamos algo y de alguna forma somos responsables también; no digo que nos quedemos porque hay mucha gente joven a la que motivamos a hacer teatro, sino porque no queremos ser como muchos extranjeros que vienen, provocan y se van”.

Nueva obra, pronto y buena

Para encontrarse y afirmarse en la nueva etapa, una vez que decidieron que iban a continuar, “lo único que sabíamos era que teníamos que hacer enseguida una obra y que necesariamente tenía que ser buena”. La creación colectiva no estaba en discusión, pero sí el proceso que llevó —según perciben Achirico, Callejas, Guimaraes y Nalli— a las insalvables diferencias con Brie.

Y ese algo responde a la necesidad de que se reconozca, como parte esencial de Los Andes, el aporte de cada uno de los crean la obra. “No más ‘La Iliada de César Brie’ —como escribieron las decenas cientos de artículos de prensa, aquí y en el extranjero—, porque no es de una sola persona. Todos contribuimos a armar ésa y todas las otras creaciones ”.

Así ha nacido Hamlet, de Los Andes, para cuya dinámica de montaje invitaron a Diego Aramburo, un hombre de teatro “que fue muy valiente para aceptar trabajar en un sistema que no es el suyo; sufrieron todos, pues aquí no hay el ‘traje este texto para que lo hagan’, sino que se va construyendo en la escena, con propuestas y contrapropuestas”.

Guimaraes resalta el hecho de que todo ello lo alimentó Brie. “Nos enseñó a trabajar de esta manera. Siempre dijo que lo que sus actores proponían era mejor que lo que él tenía en mente. Nunca se hizo problemas para escribir y reescribir los textos hasta diez veces si nosotros sugeríamos nuevas cosas. Él, por supuesto, tenía el conocimiento y el talento para armarlo todo”.

Hamlet de Los Andes se estrenó en el festival chileno Santiago a mil, el mes pasado. La crítica ha aplaudido una obra que pone al personaje shakesperiano en el mundo andino. Lo que no ha dicho del todo es que la elección de Hamlet tiene que ver con el tema de la pérdida, del padre que se va, de los fantasmas que todavía rondan… Un exorcismo para definir una identidad que los cuatro que quedan están empeñados en descubrir y forjar.

Paolo, el italiano

Hace 21 años que es parte de Teatro de los Andes. Es el soltero del grupo, el que no tiene hijos ni familia cerca. Es italiano y seguirá siéndolo, pues ha decidido no solicitar la nacionalidad boliviana. Él cuida la economía del grupo y nunca entra en la sala mientras se prepara una obra. La ve cuando los actores deciden mostrársela, pues le consideran uno de los críticos más exigentes.

“Me he preguntado por qué nos quedamos los miembros más antiguos —reflexiona—. Hubo mucha gente que fue parte del grupo y no está. Y creo que es porque los que pasamos los primeros años lo hicimos de una manera especial. Era una vida dura, pero sentíamos que valía la pena. Los que llegaron después no encontraron el paraíso, pero sí muchas cosas que ni imaginábamos tener. El haber pasado hambre nos ha unido, nos ha hecho defender el proyecto e incluso equivocarnos en ciertas cosas que por defenderlo no vimos”.

Con todo, “no hay ningún otro grupo que haya logrado vivir por 20 años, en un país como Bolivia y otros vecinos, sólo del teatro”. Esto que ha “servido para nosotros, también sirve para otros: para que sepan que se puede”. Sobre los problemas personales, que empezaron a tener un peso mayor con el tiempo, Nalli admite que “no logramos armar una respuesta; no la tenemos todavía. Necesitamos ver cómo conciliar las exigencias personales manteniendo la mentalidad de grupo”.

Una necesidad esencial, porque “yo creo en este tipo de trabajo, no en el individual. No se trata de pensar lo mismo, sino de confrontación, de discusión, de ideas diferentes, para que de ahí nazcan las cosas. Por eso quisimos reunir a gente de todo tipo de cultura. Yo sigo compartiendo a diario con mis amigos quechua y aymara y no me convierto en ellos. Esto es lo grande de Teatro de los Andes, por lo que hicimos obras buenas: había un gran director y maestro de la puesta en escena; pero también chicos fantásticos para inventarse las cosas”.

En La Odisea, la última obra que se trabajó con Brie, “Gonzalo se encerró un mes en el taller, y cuando mostró a César lo que había logrado: esa escenografía con cañas que cuelgan y se mueven, él dijo: ‘Ya sé cómo hacer la obra’. Sin este aporte, y los de cada actor, César hubiese hecho La Odisea, pero otra”. Otro factor del grupo, muy importante, “es que trabajamos pensando en vender la obra. Yo no entiendo a los artistas que preparan algo para presentarlo dos o tres días en el Teatro de Cámara y a otra cosa. Quizás porque si nosotros no vendemos no vivimos, nos preocupamos porque la obra llegue al público, a la mayor cantidad de éste. Tal vez nos animemos a hacer un taller para comunicar cómo abordamos este aspecto”.

Gonzalo, el quechua

Gonzalo Callejas nació en Uncía, región quechua de los laimes. Aprendió a hablar ese idioma gracias a su abuela. Cuando sus padres, dos maestros, migraron a Sucre, Callejas tenía seis años. Con ellos recorrió varias provincias y alimentó su oído musical, a la par que aprendía a tocar instrumentos como su propio papá. A la hora de elegir una carrera, el joven pensaba en Ingeniería mecánica o Arquitectura; pero ésta era muy costosa, así que comenzó con ingeniería mientras hacía música. En febrero de 1992, “ensayaba en una sala contigua a otra donde había un taller de teatro; me asomé por curiosidad, pues nunca antes me había interesado el teatro, y no recuerdo cómo es que logré entrar. Al terminar, me plantearon unirme a un proyecto que no entendía bien de lo que se trataba; pero me resultaba interesante por la vida en grupo para hacer arte todo el día; rarísimo. Y acepté también porque quería salir ya de mi casa”.

Su intención era quedarse un año, “pero al cabo de éste me sentí como atrapado. El teatro me abrió muchas más posibilidades de las que imaginaba que iba a ser mi vida. Creo que hubiera sido un buen ingeniero mecánico, hubiese inventado algo, no sé. Pero el sentido del arte adquirió una forma muy precisa, muy clara, el hecho de ser un artista más allá de hacer teatro inclusive. Eso me conmovió muchísimo y es lo que hasta ahora me mantiene”.

Además, si “me alejé de mi cultura siendo un niño todavía; el teatro me ha permitido regresar un poco a eso, a encontrar mis raíces”.

Gonzalo se ha convertido en el actor más fuerte y versátil. Su feroz Aquiles tanto como sus diversos personajes en La Iliada —el viejo Ulises, pero también el estrambótico Menelao— son la prueba de su talento. Pero no sólo. La música y la escenografía tienen mucho de sus aportes que no se quedan en ideas, sino en el trabajo con las manos de quien es nomás un ingeniero mecánico.

Sobre la esencia de Teatro de los Andes, Callejas argumenta: “Se puede definir desde lo ideológico por el hecho de estar aquí, de tener un compromiso con este país a través del teatro. Por eso es tan difícil tomar ciertas decisiones”. Pero “la esencia somos nosotros, los que quedamos, cada uno con sus diferencias, su cultura, sus dificultades, sus necesidades. De ahí partimos, del grupo. Ahora tenemos más responsabilidades y debemos estar a la altura, estudiar bastante, pues, bien o mal, seguimos siendo referentes de muchas cosas”.

Alice, la brasileña

Quince años han pasado desde que Alice Guimaraes dejase su departamento propio en Brasil y su trabajo en una compañía de teatro para llegar a Yotala como alumna de un taller de 15 días. Y 14 desde que aceptó seguir otro taller, esa vez de un año, y luego quedarse con Los Andes. “Cuando encontré al grupo, pensé que era mi salvación. Es cierto que estudié en una universidad, que estuve un año en Europa, que hice obras, fui de gira; pero yo quería hacer teatro de verdad, no sólo demostraciones de unos cuantos días”.

Y se quedó en Yotala y hoy es una de los cuatro soportes del grupo. En medio de los problemas, “creo que lo que mantiene a la comunidad no es el carácter de las personas, sino el interés, un objetivo mayor que te hace ver que los sacrificios valen la pena para hacer lo que quieres hacer”.

En los primeros años, en la casa había muchísima gente: el grupo que preparaba La Iliada, una directora italiana profesional y un chico de 18 años que daba sus primeros pasos, una secretaria, dos cocineras… una fauna. Y hubo poquísimos conflictos. ¿Por qué? Había una cosa mayor: el trabajo; trabajábamos tanto y esto nos aportaba de tal manera que se pasaba por encima las cosas menores de la convivencia. Había algo tan bien establecido que no tenías dudas. Te das cuenta de que algo ha cambiado, cuando quieres hacer otras cosas, cuando esto del grupo ya no es suficiente”.¿Existe ese ‘algo’ todavía? “Lo estamos recuperando”.

Lucas, el aymara

Lucas Achirico vino al mundo en La Chojlla, zona minera de los Yungas paceños. Su madre lo trajo a La Paz y lo alejó de un padre al que, por tanto, apenas conoció. Pudo haber sido un chico problema, como tantos que él vio en El Alto, cuando su interés por la música lo llevó hasta un centro donde le comentaron que había un buen profesor. Era el Hogar Albergue para Menores Abandonados que dirigía Stefan Gurtner (que luego crearía el grupo de teatro Ojo Morado). Allí formó un conjunto que salió de gira por el país y llegó a Sucre en el mismo momento, 1992, en que Teatro de los Andes dictaba un taller. “Un gringo, no recuerdo si sería César o Filippo, me dijo que mi música les había gustado y me invitaron a unirme a ellos: me becaban inclusive”.

Fue así que “comencé a descubrir el teatro que, con el tiempo, se fue haciendo más importante en mi vida”.

Como han dicho “mis compañeros, al principio era muy duro. Me acuerdo de una anécdota: cuando llegamos a Yotala, nos hicimos conocer por la gente del lugar a través del fútbol. Cierta vez, para poder jugar un domingo, armamos el equipo, pero no teníamos camisetas ni dinero para comprarlas. Cada uno buscó una polera blanca y le cosió el número. El árbitro no quería aceptarnos y la gente no creía que los gringos no tuviesen plata para camisetas. Al final jugamos y fuimos felices de sentirnos así, como un equipo”.

Por eso, pese a que Lucas pensaba quedarse máximo un año, terminó convirtiéndose en un actor indispensable y en el compositor del grupo.“Nos fuimos formando a nivel artístico y personal. Quizás hablar de lazos de amistad es poco, creo que va más allá. ¡Y somos tan diferentes! Creo que logramos encontrar una forma de que este proyecto, con todas sus diversidades, se vuelva fuerte. Hubo muchos momentos de crisis y cada uno ha renunciado a muchas cosas; pero no se siente que se haya perdido algo”.

La madre de Lucas asiste a ver las obras. Y está orgullosa de su hijo y de su nieta mezcla de sangre andina con polaca.

Que el actor tiene entre manos un instrumento importante, lo descubrió cuando, en su breve residencia en el pueblo de Yotala, junto a su compañera, se vio en medio de terribles historias de violencia doméstica. Se sintió comprometido con la suerte de niños y mujeres, sus vecinos, y entonces surgió la idea de crear una obra. Así nació ¿Te duele?, que se preparó en el grupo, y donde Lucas y Danuta desnudan, desde un cuadrilátero, los extremos a los que puede llegar un matrimonio.

Plurinacionalidad

¿Es, Teatro de los Andes, algo así como el estado plurinacional con que sueña el país? Podríamos decir algunas cuantas cosas, bromea Nalli. Y ya en serio retoma el tema del grupo, “el punto clave, en el sentido de que necesitamos, después de tantos años, decir cuál es nuestro tipo de labor, el propio, el que hemos construido, el que es conocido sólo en cierta medida”. El trabajo “de creación colectiva que no anula las individualidades, que las integra, que no tiene a nadie por debajo, como una pirámide; es lo que ahora queremos reivindicar”.

Por eso, y porque el mundo alrededor de Teatro de los Andes exige todavía la voz del director —“siempre nos preguntan, ¿y dónde está César, dónde está el director?, como si nosotros no pudiésemos hablar de nuestro propio trabajo”, dice Guimaraes— , Hamlet de Los Andes intenta volver a las raíces: no hay una persona dueña de la obra: la dirección es también compartida: Diego Aramburo, como batuta invitada, y todo el grupo.

Hamlet, de Los Andes

La muerte del padre. Una de las pruebas de la vida a la cual cada uno de nosotros es llamado. Pero, ¿qué pasa cuando la muerte no basta para cerrar la relación, cuando uno es perseguido por fantasmas que insisten en no hacer las paces con los que quedan vivos?

Nuestro Hamlet es un hombre de hoy que, como el personaje de Shakespeare, ha perdido la comprensión del “sí mismo”. Por su formación escolástica y academicista, Hamlet debería aceptar la muerte de su padre y pasar a lo siguiente, pero la visión del fantasma lo obliga a enfrentarse con otra concepción del universo. Siguiendo la sombra del espíritu, Hamlet consigue atravesar la puerta del desconocido, empezando un viaje que pueda acercarle a sus ancestros y a sus raíces. Descubriendo todo lo que la racionalidad llamaría sueño, fantasía, misterio, superstición o quizá locura, Hamlet espera poder encontrar una respuesta a sus dudas. Vivir, morir, tal vez soñar. Mientras su cerebro viaja en el más allá, el mundo real se agrieta a su alrededor y lo que queda es un vacío que no se logra nombrar. Así, la frustración y la pérdida de raíces desatarán en Hamlet una crisis existencial que lo sumergirá en el alcohol.

¿Quién es Hamlet? ¿Soy yo, o eres tú? ¿Es cada uno de nosotros, que nos preguntamos quiénes somos en realidad?

¿Es Hamlet el propio Teatro de los Andes?

Ser o no ser, ésa es la cuestión. Ser qué, quién y cómo.

Hamlet, de Los Andes presenta el texto shakesperiano como lo perciben los ojos de los actores que lo ponen en escena. Las dudas de Hamlet llegan a romper los confines del personaje para cuestionar a los mismos actores en el escenario, abriendo la obra a una lectura metateatral, compartiendo con el público un espectáculo que encarna la paradoja del teatro mismo.

Teatro de los Andes

En la sala de Kirk Douglas

En un sol amarillo, memorias de un temblor, se presentó en 2007 en el teatro de Kirk Douglas, en Culter City (Los Ángeles, EEUU). El actor, que rara vez ya acude a las funciones, fue al debut y quedó deslumbrado. Se acercó al camerino, felicitó a los actores, les dijo que ése era realmente el teatro que quería ver, que lo habían conmovido y luego les envió una carta conceptuosa que el grupo guarda entre sus recuerdos.

Un clip de esa presentación se halla en YouTube. Las personas que lo han visto comentan: “Guau”; “Vi esta obra en República Dominicana y realmente fue fenomenal. Cuánta calidad, ¡excelente!; “Does anyone know where I can go see this play? or see these actors in theatre? I love it... I'm from Orange Country, California”; “Lucas Achirico gran actor y el Teatro de los Andes de lo mejor que he visto en mi vida”; “It's a tremendous honour to be internationally represented by them”.

Procesiones, talleres, libro

En medio del verde de los árboles y arbustos, que en esta época del año muestran su esplendor luego de las lluvias, se halla la antigua hacienda de Lourdes.La propiedad, de antiguo terrateniente, era mucho mayor, se dice. Los descendientes fueron repartiéndose las tierras y una parcela es la que adquirieron Brie, Nalli y González en 1991.

El lugar mantenía la casa central y una capilla privada dedicada a la Virgen de Lourdes. La imagen sacra, junto a la de la niña Bernardita, que se dice que atestiguó la aparición en Francia, es parte de lo adquirido por los teatristas. Éstos han respetado esa presencia, así que Virgen y pastora escuchan sus ejercicios vocales de preparación.

Hubo, además, un tiempo en que se revivieron las procesiones en honor de la Virgen. Gente de teatro al fin, las ceremonias se armaban en grande, con la gente del pueblo, sobre todo los niños y jóvenes. En zancos, con música y cánticos, las imágenes eran llevadas al templo de Yotala y luego devueltas a su altar en la casa. Hace tiempo que los viajes del grupo han interrumpido tales actos, que crearon un nexo con sus vecinos; pero existe la disponibilidad de retomarlos, hace notar Gonzalo Callejas.

La casa se encuentra en un lugar conocido como San Roque, separado del pueblo de Yotala por el río Cachimayu, que justo a esa altura se forma por la unión de otros dos: el Totacoa y el Quirpinchaca. En época seca, moverse entre Sucre y Yotala es fácil, pero cuando el río crece, la gente de teatro sabe que debe aislarse en la casona.

La propiedad no es sólo la sede de Teatro de los Andes, sino un lugar de destino para artistas y amigos del grupo. Por supuesto, también ha permitido acoger a talleristas, como los 15 jóvenes latinoamericanos que, con el apoyo de Iberescena están viajando para aprovechar experiencias de la región: estuvieron antes con Candelaria, de Colombia, y luego en Yotala.

Asimismo, una actriz brasileña que prepara una obra sobre la pintora Frida Kahlo ha pedido la colaboración de Los Andes para el montaje.

El grupo recibe a la gente, la que en cambio aporta para el sostenimiento de la casa: mientras vive en ella, se comparten los gastos, pero además se organizan para cocinar, lavar la vajilla y limpiar baños y habitaciones.

Otro proyecto en marcha es un libro sobre la preparación del actor en Teatro de los Andes. La dramaturga italiana Giulia D’Amico está encargada del texto. Esta joven, que descubrió al grupo en una de las giras por Europa, ha documentado el trabajo por años ya y ha vivido en distintos periodos con el grupo. Siguió muy de cerca el montaje de La Odisea —por ejemplo, su idea del perro de Ulises que habla fue aceptada por Brie—, y ahora, para Hamlet, es la asistente de dirección y dramaturgia.

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