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viernes, 2 de julio de 2021
jueves, 1 de noviembre de 2018
lunes, 29 de octubre de 2018
Cementerio General estrena 20 murales
Desde el viernes, el Cementerio General de La Paz luce 20 nuevos murales pintados por el colectivo de artistas Perros Sueltos, con apoyo de la Alcaldía de La Paz.
Las obras, de grandes dimensiones, hacen alusión a las festividades de Todos Santos y Todos los Difuntos, que se celebrarán el 1 y 2 de noviembre, respectivamente.
Los murales comenzaron a pintarse el 19 de octubre y se concluyeron el viernes. Además de artistas bolivianos, intervinieron en su creación artistas argentinos. Estas obras son resultado del Encuentro Internacional de Muralistas “Ñatita”.
Según informó mediante una nota institucional Ariel Conitzer, administrador del Cementerio General, los 37 artistas que participaron en su realización fueron seleccionados de entre más de 80 postulaciones.
martes, 11 de septiembre de 2018
Solicitan declarar patrimonio a obras de Pantoja
Al menos, 100 muralistas solicitaron se declare Patrimonio Nacional de Bolivia a las obras de Miguel Alandia Pantoja (1914-1975), uno de los artistas plásticos nacionales más influyentes e importantes del siglo XX.
“Solicitamos a las autoridades correspondientes que toda la producción artística del maestro Alandia Pantoja sea declarada Patrimonio Nacional de Bolivia y se sume al extraordinario patrimonio artístico y cultural del pueblo boliviano; por consiguiente, a los patrimonios culturales que enriquecen a nuestros pueblos y naciones del mundo”, planteó Isabel Illanes, en el discurso que pronunció en la clausura del III Encuentro de Muralismo “Raíces Latinoamericanas”.
Por su parte, el muralista Javier del Carpio añadió que la colección privada de Alandia Pantoja fue recopilada durante su vida y que incluye obras de otros autores, además de las suyas, las cuales están siendo ofertadas por su hijo, también de nombre Miguel.
“La colección consta de 160 cuadros, pinturas a caballete y 34 bocetos de mural. El objetivo inicial era crear una especie de Fundación a cargo de Sergio (Alandia) y con colaboración del colectivo Cementerio de Elefantes; pero Sergio sufrió un contratiempo de salud y está inhabilitado de tomar algunas decisiones. Entonces, quien se está haciendo cargo de la venta es su otro hijo, Miguel, que vive en Cochabamba”, detalló del Carpio.
CENTRO CULTURAL O MUSEO
El muralista agregó que la visión de Sergio Alandia era construir un Centro Cultural o Museo que recoja la trayectoria artística de su padre y de su participación en los distintos procesos políticos del país.
En el encuentro participaron 16 muralistas internacionales que llegaron de Argentina, Chile, Japón, México, Perú y Uruguay, además de 98 artistas nacionales de Cochabamba, El Alto, La Paz, Oruro y Tarija. Ellos presentaron un pronunciamiento conjunto en el que demandan el resguardo del legado de uno de los principales referentes del muralismo boliviano.
“El derecho a la cultura de nuestros pueblos se vuelve una línea de acción para todas y todos los artistas trabajadores de la cultura, no sólo en nuestra América, sino también en todo el planeta. Consideramos que este derecho es inalienable e imprescriptible”, agregó Illanes, quien además solicitó a las autoridades municipales comprometerse a rescatar la obra del maestro Alandia Pantoja.
REUNIÓN DE ANÁLISIS
En ese sentido, el secretario municipal de Culturas, Andrés Zaratti, indicó que esta semana convocará a una reunión de organismos estatales e instituciones como el Ministerio de Culturas y Turismo y la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia (Fcbcb) para analizar acciones al respecto.
MIGUEL ALANDIA PANTOJA
El artista nació en la zona minera de Catavi, Potosí, en 1914. A los 18 años participó en la Guerra del Chaco (1932-1935) y fue hecho prisionero. Inició su obra muralística en 1952, cuando pintó el mural “Historia de la Mina”, en el hall del entonces Palacio de Gobierno, que fue destruida en 1965.
Sus primeros trabajos se dedicaron al patriotismo y la exaltación indigenista. Las obras del período que siguió a la guerra se caracterizaron por la afirmación de la identidad nacional, la fractura del poder de los “barones del estaño” y los grandes propietarios de tierras; y por el ascenso de nuevas fuerzas políticas, la organización de sindicatos obreros en las minas y movilizaciones indígenas y campesinas, aspectos que se plasmaron en murales, cuadros y dibujos.
“Solicitamos a las autoridades correspondientes que toda la producción artística del maestro Alandia Pantoja sea declarada Patrimonio Nacional de Bolivia y se sume al extraordinario patrimonio artístico y cultural del pueblo boliviano; por consiguiente, a los patrimonios culturales que enriquecen a nuestros pueblos y naciones del mundo”, planteó Isabel Illanes, en el discurso que pronunció en la clausura del III Encuentro de Muralismo “Raíces Latinoamericanas”.
Por su parte, el muralista Javier del Carpio añadió que la colección privada de Alandia Pantoja fue recopilada durante su vida y que incluye obras de otros autores, además de las suyas, las cuales están siendo ofertadas por su hijo, también de nombre Miguel.
“La colección consta de 160 cuadros, pinturas a caballete y 34 bocetos de mural. El objetivo inicial era crear una especie de Fundación a cargo de Sergio (Alandia) y con colaboración del colectivo Cementerio de Elefantes; pero Sergio sufrió un contratiempo de salud y está inhabilitado de tomar algunas decisiones. Entonces, quien se está haciendo cargo de la venta es su otro hijo, Miguel, que vive en Cochabamba”, detalló del Carpio.
CENTRO CULTURAL O MUSEO
El muralista agregó que la visión de Sergio Alandia era construir un Centro Cultural o Museo que recoja la trayectoria artística de su padre y de su participación en los distintos procesos políticos del país.
En el encuentro participaron 16 muralistas internacionales que llegaron de Argentina, Chile, Japón, México, Perú y Uruguay, además de 98 artistas nacionales de Cochabamba, El Alto, La Paz, Oruro y Tarija. Ellos presentaron un pronunciamiento conjunto en el que demandan el resguardo del legado de uno de los principales referentes del muralismo boliviano.
“El derecho a la cultura de nuestros pueblos se vuelve una línea de acción para todas y todos los artistas trabajadores de la cultura, no sólo en nuestra América, sino también en todo el planeta. Consideramos que este derecho es inalienable e imprescriptible”, agregó Illanes, quien además solicitó a las autoridades municipales comprometerse a rescatar la obra del maestro Alandia Pantoja.
REUNIÓN DE ANÁLISIS
En ese sentido, el secretario municipal de Culturas, Andrés Zaratti, indicó que esta semana convocará a una reunión de organismos estatales e instituciones como el Ministerio de Culturas y Turismo y la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia (Fcbcb) para analizar acciones al respecto.
MIGUEL ALANDIA PANTOJA
El artista nació en la zona minera de Catavi, Potosí, en 1914. A los 18 años participó en la Guerra del Chaco (1932-1935) y fue hecho prisionero. Inició su obra muralística en 1952, cuando pintó el mural “Historia de la Mina”, en el hall del entonces Palacio de Gobierno, que fue destruida en 1965.
Sus primeros trabajos se dedicaron al patriotismo y la exaltación indigenista. Las obras del período que siguió a la guerra se caracterizaron por la afirmación de la identidad nacional, la fractura del poder de los “barones del estaño” y los grandes propietarios de tierras; y por el ascenso de nuevas fuerzas políticas, la organización de sindicatos obreros en las minas y movilizaciones indígenas y campesinas, aspectos que se plasmaron en murales, cuadros y dibujos.
domingo, 9 de septiembre de 2018
Una treintena de murales gigantes embellecen La Paz
Un espacio interactivo para niños situado en un cerro de La Paz fue embellecido con cerca de una treintena de murales pintados por más de un centenar de artistas de Argentina, Bolivia, Colombia, Chile, Japón, México, Perú y Uruguay.
La actividad se enmarcó en la tercera versión del Encuentro de Muralismo Latinoamericano, que comenzó el pasado 27 de agosto y concluyó ayer, bajo la organización de la Alcaldía de La Paz.
El lugar intervenido fue el "Espacio Interactivo Memoria y Futuro Pipiripi", un museo temático infantil situado en un cerro dentro del Parque Urbano Central de La Paz, al que se accede por un funicular.
"Hemos pintado casi 2.500 metros cuadrados, hemos movilizado a unos 150 muralistas. Fue una de las convocatorias más grandes que tuvimos en esta tercera versión y creo que todos se van satisfechos", dijo Ramiro López, funcionario de la Secretaría Municipal de Culturas encargado de la organización.
El encuentro de muralistas se efectúa cada dos años, con el objetivo de "tomar las calles como lienzo de expresión y generar este encuentro latinoamericano", explicó López.
La temática elegida para esta edición versó sobre las "Raíces latinoamericanas", teniendo en cuenta también que el espacio intervenido es un lugar para niños.
miércoles, 1 de noviembre de 2017
INAUGURARON MURAL EN EL KIOSCO DEL MARIACHI
La Embajada de México y la Secretaría Municipal de Culturas inauguraron un mural en el tumbado del "Kiosco del Mariachi", ubicado en la plaza de San Pedro, como resultado del Concurso Municipal de Muralismo “Puente cultural México-Bolivia” 2017, dirigido a artistas bolivianos y extranjeros con más de dos años de residencia en La Paz.
El evento se realizó en el marco de los tradicionales "Sábados con mariachi". Sólo que en esta ocasión la actividad se trasladó a domingo por tratarse de una jornada especial.
Mariachi Los Reales alegró la jornada dominical con una selección de canciones de la tierra de Benito Juárez.
El evento se realizó en el marco de los tradicionales "Sábados con mariachi". Sólo que en esta ocasión la actividad se trasladó a domingo por tratarse de una jornada especial.
Mariachi Los Reales alegró la jornada dominical con una selección de canciones de la tierra de Benito Juárez.
jueves, 25 de mayo de 2017
Arte consciente, coloreando las calles de la Llajta
Genaro Paniagua admite que su primera reacción fue el enfado. El lunes, apenas llegó a la esquina en la que instala su puesto de zapatería, se encontró con el muro, que día a día suele estar a sus espaldas, con un retrato gigante de él.
“Primero deberían pedir permiso”, dice ya con un enojo disimulado, porque las felicitaciones que recibe minuto a minuto, de vecinos y amigos, notoriamente lo llenan de orgullo.
Ese es el efecto que produce la Bienal de Arte Urbano (BAU) desde hace seis años: un diálogo entre la ciudad, sus habitantes y personajes, con los artistas, haciendo de un simple recorrido por la ciudad, un ejercicio de reflexión social y sentimiento de comunidad.
“Genarín”, como lo llaman algunos de sus vecinos, lleva ocupando la esquina de la Tarapacá y plaza Gerónimo de Osorio desde hace 29 años. El reciente domingo, día en el que suele descansar, el artista paceño Leonel “El Art” Jurado, en el marco de la BAU 2017, lo retrató en un enorme mural de ocho metros por ocho.
“Lunes en la mañana veo y he renegado. La gente me estaba gozando. Ya que voy a hacer, me he calmado nomás ya”, relata entre risas. Poco antes, Genaro compartía esa misma sonrisa, con un grupo de amigos que le preguntaba por la pintura y bromeaba al respecto. Tan solo instantes después, atiende a un cliente que, mientras recoge un par de botas, lo felicita y alienta. Ya a solas, confiesa que ahora el muro le sirve también como propaganda.
Leonel, autor de la pintada, pertenece al colectivo Cementerio de Elefantes y al mencionarlo aclara que eligieron ese nombre aludiendo a los tugurios en los que indigentes acuden a beber alcohol hasta morir. “Nuestra propuesta se resume en pintar y hacer arte para el pueblo hasta la muerte”, explica.
Ese pueblo, según detalla Jurado, es el de la “gente de oficio, que vive y trabaja en las calles”. Tal como sucede con Genaro, que trabajó ya a sus 14 años y “desde los 16, bien trabajado, ya ocupando este espacio”, el cual ya lo ha hecho parte de su paisaje.
“Es difícil ver esta esquina sin pensar en él”, dice un transeúnte que se toma unos minutos para contemplar la obra artística, antes de seguir con su apresurado trajín laboral.
El artista menciona una característica esencial que lo decidió a pintar a Genaro: su oficio va contramano de la lógica consumista del mundo. “Lo que él hace es darle una segunda posibilidad de uso a un objeto que usamos en el cotidiano y que podría ser rápidamente desechado”.
“Como colectivo hacemos arte y política. Estamos luchando contra ese tipo de publicidades que te enseñan a botar todo lo que consumes”, asegura “El Art”.
Sobre su participación en el evento mural más grande de la ciudad, asegura que conocer a artistas de otras latitudes, el BAU cuenta con invitados de Chile, Perú, Colombia, además de grafiteros de otras ciudades bolivianas, permite conversar con otras propuestas y saber que, a pesar de las diferencias, “pensamos casi de la misma manera”. “La idea es transformar con el arte, hacer arte consciente”, sentencia.
“Primero deberían pedir permiso”, dice ya con un enojo disimulado, porque las felicitaciones que recibe minuto a minuto, de vecinos y amigos, notoriamente lo llenan de orgullo.
Ese es el efecto que produce la Bienal de Arte Urbano (BAU) desde hace seis años: un diálogo entre la ciudad, sus habitantes y personajes, con los artistas, haciendo de un simple recorrido por la ciudad, un ejercicio de reflexión social y sentimiento de comunidad.
“Genarín”, como lo llaman algunos de sus vecinos, lleva ocupando la esquina de la Tarapacá y plaza Gerónimo de Osorio desde hace 29 años. El reciente domingo, día en el que suele descansar, el artista paceño Leonel “El Art” Jurado, en el marco de la BAU 2017, lo retrató en un enorme mural de ocho metros por ocho.
“Lunes en la mañana veo y he renegado. La gente me estaba gozando. Ya que voy a hacer, me he calmado nomás ya”, relata entre risas. Poco antes, Genaro compartía esa misma sonrisa, con un grupo de amigos que le preguntaba por la pintura y bromeaba al respecto. Tan solo instantes después, atiende a un cliente que, mientras recoge un par de botas, lo felicita y alienta. Ya a solas, confiesa que ahora el muro le sirve también como propaganda.
Leonel, autor de la pintada, pertenece al colectivo Cementerio de Elefantes y al mencionarlo aclara que eligieron ese nombre aludiendo a los tugurios en los que indigentes acuden a beber alcohol hasta morir. “Nuestra propuesta se resume en pintar y hacer arte para el pueblo hasta la muerte”, explica.
Ese pueblo, según detalla Jurado, es el de la “gente de oficio, que vive y trabaja en las calles”. Tal como sucede con Genaro, que trabajó ya a sus 14 años y “desde los 16, bien trabajado, ya ocupando este espacio”, el cual ya lo ha hecho parte de su paisaje.
“Es difícil ver esta esquina sin pensar en él”, dice un transeúnte que se toma unos minutos para contemplar la obra artística, antes de seguir con su apresurado trajín laboral.
El artista menciona una característica esencial que lo decidió a pintar a Genaro: su oficio va contramano de la lógica consumista del mundo. “Lo que él hace es darle una segunda posibilidad de uso a un objeto que usamos en el cotidiano y que podría ser rápidamente desechado”.
“Como colectivo hacemos arte y política. Estamos luchando contra ese tipo de publicidades que te enseñan a botar todo lo que consumes”, asegura “El Art”.
Sobre su participación en el evento mural más grande de la ciudad, asegura que conocer a artistas de otras latitudes, el BAU cuenta con invitados de Chile, Perú, Colombia, además de grafiteros de otras ciudades bolivianas, permite conversar con otras propuestas y saber que, a pesar de las diferencias, “pensamos casi de la misma manera”. “La idea es transformar con el arte, hacer arte consciente”, sentencia.
lunes, 8 de mayo de 2017
Bike Tour: De gira en bicicleta por la ruta del arte urbano
El Bike Art Tour es una exploración interactiva del arte urbano en la ciudad de Cochabamba, a través de paseos guiados que circulan por diferentes sitios, plazas y lugares de importancia histórica; estos recorridos incluyen la historia cultural de la ciudad, pero principalmente la información sobre los temas y las diversas técnicas del arte urbano.
Es una forma de apreciar el arte emergente y la ciudad, que involucra también una actividad física muy saludable e intensa como es manejar bicicleta. En las tres horas que dura este recorrido se puede aprovechar para conocer lugares que la rutina diaria no permite visitar, y a la vez apoyar al arte urbano que se esconde en la ciudad y que muchas veces pasa desapercibido.
Para que todo esto sea posible se invita mediante redes sociales a que los ciudadanos se animen a participar para organizar un paseo; la planificación incluye el apoyo de un guía bilingüe y un asistente, además de varios artistas en la red que también acompañan en los recorridos. También hay un taller de bicicletas donde un mecánico asiste en caso de ser necesario.
Cecilia Quiroga, encargada de estas actividades, explicó que “El arte urbano es como un orden de varios niveles, una parte es diseño urbano otra lo es la arquitectura, que es lo que se ve y se siente cuando paseamos por las calles; otro aspecto son los muros que pintan artistas con permiso de los dueños de las casas. También existe el aspecto subversivo y político que se ve en el grafiti que tiene su propia estética y sentido” Para la organizadora todo eso conforma el arte urbano.
Lamentablemente el tour no cuenta con apoyo de las autoridades, es parte de un conjunto de actividades sin fines de lucro, que intenta que los ciudadanos que llegan tanto del interior como del exterior, aprovechen una forma diferente de aprender y vivir lo que la ciudad de Cochabamba ofrece.
Ciudad e identidad urbana Las paredes son un lienzo
Veinticinco artistas nacionales e internacionales realizarán 30 murales de grandes dimensiones en La Paz, Cochabamba y Santa Cruz como parte de un proyecto que une a los tres eventos de arte urbano más importantes de Bolivia, La ola urbana.
Durante una semana, las calles del país serán inundadas por una ola que movilizará a los artistas nacionales e internacionales, quienes realizarán los murales dentro del Primer encuentro La ola urbana, que nace de la unión de la Bienal de Arte Urbano (BAU) de Cochabamba, el festival Street Mark de La Paz y Manifiesto Urbano de Santa Cruz. El evento se replicará en Cochabamba y Santa Cruz las semanas siguientes con la intervención de Chile como país invitado de honor.
Las obras contempladas dentro de este evento se llevarán a cabo en zonas periféricas y en el centro de las tres ciudades participantes, con la finalidad de resignificar barrios marginales y aproximar el arte a la gente, valorizando la diversidad cultural del país y los talentos de artistas nacionales e internacionales. “Así damos valor a la diversidad cultural del país y a el talento de nuestros artistas”, señala el muralista cruceño Adolfo Torrico del colectivo ARTErias Urbanas.
La alianza entre los colectivos mARTadero, Ojo Cerrado y ARTErias Urbanas busca consolidar al arte urbano como un evento cultural de importancia en el país con el fin de favorecer la circulación de artistas nacionales e internacionales en el territorio nacional para así crear un espacio de encuentro y reflexión.
El encuentro se iniciará este lunes 8 de mayo con una conferencia de prensa para luego recorrer las calles en busca de los muros; el martes 9 comienza el trabajo y los espacios para compartir experiencia con los invitados internacionales.
La Ola Urbana lanzó una campaña para cubrir la logística, la estadía y los materiales que utilicen los artistas, a través de la plataforma Goteo, donde se puede ver el video y aportar de manera online: https://www.goteo.org/project/ola-urbana o realizarse directamente a la cuenta BNB 2684900011.
Hoy el arte urbano o arte callejero marca una nueva tendencia visual que es proyectada en las distintas calles de ciudades y barrios del mundo. Comúnmente, un método de expresión de este tipo de arte es el grafiti, un movimiento que se originó en la ciudad de Nueva York a principios de los 60.
Considerado por muchos como un acto de vandalismo, esta expresión artística ha ido transcendiendo en Cochabamba con base en el surgimiento de diversas ideas y técnicas creativas de nuevos artistas urbanos. Uno de ellos es “Puriskiri”, grafitero cochabambino, cuyo pseudónimo significa “trota mundos”.
El artista tiene 24 años y se identifica con el arte urbano desde los 14. Desde siempre los muros de las calles han sido su lienzo y el aerosol su pincel. A la hora de diseñar un mural, lo más difícil es poder complacer totalmente a la gente. En cuanto al significado de cada una de sus obras, Puriskiri cree que nace de la interpretación personal de cada observador en el momento determinado.
Nesio 96, otro artista urbano, ha realizado un conjunto de obras de arte urbano en departamentos como Sucre, La Paz, Oruro y Cochabamba desde inicios del 2011. Para él, lo más importante es transmitir un mensaje usando como soporte principal los muros en las calles de las ciudades.
Actualmente, Nesio 96 se encuentra trabajando en un diseño de grafiti basado en un mensaje de protesta por los niños y familias afectadas en Siria. El trabajo muestra un rostro femenino que refleja temor y la intención desesperada de buscar protección.
Para Puriskiri, el arte urbano se concibe como “un conjunto de palabras que la sociedad ha elegido para poder denominar al grafiti y otras expresiones que generalmente vemos en la calle”. A la vez, cuando se trata de caracterizar su trabajo, señala que es “ser feliz”.
Generalmente, utiliza lo que tiene a su alcance, pero su principal herramienta es el bote de spray y unas fotografías que busca por cuenta propia. Cada uno de sus trabajos tiene una característica personalizada, no necesita de bocetos previos para empezar a pintar un mural.
Para Nesio 96, los elementos inspiradores para desplegar su creatividad y desarrollar los proyectos que se propone son diversos, van desde objetos, pasando por sensaciones, hasta personas. Por lo tanto, hoy en día sus obras cuentan con diferentes composiciones, temáticas, así como también obras libres.
Las obras de ambos artistas contienen las principales características del arte urbano callejero: la fugacidad y la inmediatez. Se encuentran esparcidos por toda la ciudad, ya sea desde fachadas de casas, entradas a tiendas o bares locales y muros de avenidas y calles principales de la ciudad y tienen un tiempo limitado de duración designado por la propia dinámica urbana social.
El tiempo de creación de un diseño puede variar, algunas crecen en cuatro o cinco horas, otras tardan hasta una semana entera. La inspiración para un mural de Puriskiri es impredecible y a veces espontanea. Los trabajos que más tiempo requirieron fueron los murales del Puente de la Muyurina y una obra que se encuentra en una de las facultades de la Universidad Gabriel Rene Moreno de Santa Cruz.
El 2016, Puriskiri fue solicitado por Monopol para realizar el mural principal de la empresa en la Feria Internacional de Cochabamba; también ha participado de La Bienal de Arte Urbano de Cochabamba (BAU) del mismo año.
Durante una semana, las calles del país serán inundadas por una ola que movilizará a los artistas nacionales e internacionales, quienes realizarán los murales dentro del Primer encuentro La ola urbana, que nace de la unión de la Bienal de Arte Urbano (BAU) de Cochabamba, el festival Street Mark de La Paz y Manifiesto Urbano de Santa Cruz. El evento se replicará en Cochabamba y Santa Cruz las semanas siguientes con la intervención de Chile como país invitado de honor.
Las obras contempladas dentro de este evento se llevarán a cabo en zonas periféricas y en el centro de las tres ciudades participantes, con la finalidad de resignificar barrios marginales y aproximar el arte a la gente, valorizando la diversidad cultural del país y los talentos de artistas nacionales e internacionales. “Así damos valor a la diversidad cultural del país y a el talento de nuestros artistas”, señala el muralista cruceño Adolfo Torrico del colectivo ARTErias Urbanas.
La alianza entre los colectivos mARTadero, Ojo Cerrado y ARTErias Urbanas busca consolidar al arte urbano como un evento cultural de importancia en el país con el fin de favorecer la circulación de artistas nacionales e internacionales en el territorio nacional para así crear un espacio de encuentro y reflexión.
El encuentro se iniciará este lunes 8 de mayo con una conferencia de prensa para luego recorrer las calles en busca de los muros; el martes 9 comienza el trabajo y los espacios para compartir experiencia con los invitados internacionales.
La Ola Urbana lanzó una campaña para cubrir la logística, la estadía y los materiales que utilicen los artistas, a través de la plataforma Goteo, donde se puede ver el video y aportar de manera online: https://www.goteo.org/project/ola-urbana o realizarse directamente a la cuenta BNB 2684900011.
Hoy el arte urbano o arte callejero marca una nueva tendencia visual que es proyectada en las distintas calles de ciudades y barrios del mundo. Comúnmente, un método de expresión de este tipo de arte es el grafiti, un movimiento que se originó en la ciudad de Nueva York a principios de los 60.
Considerado por muchos como un acto de vandalismo, esta expresión artística ha ido transcendiendo en Cochabamba con base en el surgimiento de diversas ideas y técnicas creativas de nuevos artistas urbanos. Uno de ellos es “Puriskiri”, grafitero cochabambino, cuyo pseudónimo significa “trota mundos”.
El artista tiene 24 años y se identifica con el arte urbano desde los 14. Desde siempre los muros de las calles han sido su lienzo y el aerosol su pincel. A la hora de diseñar un mural, lo más difícil es poder complacer totalmente a la gente. En cuanto al significado de cada una de sus obras, Puriskiri cree que nace de la interpretación personal de cada observador en el momento determinado.
Nesio 96, otro artista urbano, ha realizado un conjunto de obras de arte urbano en departamentos como Sucre, La Paz, Oruro y Cochabamba desde inicios del 2011. Para él, lo más importante es transmitir un mensaje usando como soporte principal los muros en las calles de las ciudades.
Actualmente, Nesio 96 se encuentra trabajando en un diseño de grafiti basado en un mensaje de protesta por los niños y familias afectadas en Siria. El trabajo muestra un rostro femenino que refleja temor y la intención desesperada de buscar protección.
Para Puriskiri, el arte urbano se concibe como “un conjunto de palabras que la sociedad ha elegido para poder denominar al grafiti y otras expresiones que generalmente vemos en la calle”. A la vez, cuando se trata de caracterizar su trabajo, señala que es “ser feliz”.
Generalmente, utiliza lo que tiene a su alcance, pero su principal herramienta es el bote de spray y unas fotografías que busca por cuenta propia. Cada uno de sus trabajos tiene una característica personalizada, no necesita de bocetos previos para empezar a pintar un mural.
Para Nesio 96, los elementos inspiradores para desplegar su creatividad y desarrollar los proyectos que se propone son diversos, van desde objetos, pasando por sensaciones, hasta personas. Por lo tanto, hoy en día sus obras cuentan con diferentes composiciones, temáticas, así como también obras libres.
Las obras de ambos artistas contienen las principales características del arte urbano callejero: la fugacidad y la inmediatez. Se encuentran esparcidos por toda la ciudad, ya sea desde fachadas de casas, entradas a tiendas o bares locales y muros de avenidas y calles principales de la ciudad y tienen un tiempo limitado de duración designado por la propia dinámica urbana social.
El tiempo de creación de un diseño puede variar, algunas crecen en cuatro o cinco horas, otras tardan hasta una semana entera. La inspiración para un mural de Puriskiri es impredecible y a veces espontanea. Los trabajos que más tiempo requirieron fueron los murales del Puente de la Muyurina y una obra que se encuentra en una de las facultades de la Universidad Gabriel Rene Moreno de Santa Cruz.
El 2016, Puriskiri fue solicitado por Monopol para realizar el mural principal de la empresa en la Feria Internacional de Cochabamba; también ha participado de La Bienal de Arte Urbano de Cochabamba (BAU) del mismo año.
martes, 6 de diciembre de 2016
Grafiteros, el poder de la lata
Alfredo Ocampo empezó con eso de las latas (como se le llama al spray en el argot grafitero) y los dibujos en muros hace más de dos décadas influenciado por, casi como todos los de su generación, películas, entre ellas títulos como Estilo salvaje (Charlie Ahearn, 1982) o El ritmo de la calle (Stan Lathan, 1984), producciones estadounidenses que narran las vivencias de tribus urbanas cultoras del rap, el break dance, el hip hop y los grafitis en Estados Unidos. Los precursores bolivianos tuvieron unos comienzos muy diferentes a esos personajes de ficción. Cortos de recursos, Alfredo y su puñado de colegas noctámbulos empezaron a plasmar sus trazos con los sobrantes de pintura que conseguían por algunas monedas, ayudados por viejas brochas que remojaban en gasolina o thinner para volver a proferirles una misión: iluminar con sus creaciones las lúgubres paredes de la ciudad. Así, estos muchachos inconformes empezaron a formar una cuadrilla suburbana y marginal con altos índices de protesta, búsqueda de reconocimiento y reivindicación.
La llegada al país de Marcelo Yáñez en la década del 90 ayudó a apuntalar este movimiento de chicos desprolijos. Hijo del recordado compositor de folklore Gerardo Yáñez, Marcelo nació en Alemania y a los seis años ya se sentía influenciado por los ritmos del break dance estadounidense que llegaban a Europa. A los 12 se animó a pintar grafitis en las paredes de Berlín, hasta que sus padres lo sorprendieron con el anuncio de un viaje a La Paz, donde lo anotarían en el colegio Alemán de Achumani apenas arribado.
Allí lo apodaron El Cholo por ser el único de su clase que vivía en la zona norte de la ciudad, casi un estigma para muchos de los que radican en el acomodado sur paceño, lo cual fue advertido por el también rapero que empezó a hilvanar sus ideas agarrándose de muchos de aquellos prejuicios propios de esta sociedad. Así, con ese background, las murallas pasaron a ser su tela para la denuncia. “Como había llegado de Europa, vino con ideas nuevas, además de trabajar con pintura en aerosol. Sus diseños eran sorprendentes para esos tiempos”, dice Alfredo. Entonces el término grafiti empezó a ser consentido y asociado a la cultura del hip hop, aunque en realidad se trata de un enunciado con características propias. “Se lo relaciona con el rap y las pandillas, pero es tan antiguo que existe desde la historia misma del hombre que intenta dejar huella con sus pinturas”.
Transgredir era el objetivo principal de estos artistas anónimos y outsiders (en la periferia de las normas sociales). Por ello, como consecuencia de su intrépida labor, se la vieron en negrillas en más de una ocasión. “Tuve que escapar varias veces”, cuenta Alfredo. Sucede que el grafiti también fue adoptado por pandillas en su tarea de demarcar el territorio del que se sienten amos y señores. O para hostigar a los rivales en su constante declaratoria de guerra. “El grafiti sirve para la difusión de las intenciones de una banda. Se advierte a los forasteros que están entrando en una zona prohibida. También puede notificar a los clientes potenciales de drogas o sexo”, señala el sociólogo español Guzmán Urrero en su estudio sobre la Historia del grafiti.
Según el texto, estos gráficos reproducidos en las urbes tienen “voluntad de estilo; pueden contener o no palabras: lo importante es, en ellos, el mensaje de las formas (...) Las que llamamos pintadas utilizan el lenguaje verbal para transmitir unos determinados contenidos semánticos: prima en ellas la voluntad de información y de actuación sobre el receptor, el mensaje de los contenidos”.
Con el paso del tiempo, esta coloreada experiencia se fue haciendo más visible en la hoyada paceña, con intentonas por hallar un estilo propio (cholas, llamas, montañas, el indigenismo en boga), con el añadido de que el grafiti también ha sido adoptado por publicistas y marketineros, lo que se traduce en una suerte de institucionalización de aquello que en cierto momento había sido considerado una manifestación reñida con lo establecido. “El grafiti debe irrumpir, es su característica más particular”, explica por su lado Gabriel Sevilla, otro del rubro aunque surgido en la última década. Él estudió Bellas Artes y responde a una escuela menos “agresiva” y menos “intolerante” que recurre al mayor abanico de posibilidades para pensar y exhibir un concepto. Según Guzmán Urrero, vivimos “el símbolo de una globalización cultural cada vez más acusada (…). Por lo demás, se da la paradoja de que lo que fue una práctica marginal durante sus inicios, ha logrado anular todo su significado transgresor décadas después, convirtiéndose en un signo más de la moda del momento en todo el entorno occidental”.
En ese sentido, muchos de los grafiteros locales, siguiendo una tendencia internacional, trabajan haciendo gestión para que sus obras se plasmen y perduren lo más que se pueda en la memoria colectiva, aunque ello signifique soslayar su carácter contestatario. “Hay gente que trabaja con alcaldías e incluso con el Gobierno central”, dice Alfredo. Luego intenta explicar lo que hace a la diferencia. “También existen discrepancias; algunas corrientes sugieren que esta nueva tendencia se acerca más a otra forma de arte urbano que al grafiti original, que tiene un principio más transgresor”, y como ejemplo cita las acciones de la activista feminista María Galindo y sus crudos manifiestos. Hace algunos meses, ella fue motivo de una gran polémica que se instaló en medios y redes a raíz de diversos grafitis que atacaban a la esposa del alcalde paceño Luis Revilla, Maricruz Ribera, quien encabeza una campaña llamada “Yo... soy mi primer amor”, dirigida a las adolescentes para fortalecer su autoestima con el fin de prevenir, principalmente, la violencia en los noviazgos ante las alarmantes cifras de los últimos años sobre casos que concluyen en feminicidios. Una vez más el grafiti maniobró como testimonio de las relaciones entre ciertos sectores de la ciudadanía con el momento político y social que se vive.
Alfredo admite que la esencia del grafiti ha cambiado en el planeta spray. Y que se entera de ello en los diversos encuentros con colegas de otros países donde intercambian técnicas además de vivencias. Como la convención realizada los días 11, 12 y 13 de noviembre denominada Mos Bolivia, evento que acogió a representantes de México, Colombia, Ecuador, Brasil, Perú y Chile, en el que los virtuosos del dibujo pasearon por las calles paceñas para colmar de belleza sus paredes, consensuando temáticas para graficarlas en comunidad buscando la sensibilización.
Tan solo con el poder de la lata.
La llegada al país de Marcelo Yáñez en la década del 90 ayudó a apuntalar este movimiento de chicos desprolijos. Hijo del recordado compositor de folklore Gerardo Yáñez, Marcelo nació en Alemania y a los seis años ya se sentía influenciado por los ritmos del break dance estadounidense que llegaban a Europa. A los 12 se animó a pintar grafitis en las paredes de Berlín, hasta que sus padres lo sorprendieron con el anuncio de un viaje a La Paz, donde lo anotarían en el colegio Alemán de Achumani apenas arribado.
Allí lo apodaron El Cholo por ser el único de su clase que vivía en la zona norte de la ciudad, casi un estigma para muchos de los que radican en el acomodado sur paceño, lo cual fue advertido por el también rapero que empezó a hilvanar sus ideas agarrándose de muchos de aquellos prejuicios propios de esta sociedad. Así, con ese background, las murallas pasaron a ser su tela para la denuncia. “Como había llegado de Europa, vino con ideas nuevas, además de trabajar con pintura en aerosol. Sus diseños eran sorprendentes para esos tiempos”, dice Alfredo. Entonces el término grafiti empezó a ser consentido y asociado a la cultura del hip hop, aunque en realidad se trata de un enunciado con características propias. “Se lo relaciona con el rap y las pandillas, pero es tan antiguo que existe desde la historia misma del hombre que intenta dejar huella con sus pinturas”.
Transgredir era el objetivo principal de estos artistas anónimos y outsiders (en la periferia de las normas sociales). Por ello, como consecuencia de su intrépida labor, se la vieron en negrillas en más de una ocasión. “Tuve que escapar varias veces”, cuenta Alfredo. Sucede que el grafiti también fue adoptado por pandillas en su tarea de demarcar el territorio del que se sienten amos y señores. O para hostigar a los rivales en su constante declaratoria de guerra. “El grafiti sirve para la difusión de las intenciones de una banda. Se advierte a los forasteros que están entrando en una zona prohibida. También puede notificar a los clientes potenciales de drogas o sexo”, señala el sociólogo español Guzmán Urrero en su estudio sobre la Historia del grafiti.
Según el texto, estos gráficos reproducidos en las urbes tienen “voluntad de estilo; pueden contener o no palabras: lo importante es, en ellos, el mensaje de las formas (...) Las que llamamos pintadas utilizan el lenguaje verbal para transmitir unos determinados contenidos semánticos: prima en ellas la voluntad de información y de actuación sobre el receptor, el mensaje de los contenidos”.
Con el paso del tiempo, esta coloreada experiencia se fue haciendo más visible en la hoyada paceña, con intentonas por hallar un estilo propio (cholas, llamas, montañas, el indigenismo en boga), con el añadido de que el grafiti también ha sido adoptado por publicistas y marketineros, lo que se traduce en una suerte de institucionalización de aquello que en cierto momento había sido considerado una manifestación reñida con lo establecido. “El grafiti debe irrumpir, es su característica más particular”, explica por su lado Gabriel Sevilla, otro del rubro aunque surgido en la última década. Él estudió Bellas Artes y responde a una escuela menos “agresiva” y menos “intolerante” que recurre al mayor abanico de posibilidades para pensar y exhibir un concepto. Según Guzmán Urrero, vivimos “el símbolo de una globalización cultural cada vez más acusada (…). Por lo demás, se da la paradoja de que lo que fue una práctica marginal durante sus inicios, ha logrado anular todo su significado transgresor décadas después, convirtiéndose en un signo más de la moda del momento en todo el entorno occidental”.
En ese sentido, muchos de los grafiteros locales, siguiendo una tendencia internacional, trabajan haciendo gestión para que sus obras se plasmen y perduren lo más que se pueda en la memoria colectiva, aunque ello signifique soslayar su carácter contestatario. “Hay gente que trabaja con alcaldías e incluso con el Gobierno central”, dice Alfredo. Luego intenta explicar lo que hace a la diferencia. “También existen discrepancias; algunas corrientes sugieren que esta nueva tendencia se acerca más a otra forma de arte urbano que al grafiti original, que tiene un principio más transgresor”, y como ejemplo cita las acciones de la activista feminista María Galindo y sus crudos manifiestos. Hace algunos meses, ella fue motivo de una gran polémica que se instaló en medios y redes a raíz de diversos grafitis que atacaban a la esposa del alcalde paceño Luis Revilla, Maricruz Ribera, quien encabeza una campaña llamada “Yo... soy mi primer amor”, dirigida a las adolescentes para fortalecer su autoestima con el fin de prevenir, principalmente, la violencia en los noviazgos ante las alarmantes cifras de los últimos años sobre casos que concluyen en feminicidios. Una vez más el grafiti maniobró como testimonio de las relaciones entre ciertos sectores de la ciudadanía con el momento político y social que se vive.
Alfredo admite que la esencia del grafiti ha cambiado en el planeta spray. Y que se entera de ello en los diversos encuentros con colegas de otros países donde intercambian técnicas además de vivencias. Como la convención realizada los días 11, 12 y 13 de noviembre denominada Mos Bolivia, evento que acogió a representantes de México, Colombia, Ecuador, Brasil, Perú y Chile, en el que los virtuosos del dibujo pasearon por las calles paceñas para colmar de belleza sus paredes, consensuando temáticas para graficarlas en comunidad buscando la sensibilización.
Tan solo con el poder de la lata.
lunes, 21 de noviembre de 2016
Las estrellas mundiales del grafiti dejan su huella en La Paz
Considerados estrellas mundiales del grafiti, 30 artistas muralistas de 10 países pintaron en las paredes de las estaciones de Mi Teleférico. La iniciativa forma parte del encuentro de arte urbano Meeting of Styles, que se realizó la anterior semana en La Paz.
El Meeting of Styles es una red internacional que reúne a los exponentes más importantes del arte mural para plasmar sus obras en más de 70 países. El propósito del encuentro es promocionar y promover al grafiti como arte urbano.
Según los organizadores, el festival, que se realizó por primera vez en Bolivia, es considerado como el principal y mayor encuentro de arte urbano en el mundo. En La Paz, el Meeting of Styles fue organizado por la empresa ojocerrado.com con el apoyo de la empresa Mi Teleférico, Tigo, pinturas Coral, el colectivo Cementerio de Elefantes y la Coordinadora de la Mujer.
Para este encuentro arribaron artistas de países como Brasil, Perú, Colombia, Argentina, Chile, México, Ecuador, Alemania, España y Bolivia, entre otros. Los creadores plasmaron sus grafitis del 11 al 13 de noviembre, en los muros de las estaciones de Sopocachi (línea Amarilla), Irpavi y Alto Obrajes (línea Verde). Además, los artistas pintaron sus obras en las paredes cercanas a la Cervecería Boliviana Nacional (calle Chuquisaca).
Todos los artistas prefirieron guardar sus identidades y optaron por firmar sus obras con sus nombres artísticos. Entre las estrellas del grafiti más destacadas de Latinoamérica están Monks (Perú), Adrián (Chile), Warner (México), Wosnan (Colombia), Janin (México), Gra (Chile), Malafaia (Brasil) y otros.
"El estilo que tengo es muy colorinche (colorido). Desde hace mucho tiempo pinto grafitis y me alegra formar parte de una buena causa y adornar un poco más la ciudad. El Meeting of Styles es un espacio que permite a varios artistas del medio a expresar sus puntos de vista en paredes de otros países”, expresó uno de los artistas chilenos.
Para los artistas invitados, el grafiti es un arte que llega de forma más directa a la gente. "He venido desde Perú para traer un poco del estilo callejero. Utilizamos un spray con aerosol. El grafiti es un medio importante para denunciar algún descontento que tenemos con la sociedad. Además, a través de nuestros grafitis queremos abrir un espacio de reflexión para determinadas temáticas”, indicó otro de los artistas peruanos.
En los grafitis, los artistas plasmaron una diversidad de imágenes relacionadas a la Madre Tierra, la desigualdad social, el cambio climático, la pobreza y la lucha contra la violencia hacia las mujeres, entre otros.
El Meeting of Styles es una red internacional que reúne a los exponentes más importantes del arte mural para plasmar sus obras en más de 70 países. El propósito del encuentro es promocionar y promover al grafiti como arte urbano.
Según los organizadores, el festival, que se realizó por primera vez en Bolivia, es considerado como el principal y mayor encuentro de arte urbano en el mundo. En La Paz, el Meeting of Styles fue organizado por la empresa ojocerrado.com con el apoyo de la empresa Mi Teleférico, Tigo, pinturas Coral, el colectivo Cementerio de Elefantes y la Coordinadora de la Mujer.
Para este encuentro arribaron artistas de países como Brasil, Perú, Colombia, Argentina, Chile, México, Ecuador, Alemania, España y Bolivia, entre otros. Los creadores plasmaron sus grafitis del 11 al 13 de noviembre, en los muros de las estaciones de Sopocachi (línea Amarilla), Irpavi y Alto Obrajes (línea Verde). Además, los artistas pintaron sus obras en las paredes cercanas a la Cervecería Boliviana Nacional (calle Chuquisaca).
Todos los artistas prefirieron guardar sus identidades y optaron por firmar sus obras con sus nombres artísticos. Entre las estrellas del grafiti más destacadas de Latinoamérica están Monks (Perú), Adrián (Chile), Warner (México), Wosnan (Colombia), Janin (México), Gra (Chile), Malafaia (Brasil) y otros.
"El estilo que tengo es muy colorinche (colorido). Desde hace mucho tiempo pinto grafitis y me alegra formar parte de una buena causa y adornar un poco más la ciudad. El Meeting of Styles es un espacio que permite a varios artistas del medio a expresar sus puntos de vista en paredes de otros países”, expresó uno de los artistas chilenos.
Para los artistas invitados, el grafiti es un arte que llega de forma más directa a la gente. "He venido desde Perú para traer un poco del estilo callejero. Utilizamos un spray con aerosol. El grafiti es un medio importante para denunciar algún descontento que tenemos con la sociedad. Además, a través de nuestros grafitis queremos abrir un espacio de reflexión para determinadas temáticas”, indicó otro de los artistas peruanos.
En los grafitis, los artistas plasmaron una diversidad de imágenes relacionadas a la Madre Tierra, la desigualdad social, el cambio climático, la pobreza y la lucha contra la violencia hacia las mujeres, entre otros.
miércoles, 16 de noviembre de 2016
Artistas del grafiti pintan en La Paz
Por primera vez, Reunión de Estilos (Meeting of Styles) red internacional de artistas se congregaron en Bolivia para realizar el trabajo de crear murales, con la técnica del grafiti; el propósito motivar, fomentar y ejercitar en la juventud paceña la tarea del arte y así generar la posibilidad de expresarse y alejarlos de la violencia y de la delincuencia.
Más de 20 artistas se dieron cita en la urbe paceña, procedentes de Brasil, Perú, Colombia, Argentina, Chile, México, Ecuador, Alemania y España.
Los murales se pintaron en Sopocachi, en inmediaciones del teleférico, Estación de Irpavi, Estación Alto Obrajes, además en calles adyacentes a la Cervecería Boliviana Nacional, con el objetivo de incentivar a los jóvenes creativos el desarrollar diversas expresiones artísticas, brindando así plataformas que llaman a sumar fuerzas y tener una actitud activa contra preocupaciones sociales.
Se pretende, además, descubrir y promover el compromiso artístico de La Paz con jóvenes talentos, a fin de aportar una formación integral en las nuevas generaciones, afirman los organizadores.
Las creativas obras se exponen en inmediaciones de las distintas estaciones del teleférico de la ciudad de La Paz.
Más de 20 artistas se dieron cita en la urbe paceña, procedentes de Brasil, Perú, Colombia, Argentina, Chile, México, Ecuador, Alemania y España.
Los murales se pintaron en Sopocachi, en inmediaciones del teleférico, Estación de Irpavi, Estación Alto Obrajes, además en calles adyacentes a la Cervecería Boliviana Nacional, con el objetivo de incentivar a los jóvenes creativos el desarrollar diversas expresiones artísticas, brindando así plataformas que llaman a sumar fuerzas y tener una actitud activa contra preocupaciones sociales.
Se pretende, además, descubrir y promover el compromiso artístico de La Paz con jóvenes talentos, a fin de aportar una formación integral en las nuevas generaciones, afirman los organizadores.
Las creativas obras se exponen en inmediaciones de las distintas estaciones del teleférico de la ciudad de La Paz.
jueves, 10 de noviembre de 2016
Alandia Pantoja inspira un mural de 33 metros
Más de 150 litros de pintura utilizaron seis integrantes del colectivo nacional Cementerio de Elefantes para plasmar un mural de 33 metros de alto por seis de ancho en el edificio Salgueiro, ubicado en la calle Rosendo Gutiérrez de la zona de Sopocachi.
El colectivo Cementerio de Elefantes realizó la obra en ocasión del II Encuentro de Muralismo Latinoamericano ‘Voces Libertarias’, que se desarrolló del 24 al 29 de octubre. El mural gigante, sin embargo, fue concluido el pasado sábado 5 de noviembre. La obra está ubicada en la calle Rosendo Gutiérrez de la zona de Sopocachi.
"Alegoría a la vida, un homenaje a Miguel Alandia Pantoja" es el título del mural que fue realizado como parte del II Encuentro de Muralismo Latinoamericano ‘Voces Libertarias’ La Paz – Bolivia, una actividad organizada por la Secretaría Municipal de Culturas (SMC), en coordinación con la Junta de Vecinos de Sopocachi, la Fundación Solón y la Red Apacheta. La actividad reunió a más 40 artistas de Argentina, Chile, Colombia, México y Bolivia.
“Más que la propia obra es recuperar al artista, que de alguna manera está olvidado. Es una alegoría hacia la vida y la revolución”, expresó uno de los artistas del colectivo nacional Cementerio de Elefantes, quien prefirió no revelar su identidad para resaltar el trabajo conjunto.
La obra —que empieza en el piso 14 y termina en el 3— es un homenaje a la vida, obra e ideología del reconocido muralista boliviano Miguel Alandia Pantoja, fallecido en 1975.
De acuerdo con los artistas, el propósito de su trabajo fue el de utilizar una obra o concepto para plasmar la propuesta plástica e ideológica que tenía Alandia Pantoja. Asimismo, se buscó recuperar el nombre y aporte de una de las más importantes figuras de la plástica latinoamericana, además de la iconografía de sus trabajos.
La obra es una especie de tótem que consta de cinco elementos. Se inicia con una cabeza de cóndor, más abajo se aprecia la figura de la imilla rodeada de naturaleza, también se plasmaron manos que tienen el simbolismo de dar y recibir, el nombre del homenajeado y al final pueden verse tres flores de kantuta. Al acabado se suma una intervención urbana consistente en el chorreado de pintura.
Según los artistas, “en las culturas precolombinas, así como uno recibe de la naturaleza también se da. Así como recibes de la vida, también tienes que ofrecer. Entonces Alandia Pantoja hizo eso con su vida y la revolución”, respecto a parte de la iconografía que se ve en la obra, en este caso la de las manos.
“Fue fácil plasmar lo que queríamos hacer”, dijeron respecto al gran lienzo de Sopocachi que les fue cedido por parte de la Junta de Vecinos de esa zona. “Vieron que era el edificio más apropiado porque el lugar está lleno de casas patrimoniales donde no se van a construir edificios, por lo que la vista será permanente”.
Cementerio de Elefantes es conformado por 12 artistas cuyas edades oscilan entre los 22 años y 35 años. Paralelamente se planifica crear un colectivo de mujeres grafiteras y muralistas. El colectivo se creó en febrero de este año con el objetivo de “hacer arte y política”. Resaltó uno de sus integrantes. El objetivo es transmitir y a la vez recordar a Alandia Pantoja, como revolucionario (militante activo del Partido Obrero Revolucionario), aunque en el plano plástico se buscó resaltar la figura de un muralista que se destacó a nivel nacional y latinoamericano.
El colectivo Cementerio de Elefantes realizó la obra en ocasión del II Encuentro de Muralismo Latinoamericano ‘Voces Libertarias’, que se desarrolló del 24 al 29 de octubre. El mural gigante, sin embargo, fue concluido el pasado sábado 5 de noviembre. La obra está ubicada en la calle Rosendo Gutiérrez de la zona de Sopocachi.
"Alegoría a la vida, un homenaje a Miguel Alandia Pantoja" es el título del mural que fue realizado como parte del II Encuentro de Muralismo Latinoamericano ‘Voces Libertarias’ La Paz – Bolivia, una actividad organizada por la Secretaría Municipal de Culturas (SMC), en coordinación con la Junta de Vecinos de Sopocachi, la Fundación Solón y la Red Apacheta. La actividad reunió a más 40 artistas de Argentina, Chile, Colombia, México y Bolivia.
“Más que la propia obra es recuperar al artista, que de alguna manera está olvidado. Es una alegoría hacia la vida y la revolución”, expresó uno de los artistas del colectivo nacional Cementerio de Elefantes, quien prefirió no revelar su identidad para resaltar el trabajo conjunto.
La obra —que empieza en el piso 14 y termina en el 3— es un homenaje a la vida, obra e ideología del reconocido muralista boliviano Miguel Alandia Pantoja, fallecido en 1975.
De acuerdo con los artistas, el propósito de su trabajo fue el de utilizar una obra o concepto para plasmar la propuesta plástica e ideológica que tenía Alandia Pantoja. Asimismo, se buscó recuperar el nombre y aporte de una de las más importantes figuras de la plástica latinoamericana, además de la iconografía de sus trabajos.
La obra es una especie de tótem que consta de cinco elementos. Se inicia con una cabeza de cóndor, más abajo se aprecia la figura de la imilla rodeada de naturaleza, también se plasmaron manos que tienen el simbolismo de dar y recibir, el nombre del homenajeado y al final pueden verse tres flores de kantuta. Al acabado se suma una intervención urbana consistente en el chorreado de pintura.
Según los artistas, “en las culturas precolombinas, así como uno recibe de la naturaleza también se da. Así como recibes de la vida, también tienes que ofrecer. Entonces Alandia Pantoja hizo eso con su vida y la revolución”, respecto a parte de la iconografía que se ve en la obra, en este caso la de las manos.
“Fue fácil plasmar lo que queríamos hacer”, dijeron respecto al gran lienzo de Sopocachi que les fue cedido por parte de la Junta de Vecinos de esa zona. “Vieron que era el edificio más apropiado porque el lugar está lleno de casas patrimoniales donde no se van a construir edificios, por lo que la vista será permanente”.
Cementerio de Elefantes es conformado por 12 artistas cuyas edades oscilan entre los 22 años y 35 años. Paralelamente se planifica crear un colectivo de mujeres grafiteras y muralistas. El colectivo se creó en febrero de este año con el objetivo de “hacer arte y política”. Resaltó uno de sus integrantes. El objetivo es transmitir y a la vez recordar a Alandia Pantoja, como revolucionario (militante activo del Partido Obrero Revolucionario), aunque en el plano plástico se buscó resaltar la figura de un muralista que se destacó a nivel nacional y latinoamericano.
martes, 18 de octubre de 2016
Declaran “Patrimonio Intangible” a murales artísticos de Caraparí
Caraparí (Elchacoinforma.com).- El Gobierno Autónomo Municipal de Caraparí en coordinación con el Concejo Municipal, cerró el Primer Encuentro Internacional de Muralismo denominado “La Fe y El Arte”, declarando mediante Decreto Municipal 10/2016, patrimonio tangible e invaluable del municipio a las obras artísticas en las que, los maestros plasmaron su voluntad de embellecer los edificios públicos convirtiéndose en soportes de la expresión sublime de los sentimientos y pensamientos humanos del subconsciente, la razón y de la creatividad en cultura.
El alcalde Wilman Peña expresó admiración por el trabajo realizado por los maestros que plasmaron su arte en los murales, a quienes agradeció por su participación.
“Han conocido Caraparí, es un rinconcito de nuestro Chaco y lo han conocido en todas sus manifestaciones, como ser el clima, el calor, ese calor humano, pero sobre todo en la sencillez de nuestra gente carapareña, así somos los chaqueños, esos somos los carapareños y ustedes maestros son parte nuestra, son parte de esta cultura viva”, manifestó Peña.
Las 15 obras murales realizadas en pintura, mosaico, relieve y cemento directo son: Viva Caraparí, Protección de la morenita, Creer para Crear, Miradas de Fe, Guadalupe carapareña, Nuestra tierra, Ojos que bendicen, Ofrenda guadalupana, Siempre, Serenata a la Virgen, El camino de la fe, Ofrenda de amor, Canto a la Pachamama, y Encuentro en la fe, son propias de los maestros mismas que fueron declaradas patrimonio de la cultura del municipio de Caraparí.
“Agradezco a los maestros muralistas por haberlos conocidos en la parte más importante que tiene todo ser humano, que es su propio sentimiento hecho manifestación mediante su arte el cual nos dejan hoy, un arte accesible a nuestro conocimiento y valoración, arrancando la expresión que cosa más hermosa que están haciendo y dibujando en las paredes de nuestro pueblo, gracias por ello y los mensajes que nos dejan”, acotó el Alcalde.
Los maestros muralistas presentes en el primer encuentro internacional fueron: Omar Brachetti, María Rosa Spain, José María Llorens, Gisel Rosso, Daniel Ruiz Holgado, María Inés Catania, Luciana Nilda Cabrera, Graciela Liliana Gómez, Silvia del Valle Rogel, Mabel Sonia Zapata, Raúl Edgardo Guzmán, María Ana Cozzi, Iván De Garona, Guillermo Tejerina, Rosario Molina Mitru, Renate Hollweng, Gabriela Zeballos Avila, Aldahir Montaño Flores, María René Camacho Caballero, Whilem Orozco Espinoza, Paola Marcela Rodríguez Gómez.
El alcalde Wilman Peña expresó admiración por el trabajo realizado por los maestros que plasmaron su arte en los murales, a quienes agradeció por su participación.
“Han conocido Caraparí, es un rinconcito de nuestro Chaco y lo han conocido en todas sus manifestaciones, como ser el clima, el calor, ese calor humano, pero sobre todo en la sencillez de nuestra gente carapareña, así somos los chaqueños, esos somos los carapareños y ustedes maestros son parte nuestra, son parte de esta cultura viva”, manifestó Peña.
Las 15 obras murales realizadas en pintura, mosaico, relieve y cemento directo son: Viva Caraparí, Protección de la morenita, Creer para Crear, Miradas de Fe, Guadalupe carapareña, Nuestra tierra, Ojos que bendicen, Ofrenda guadalupana, Siempre, Serenata a la Virgen, El camino de la fe, Ofrenda de amor, Canto a la Pachamama, y Encuentro en la fe, son propias de los maestros mismas que fueron declaradas patrimonio de la cultura del municipio de Caraparí.
“Agradezco a los maestros muralistas por haberlos conocidos en la parte más importante que tiene todo ser humano, que es su propio sentimiento hecho manifestación mediante su arte el cual nos dejan hoy, un arte accesible a nuestro conocimiento y valoración, arrancando la expresión que cosa más hermosa que están haciendo y dibujando en las paredes de nuestro pueblo, gracias por ello y los mensajes que nos dejan”, acotó el Alcalde.
Los maestros muralistas presentes en el primer encuentro internacional fueron: Omar Brachetti, María Rosa Spain, José María Llorens, Gisel Rosso, Daniel Ruiz Holgado, María Inés Catania, Luciana Nilda Cabrera, Graciela Liliana Gómez, Silvia del Valle Rogel, Mabel Sonia Zapata, Raúl Edgardo Guzmán, María Ana Cozzi, Iván De Garona, Guillermo Tejerina, Rosario Molina Mitru, Renate Hollweng, Gabriela Zeballos Avila, Aldahir Montaño Flores, María René Camacho Caballero, Whilem Orozco Espinoza, Paola Marcela Rodríguez Gómez.
miércoles, 12 de octubre de 2016
Mural feminista causa polémica en la población
El mural que pintó Mujeres Creando en la fachada del Museo Nacional de Arte durará un mes hasta el 11 de noviembre, informó el responsable de Comunicación de la institución cultural, Óscar Mattos.
El funcionario explicó que la organización feminista fue invitada a realizar esta obra por los organizadores de la Bienal Siart, que se inició este martes y ofrecerá a la población una serie de muestras artísticas hasta el 11 de noviembre.
El mural de Mujeres Creando, que critica a la Iglesia Católica, provocó polémica, puesto que varios transeúntes expresaron su rechazo. “Es una inmoralidad”, “cochinada”, “falta de respeto” y “demente”, fueron algunos de los calificativos que usaron ciudadanos que miraban indignados la pintura.
Mattos informó que la Bienal terminará el 11 de noviembre y después se pintará la fachada del Museo en su totalidad. “Para hacer esta intervención, se cuenta con el apoyo del Ministerio de Culturas y la Dirección de Patrimonio. Son ellos los que han autorizado. Nosotros no podemos sobrepasar esa autoridad”, dijo.
Sin embargo, en horas de la noche, decenas de ciudadanos, entre ellos religiosos, descontentos con el polémico mural, entre cánticos y rezos, lo destruyeron y cubrieron de pintura tras producirse fuertes protestas.
El funcionario explicó que la organización feminista fue invitada a realizar esta obra por los organizadores de la Bienal Siart, que se inició este martes y ofrecerá a la población una serie de muestras artísticas hasta el 11 de noviembre.
El mural de Mujeres Creando, que critica a la Iglesia Católica, provocó polémica, puesto que varios transeúntes expresaron su rechazo. “Es una inmoralidad”, “cochinada”, “falta de respeto” y “demente”, fueron algunos de los calificativos que usaron ciudadanos que miraban indignados la pintura.
Mattos informó que la Bienal terminará el 11 de noviembre y después se pintará la fachada del Museo en su totalidad. “Para hacer esta intervención, se cuenta con el apoyo del Ministerio de Culturas y la Dirección de Patrimonio. Son ellos los que han autorizado. Nosotros no podemos sobrepasar esa autoridad”, dijo.
Sin embargo, en horas de la noche, decenas de ciudadanos, entre ellos religiosos, descontentos con el polémico mural, entre cánticos y rezos, lo destruyeron y cubrieron de pintura tras producirse fuertes protestas.
viernes, 7 de octubre de 2016
Alistan Encuentro Internacional de Pintura Mural
Los técnicos del área de cultura y turismo de Caraparí alistan el municipio para acoger el I Encuentro Internacional de Pintura Mural. Es así que Ilton Rodríguez, responsable del área, explicó que se van a adecuar diferentes muros que actualmente se encuentran ocupados por pintadas de las diferentes campañas políticas.
“Se está haciendo la preparación para el primer encuentro internacional mural, estamos tratando de borrar todo lo político que da un poco de mal aspecto a los turistas y visitantes” señaló.
El encuentro se realizará entre el 6 y el 15 de octubre y reunirá a expertos muralistas de México, Perú, Paraguay, Argentina además de Bolivia. Rodríguez precisó que cada delegación está conformada por seis u ocho personas.
La temática de los murales girará sobre la Virgen de Guadalupe así como los principales atractivos turísticos del municipio, de forma que los turistas y visitantes puedan apreciar el potencial y permanecer más tiempo en el municipio con el objetivo de visitar los diferentes lugares.
La pintura mural es una técnica cada vez con más auge y seguidores, ya que permite el disfrute del arte para todos los públicos y bolsillos sin restricciones. Latinoamérica es uno de los continentes donde más se ha fortalecido este movimiento cultural. En Tarija, en El Valle de la Concepción, se ha desarrollado durante dos años con éxito. Con la iniciativa en el municipio de Caraparí, se une al circuito de ciudades intermedias que han apostado por esta técnica para mejorar su aspecto público y dar una seña de identidad.
“Son buenos profesionales los que están llegando, esperemos que sea un éxito y que se pueda consolidar el certamen para el año que viene”, señaló Rodríguez.
sábado, 2 de julio de 2016
La libre expresión de "Ales del pincel"
Los muros de la ciudad, muchas veces son víctimas de vandalismo, cuando personas con la intención de hacer daño, simplemente pintan con aerosol mensajes sin sentido o dejan marca de "pandillas", sin que las autoridades puedan poner un alto, pero existen artistas urbanos, que utilizan los muros para su expresión de libertad, mostrando que estas manifestaciones no siempre son dañinas, ese es el pensamiento de Alessandri Mendoza, "Ales del pincel".
Este joven artista, que se abrió paso en el mundo de la cultura hip-hop, siendo uno de los más completos, siendo parte del graffiti, el canto y ahora dedicándose al arte del tatuaje.
Actualmente radica en Cochabamba y ahí expande su enorme talento; LA PATRIA (LP), pudo entrevistarse con él, para saber cómo hace crecer su talento, quien contestó varias interrogantes que le planteamos:
LP: ¿Cómo te inicias en el arte del graffiti?
Ales: A principios del año 2008, en una provincia cercana de la ciudad de Oruro haciendo mi marca, esto lo hacía en la calle, me gustaba poner mi nombre, mi logo o mensajes, pero no tenía idea q eso se llamaba tag graffiti, yo solo lo hacía porque dibujaba desde niño y me gustaba ver siempre mi marca. Pensaba antes que los que hacían firmas eran pandilleros, pero cuando me di cuenta estaba equivocado, hay algunas cosas que hay que diferenciar entre un tag graffitero y una rayada de cualquier cosa.
Es ahí cuando conocí la grandiosa cultura hip-hop influenciado por la música por amigos de barrio y ahí me di cuenta que estaba haciendo arte callejero, para el 2009, fui a la ciudad y el hip-hop me dio la motivación de hacer música rap y sacar algunas canciones y cuando viajaba de aquí para allá veía piezas de graffiti elaboradas eso aún me influencio más y como siempre tenía esa pasión por dibujar y pintar tomé esa fusión entre el hip hop y el arte de las pinturas nacieron mis graffitis artísticos.
LP: ¿Qué significa para ti hacer arte callejero?
Ales: Significa mi propia libertad, mi propia revolución artística, donde yo puedo expresar lo que me gusta o lo que siento con amor y significado aunque los demás no lo puedan entender.
LP: ¿Cómo te siente que tu arte sea admirado en las calles y no en un salón de arte?
Ales: El graffiti nació siempre en la calle por jóvenes y sus inquietudes, cuando alguien lo admira me alegra, a la misma vez me sube mi ánimo, mi pasión. La calle es muy diferente a la galería porque en la calle lo miran casi todo el mundo, mientras en la galería son pocos los que pueden captar. Es mucha la diferencia porque en la calle ocurren varias cosas y solo mis obras son testigo de ellas, sufren los cuatro climas que ocurre cada año, son como mi propio ser, mi propio espíritu que está plasmado y sellado como huella.
LP. ¿El graffiti puede hacerlo cualquiera?
Ales: Dicen que el graffiti puede hacerlo cualquiera, ya agarrando una lata de spray se consideran graffiteros, eso está muy mal, hay muchas personas que lo toman por moda, por ser conocidos, esto no es así, la verdadera realidad es que tienes que vivirlo, tienes que sentirlo y saber porque haces graffiti, esto no es moda pasajera, más bien esto es un estilo de vida.
LP: Tu arte ahora llegó al tatuaje, ¿cómo fue esta incursión?
Ales: Mi arte llega al tatuaje porque tengo mucha inquietud por este campo, porque el arte es mi propio reflejo me gusta demostrar de que estoy hecho. Me considero autodidacta porque la mayoría de lo que aprendí es gracias a mi esfuerzo y mientras conozca otras técnicas, las seguiré averiguando hasta el fin y nutriéndome día tras día.
LP: ¿Tienes algún mensaje a la juventud?
Ales: Mi gran mensaje es sobre el arte, que es un don de Dios, todos piensan que no hay futuro para esto, están muy equivocados, los que hacen arte, son seres de otro planeta, los reales los que sobreviven con fe y amor luchan por sus sueños, todos tienen un destino, ellos sí encontrarán el verdadero futuro y la felicidad.
Este joven artista, que se abrió paso en el mundo de la cultura hip-hop, siendo uno de los más completos, siendo parte del graffiti, el canto y ahora dedicándose al arte del tatuaje.
Actualmente radica en Cochabamba y ahí expande su enorme talento; LA PATRIA (LP), pudo entrevistarse con él, para saber cómo hace crecer su talento, quien contestó varias interrogantes que le planteamos:
LP: ¿Cómo te inicias en el arte del graffiti?
Ales: A principios del año 2008, en una provincia cercana de la ciudad de Oruro haciendo mi marca, esto lo hacía en la calle, me gustaba poner mi nombre, mi logo o mensajes, pero no tenía idea q eso se llamaba tag graffiti, yo solo lo hacía porque dibujaba desde niño y me gustaba ver siempre mi marca. Pensaba antes que los que hacían firmas eran pandilleros, pero cuando me di cuenta estaba equivocado, hay algunas cosas que hay que diferenciar entre un tag graffitero y una rayada de cualquier cosa.
Es ahí cuando conocí la grandiosa cultura hip-hop influenciado por la música por amigos de barrio y ahí me di cuenta que estaba haciendo arte callejero, para el 2009, fui a la ciudad y el hip-hop me dio la motivación de hacer música rap y sacar algunas canciones y cuando viajaba de aquí para allá veía piezas de graffiti elaboradas eso aún me influencio más y como siempre tenía esa pasión por dibujar y pintar tomé esa fusión entre el hip hop y el arte de las pinturas nacieron mis graffitis artísticos.
LP: ¿Qué significa para ti hacer arte callejero?
Ales: Significa mi propia libertad, mi propia revolución artística, donde yo puedo expresar lo que me gusta o lo que siento con amor y significado aunque los demás no lo puedan entender.
LP: ¿Cómo te siente que tu arte sea admirado en las calles y no en un salón de arte?
Ales: El graffiti nació siempre en la calle por jóvenes y sus inquietudes, cuando alguien lo admira me alegra, a la misma vez me sube mi ánimo, mi pasión. La calle es muy diferente a la galería porque en la calle lo miran casi todo el mundo, mientras en la galería son pocos los que pueden captar. Es mucha la diferencia porque en la calle ocurren varias cosas y solo mis obras son testigo de ellas, sufren los cuatro climas que ocurre cada año, son como mi propio ser, mi propio espíritu que está plasmado y sellado como huella.
LP. ¿El graffiti puede hacerlo cualquiera?
Ales: Dicen que el graffiti puede hacerlo cualquiera, ya agarrando una lata de spray se consideran graffiteros, eso está muy mal, hay muchas personas que lo toman por moda, por ser conocidos, esto no es así, la verdadera realidad es que tienes que vivirlo, tienes que sentirlo y saber porque haces graffiti, esto no es moda pasajera, más bien esto es un estilo de vida.
LP: Tu arte ahora llegó al tatuaje, ¿cómo fue esta incursión?
Ales: Mi arte llega al tatuaje porque tengo mucha inquietud por este campo, porque el arte es mi propio reflejo me gusta demostrar de que estoy hecho. Me considero autodidacta porque la mayoría de lo que aprendí es gracias a mi esfuerzo y mientras conozca otras técnicas, las seguiré averiguando hasta el fin y nutriéndome día tras día.
LP: ¿Tienes algún mensaje a la juventud?
Ales: Mi gran mensaje es sobre el arte, que es un don de Dios, todos piensan que no hay futuro para esto, están muy equivocados, los que hacen arte, son seres de otro planeta, los reales los que sobreviven con fe y amor luchan por sus sueños, todos tienen un destino, ellos sí encontrarán el verdadero futuro y la felicidad.
jueves, 9 de junio de 2016
Muralistas inculcan su arte en Guerra Huaico
José Augusto Ramírez y Gabriel Tomisch son dos correntinos que se dedican al arte del muralismo, se encuentran en la ciudad de Tarija hace cinco meses y realizan diversas actividades en el ámbito cultural.
Ambos realizaron talleres en La Cúpula Centro Cultural y actualmente dan cursos intensivos de muralismo en una escuela en Guerra Huaico. También dieron un curso a los estudiantes de primer, segundo y tercer año de la escuela de Bellas Artes “José Santos Mujica”.
El método que facilitan es el mismo que utilizaron para realizar los distintos murales coloridos y vistosos que se encuentran en varios lugares de la ciudad y provincias. Ellos se presentaron en el Festival del Arte y el Vino, pintaron uno de los murales más llamativos y grandes de dicho evento.
Taller
Los talleres consisten en abordar todo el proceso de creación del mural, desde el boceto hasta los detalles más finos de culminación de la obra. Los murales de Ramírez y Tomisch mezclan el arte pop, impresionismo y los artistas utilizan sus recursos de diseño gráfico. Además de imponer en su pintura colores vivos, sus trabajos son vistosos, creativos y por lo general abordan dimensiones de gran tamaño.
Tomisch dijo que es importante el proceso previo para abordar las diferentes formas que se aplicarán al boceto, para llegar hasta el final que es el encuentro con el muro. “Los alumnos plasman sus propios bocetos, con la dinámica de trabajo que tenemos nosotros”, agregó.
Ramírez dijo que hay que tener nociones básicas de dibujo pero orientada al muralismo, muy diferente a la pintura de caballete, ya que tiene otras concepciones, debido a que se mira con otro tipo de perspectiva al observar de distintos lugares. “El arte público no está sectorizado en un museo, sino que es más popular y se acerca a las personas de forma directa, sin que tengan conocimiento previo de la pintura”, agregó.
Para Ramírez las personas ven los murales como un elemento decorativo y también tiene la capacidad de transmitir un mensaje. Por otra parte Tomisch mencionó que la receptividad de los alumnos ha sido óptima y que ellos pudieron darse cuenta del avance que tuvieron gracias a las clases.
“El primer día estaban entusiasmados porque comenzamos a manejar colores y la forma, en el tercer día están más sueltos y tienen mayor confianza. La indumentaria utilizada son brochas, rodillos, pinceles para delinear y pintura básica látex al agua”, manifestó Tomisch.
Ramírez recordó que llegó a Tarija gracias a sus amigos Luis Zilveti y Clotilde Tasson, quienes fueron una especie de promotores culturales, que les indicaron qué lugares podrían visitar y así plasmar sus murales.
Anteriormente trabajaban con murales estilo mexicano, con contenido político, pero una vez en Tarija se toparon con otra receptividad que hizo mutar su estilo, hasta la fecha no pudieron aplicarlo en su provincia. “Gente que encontramos en el camino hizo una valoración del trabajo que hacemos, eso crea un gran colchón para sostener nuestro trabajo”, explicó Ramírez.
Tomisch y Ramírez dicen que la tierra chapaca los apañó y trató muy bien, entonces cada vez que puedan piensan retornar. Ramírez dijo que la gente fue un elemento activo dentro de su producción artística, porque siempre han estado abiertos a sugerencias e ideas.
lunes, 4 de abril de 2016
Steez 8siete, la primera tienda en Bolivia con material para hacer grafiti
Steez 8siete es la primera tienda que vende material para hacer grafiti y arte urbano en Bolivia, según explican sus socios. El objetivo es fomentar el crecimiento de esta expresión en el país en forma positiva y seria. Con ello buscan romper el estereotipo que tienen sectores de la sociedad que afirman que sólo se trata de vandalismo.
Ernesto Polo y Diego Magariños se unieron para satisfacer la necesidad que como "grafiteros” tuvieron por años, hallar un lugar en donde los artistas del grafiti y el arte urbano -además de muralistas y diseñadores- encuentren material específico para la ejecución de sus actividades.
Con esa idea se unieron a un tercer socio para abrir la tienda el 9 de marzo de este año. "Se trata de ofrecer productos que son específicamente fabricados para el grafiti, el arte urbano y otras expresiones similares en las que se utiliza el aerosol. Y bueno, decidimos hacerlo nosotros para dotar de este material de una manera comprometida”, señala Polo.
Ambos están conscientes de que existen opines que califican el grafiti como una actividad vandálica y negativa, y reconocen que es algo que sucede en algunos sectores.
Sin embargo, aclaran que los productos fabricados exclusivamente para hacer grafiti potencian la faceta artística de esta expresión. "Este arte está creciendo y por supuesto queremos que más gente pinte en la ciudad y el país”, añade Magariños.
Los productos
La tienda distribuye la marca mexicana 360 spray paint, con una oferta de más de 100 colores, y la española Montana. Además de una marca china que se utiliza en Bolivia, pero que no se fabrica para este fin.
El costo de cada lata de aerosol es mayor al de las que se adquiere en las ferreterías, pero tiene varias ventajas, según explican los socios de la tienda. Una de ellas es que tienen mayor cantidad y dispensan mejor el producto, especialmente hecho para superficies en las que se hace grafiti.
Por otro lado, los colores tienen particularidades diferentes (perlado o brilloso) y son más intensos. "No quiere decir que te van a salir mejor los grafitis, sino que el acabado va a ser mejor”, sostiene Polo. El costo de estas latas es de 40 bolivianos.
"Tenemos latas ‘drip’ que se parecen mucho a un extintor; su válvula permite que el aerosol salga con un grosor de 30 a 45 centímetros y se logre un efecto como de marcador que chorrea un poco el contenido”, explica Magariños.
Como la mencionada, hay algunas latas que tienen válvulas, o boquillas, para lograr efectos referidos al grosor y la distancia de aplicación. Cada una de estas latas cuesta 60 bolivianos.
En la tienda además se encuentra más de una decena de válvulas con las que se logran diferentes tipos de grosor, desde un centímetro hasta 20. Su costo varía entre 3,50 y cuatro bolivianos.
Para aquellos que están acostumbrados a las latas con la que se ha hecho grafiti los pasados 20 años en el país, la tienda ofrece alrededor de 60 colores de la marca china 7CF. La unidad cuesta 15 bolivianos. A ello se suman marcadores que se utilizan para hacer "caligrafiti”, fusión entre caligrafía y grafiti.
La tienda está legalmente establecida y da factura. Sobre los detractores del grafiti, ambos señalan que las personas que quieren hacerlo, lo harán aunque los aerosoles se prohíban, ya que es una expresión que no se puede detener y sucede en todo el mundo.
"Muchos de nosotros, aunque no parezca, somos profesionales, trabajamos, pagamos impuestos y mantenemos a nuestras familias”, puntualiza Polo.
Menos tóxicos
La marca 360 y Montana tienen estándares de calidad más altos. Una de las características más importantes es que reduce la emisión de ciertos tóxicos (acetona, thinner y tolueno) que dañan el medio ambiente y la salud de quienes se dedican al arte urbano. Todas sus latas son reciclables.
En el local también se venden poleras, canguros, gorras y accesorios con diseños relacionados al arte urbano y al grafiti, de marcas bolivianas y extranjeras.
jueves, 25 de febrero de 2016
Indígenas latinoamericanos en grafitis
Al ritmo de la música urbana, característica de esta forma de expresión artística como es el hip hop, 150 metros de muro perimetral son pintados por artistas entre ellos invitados especiales desde Chile y Perú además de reconocidos grafiteros de La Paz, Cochabamba y Oruro.
Los grafitis serán culminados hasta el viernes y la temática es la cultura paceña y temas referidos a indígenas latinoamericanos.
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