La Morenada, arreglo orquestal de Alvaro Montenegro sobre melodia popular anonima. Interpretada por la Orquesta Sinfonica Nacional de Bolivia como bis del Programa I Oberturas 1812-2012. Director invitado Ramiro Soriano Arce
viernes, 30 de marzo de 2012
Fitaz: Shakespeare se bolivianiza con “El Mercader de Venecia”
Una adaptación de “El Mercader”, obra clásica de William Shakespeare llega al Festival Internacional de Teatro (Fitaz) a cargo de la Escuela Nacional de Teatro de Santa Cruz y la Compañía Sourous y Théâtre de l’Epée de Bois, para presentarse hoy en su única función, en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez a las 20:00.
La obra dirigida por Antonio Díaz-Florián toma de Shakespeare, la “profundidad de los textos y la capacidad de retratar las pasiones humanas sin importar la raza o la idiosincrasia de los individuos”. Esta adaptación sugiere una propuesta intercultural “per sé” que introduce trajes de caporales como vínculo del vestuario de la época de la reina Isabel de Inglaterra.
Pero hay más en el menú del Fitaz de hoy: el público podrá deleitarse, las 18:45, con la obra “Bonitas”. Esta puesta de la Compañía La Oveja Negra está destinada a espectadores mayores de 13 años para abordar la búsqueda existecialista de un sentido, de una continuidad a esto que es ‘vivir’. Dirigida por Cristian Mercado es protagonizada por Soledad Ardaya y María Teresa Dal Pero.
En el Teatro de Cámara hoy y mañana a las 18:45 se pondrá “Divorciadas, evangélicas y vegetarianas”, de Gustavo Ott. La comedia, que es “un canto a la amistad entre mujeres, a la complicidad, a la esperanza, sazonado con un humor políticamente incorrecto, callejero, sarcástico” está dirigida por Miguelangel Estellano y protagonizada por Karol Fernández, Francia Oblitas y Carmen Guillén.
Finalmente, repite hoy a las 22.00 en el Salón de Honor del Teatro Municipal la obra para mayores "Usted, una cama y mis intenciones" de La Cueva.
La obra dirigida por Antonio Díaz-Florián toma de Shakespeare, la “profundidad de los textos y la capacidad de retratar las pasiones humanas sin importar la raza o la idiosincrasia de los individuos”. Esta adaptación sugiere una propuesta intercultural “per sé” que introduce trajes de caporales como vínculo del vestuario de la época de la reina Isabel de Inglaterra.
Pero hay más en el menú del Fitaz de hoy: el público podrá deleitarse, las 18:45, con la obra “Bonitas”. Esta puesta de la Compañía La Oveja Negra está destinada a espectadores mayores de 13 años para abordar la búsqueda existecialista de un sentido, de una continuidad a esto que es ‘vivir’. Dirigida por Cristian Mercado es protagonizada por Soledad Ardaya y María Teresa Dal Pero.
En el Teatro de Cámara hoy y mañana a las 18:45 se pondrá “Divorciadas, evangélicas y vegetarianas”, de Gustavo Ott. La comedia, que es “un canto a la amistad entre mujeres, a la complicidad, a la esperanza, sazonado con un humor políticamente incorrecto, callejero, sarcástico” está dirigida por Miguelangel Estellano y protagonizada por Karol Fernández, Francia Oblitas y Carmen Guillén.
Finalmente, repite hoy a las 22.00 en el Salón de Honor del Teatro Municipal la obra para mayores "Usted, una cama y mis intenciones" de La Cueva.
jueves, 29 de marzo de 2012
Compañía Salamandra muestra la obra teatral “La Hermandad”
El caos en tiempos difíciles… Una carta llegada de no sabemos dónde… La información que no tenía que filtrarse… ¿Qué sabemos de lo que pasa a nuestro alrededor? ¿Hasta dónde podemos decidir?, son las preguntas que se hace Andrea Ibáñez, autora y directora de la obra teatral La Hermandad que el público podrá apreciarla hoy en el Teatro Municipal de Cámara a partir de las 18:45 horas.
Al frente de la compañía Salamandra, Ibáñez ha conformado dos elencos altamente competitivos, uno en La Paz y otro en Santa Cruz. Ambos participarán en el Festival Internacional de Teatro con propuestas diferentes sobre un mismo texto, hecho que permitirá al público experimentar diferentes emociones y apreciar conceptos diversos.
“Me he preguntado muchas veces si estamos en una hipnosis colectiva o dormidos a una realidad diferente, parecería que el enfrentamiento, el odio y el enojo nos impiden encontrar maneras más creativas y sanas de crecer como personas, familia o sociedad. (…) He intentado tejer una obra que ponga al público como detective, donde en cada momento recibe información y está en él saber cuánto de lo dicho es verdad y cuanto no”, señala Ibáñez.
Al frente de la compañía Salamandra, Ibáñez ha conformado dos elencos altamente competitivos, uno en La Paz y otro en Santa Cruz. Ambos participarán en el Festival Internacional de Teatro con propuestas diferentes sobre un mismo texto, hecho que permitirá al público experimentar diferentes emociones y apreciar conceptos diversos.
“Me he preguntado muchas veces si estamos en una hipnosis colectiva o dormidos a una realidad diferente, parecería que el enfrentamiento, el odio y el enojo nos impiden encontrar maneras más creativas y sanas de crecer como personas, familia o sociedad. (…) He intentado tejer una obra que ponga al público como detective, donde en cada momento recibe información y está en él saber cuánto de lo dicho es verdad y cuanto no”, señala Ibáñez.
La Sinfónica se oye bien a la batuta de Ramiro Soriano
Bajo la batuta del director invitado Ramiro Soriano Arce, la Orquesta Sinfónica Nacional, lució su buen nivel interpretativo en el inicio de la temporada 2012.
Un repertorio muy bien seleccionado para la primera y segunda parte del concierto, consistente en ocho oberturas, fueron suficientes para ratificar el profesionalismo de todos los integrantes de la Sinfónica Nacional.
El aporte del maestro Soriano Arce, al guiar con un acertado movimiento de manos a todos los músicos en cada una de sus intervenciones, de acuerdo a cómo lo exigían las partituras, fue fundamental para la armonía de las interpretaciones, evitando así errores que muchas veces se oyen en los conciertos.
La presentación comenzó con la Obertura “Russian y Ludmila”, de Mikhaif Glinka, posteriormente el público que llenó las instalaciones del Centro Sinfónico, se deleitó con: “Las Hébridas”, “Guillermo Tell”, “El Murciélago”, “Festiva”, “Orfeo en los Infiernos”, “El Barbero de Sevilla”.
El concierto tuvo su momento culminante cuando la Sinfónica interpretó la “Obertura 1812” compuesta por Pioff Ilich Tchaikovsky, en la que una serie de explosiones de fuegos artificiales simularon los disparos de cañones, con los que el compositor quiso dar un homenaje a Rusia por su resistencia a Napoléon.
Al final el público ovacionó a los músicos y al maestro Soriano, por el excepcional concierto que duró casi dos horas y que se repetirá hoy desde las 20:00 en el Centro Sinfónico de la calle Ayacucho.
Un repertorio muy bien seleccionado para la primera y segunda parte del concierto, consistente en ocho oberturas, fueron suficientes para ratificar el profesionalismo de todos los integrantes de la Sinfónica Nacional.
El aporte del maestro Soriano Arce, al guiar con un acertado movimiento de manos a todos los músicos en cada una de sus intervenciones, de acuerdo a cómo lo exigían las partituras, fue fundamental para la armonía de las interpretaciones, evitando así errores que muchas veces se oyen en los conciertos.
La presentación comenzó con la Obertura “Russian y Ludmila”, de Mikhaif Glinka, posteriormente el público que llenó las instalaciones del Centro Sinfónico, se deleitó con: “Las Hébridas”, “Guillermo Tell”, “El Murciélago”, “Festiva”, “Orfeo en los Infiernos”, “El Barbero de Sevilla”.
El concierto tuvo su momento culminante cuando la Sinfónica interpretó la “Obertura 1812” compuesta por Pioff Ilich Tchaikovsky, en la que una serie de explosiones de fuegos artificiales simularon los disparos de cañones, con los que el compositor quiso dar un homenaje a Rusia por su resistencia a Napoléon.
Al final el público ovacionó a los músicos y al maestro Soriano, por el excepcional concierto que duró casi dos horas y que se repetirá hoy desde las 20:00 en el Centro Sinfónico de la calle Ayacucho.
Estupor y temblores, una propuesta multicultural
Las experiencias de una joven belga durante su trabajo en una corporación japonesa centran la trama de Estupor y temblores, un monólogo con el que Francia debutará hoy en el Festival Internacional de Teatro de La Paz.
La obra, que se presentará a las 20:00 en el Teatro Municipal, es dirigida e interpretada por Layla Metssitane, quien además escribió el texto a partir del best-seller homónimo de la belga Amélie Nothomb.
Se trata de recuerdos verídicos de Nothomb, que en 1990 trabajó para una firma japonesa. La novela obtuvo el Gran Premio de la Academia Francesa y el premio Internet, otorgado por primera vez por los lectores internautas, además encabezó durante meses la lista de libros más vendidos de Francia.
Según la sinopsis del FITAZ, Estupor y temblores narra “con humor ácido el mundo de la cultura corporativa japonesa, costumbres y forma de vida en Japón, a través de una visión humilde, divertida e inteligente de una joven belga de 22 años de edad, que debe luchar contra su doble desventaja, ser occidental y mujer”.
Sin embargo, en una entrevista a un medio internacional, Metssitane declaró que “no es un ataque ni un juicio de valor sobre las costumbres o de la manera de vivir de los japoneses”.
Al contrario -agregó la reconocida actriz-, es una visión humilde, graciosa e inteligente de una joven frente a un nuevo mundo. El mensaje podría ser: ‘miremos bien, escuchemos bien, antes de juzgar de manera apresurada’”.
La obra, que se presentará a las 20:00 en el Teatro Municipal, es dirigida e interpretada por Layla Metssitane, quien además escribió el texto a partir del best-seller homónimo de la belga Amélie Nothomb.
Se trata de recuerdos verídicos de Nothomb, que en 1990 trabajó para una firma japonesa. La novela obtuvo el Gran Premio de la Academia Francesa y el premio Internet, otorgado por primera vez por los lectores internautas, además encabezó durante meses la lista de libros más vendidos de Francia.
Según la sinopsis del FITAZ, Estupor y temblores narra “con humor ácido el mundo de la cultura corporativa japonesa, costumbres y forma de vida en Japón, a través de una visión humilde, divertida e inteligente de una joven belga de 22 años de edad, que debe luchar contra su doble desventaja, ser occidental y mujer”.
Sin embargo, en una entrevista a un medio internacional, Metssitane declaró que “no es un ataque ni un juicio de valor sobre las costumbres o de la manera de vivir de los japoneses”.
Al contrario -agregó la reconocida actriz-, es una visión humilde, graciosa e inteligente de una joven frente a un nuevo mundo. El mensaje podría ser: ‘miremos bien, escuchemos bien, antes de juzgar de manera apresurada’”.
El grupo Entre dos aguas se presenta en el Modesta Sanjinés Pass-Port, el drama del emigrante
Creada a partir de “la tragedia de la migración que vivimos en Bolivia” y de la experiencia propia de recorrer el país “una y otra vez con la actividad teatral”, la obra Pass-Port, puerto de paso cuestiona el concepto de frontera a través del lenguaje del clown.
La pieza, a cargo del elenco sucrense Entre dos aguas, se presentará hoy, a las 18:45, en el Teatro Modesta Sanjinés.
Se trata de una “reflexión con humor y sin dañar a nadie, sobre un tema tan importante”, según comenta la actriz polaca Danuta Zarzyka, quien protagoniza la obra junto a su hija Naomi Achirico, ambas integrantes del elenco independiente formado en 2004 junto a Lucas Achirico.
“La obra presenta una línea propia del grupo resultante de la fusión de la creación de imágenes que Lucas y yo aprendimos en el Teatro de los Andes, con las técnicas actorales de clown”, señala Zarzyka sobre la obra que desde 2010 ya se presentó en festivales de España y Ecuador.
“Durante mucho tiempo vivimos en Yotala y convivimos con mucha gente que emigró y que por lo general tuvo malas experiencias. Estas impresiones nos movieron a crear la obra en la que intentamos presentar con un humor irónico toda la tragedia que conlleva esta problemática”, agrega.
La pieza, a cargo del elenco sucrense Entre dos aguas, se presentará hoy, a las 18:45, en el Teatro Modesta Sanjinés.
Se trata de una “reflexión con humor y sin dañar a nadie, sobre un tema tan importante”, según comenta la actriz polaca Danuta Zarzyka, quien protagoniza la obra junto a su hija Naomi Achirico, ambas integrantes del elenco independiente formado en 2004 junto a Lucas Achirico.
“La obra presenta una línea propia del grupo resultante de la fusión de la creación de imágenes que Lucas y yo aprendimos en el Teatro de los Andes, con las técnicas actorales de clown”, señala Zarzyka sobre la obra que desde 2010 ya se presentó en festivales de España y Ecuador.
“Durante mucho tiempo vivimos en Yotala y convivimos con mucha gente que emigró y que por lo general tuvo malas experiencias. Estas impresiones nos movieron a crear la obra en la que intentamos presentar con un humor irónico toda la tragedia que conlleva esta problemática”, agrega.
Teatro de La Cueva propone una comedia en “tres planos”
La historia de un director y una actriz a través de su relación personal y la preparación de una obra de teatro. Éste es el argumento de Usted, una cama y mis intenciones, obra que el Teatro de la Cueva presentará esta noche, a las 22:00, en el Salón de Honor del Teatro Municipal.
“Es una obra de teatro dentro del teatro, se juega en tres planos: entre el director y la actriz, sus personajes y los actores reales que los interpretan... Es una especie de juego tridimensional”, afirma Denisse Arancibia, que retorna a las artes escénicas luego de una incursión de cuatro años en el cine.
Bajo dirección y producción de Arancibia, el elenco está compuesto por los reconocidos actores Enrique Gorena y Patricia García.
Según la directora, Usted, una cama y mis intenciones hace uso de múltiples recursos escénicos, como el video y el aprovechamiento conceptual de la escenografía, “que busca alejarse de lo convencional de modo artístico”.
“Es una obra muy cómica y muy bien pensada desde el texto al uso del audiovisual, que no ha sido una decisión estética sino que el texto lo demandaba”, afirma, y agrega que, sin embargo, “destaca sobre todo la interpretación de dos actores que son unos monstruos en escena”.
“Es una obra de teatro dentro del teatro, se juega en tres planos: entre el director y la actriz, sus personajes y los actores reales que los interpretan... Es una especie de juego tridimensional”, afirma Denisse Arancibia, que retorna a las artes escénicas luego de una incursión de cuatro años en el cine.
Bajo dirección y producción de Arancibia, el elenco está compuesto por los reconocidos actores Enrique Gorena y Patricia García.
Según la directora, Usted, una cama y mis intenciones hace uso de múltiples recursos escénicos, como el video y el aprovechamiento conceptual de la escenografía, “que busca alejarse de lo convencional de modo artístico”.
“Es una obra muy cómica y muy bien pensada desde el texto al uso del audiovisual, que no ha sido una decisión estética sino que el texto lo demandaba”, afirma, y agrega que, sin embargo, “destaca sobre todo la interpretación de dos actores que son unos monstruos en escena”.
FITAZ ‘En silencio’: escuchando lo esencial
El silencio está pasado de moda. Es algo raro. Antiguo, anticuado. Es difícil de encontrar. Es un artículo de lujo, caro, muy caro. Todo es ruido. Y voces, y gritos: vivimos en el reino del tumulto. Decía Miles Davis: “El silencio es el ruido más fuerte”. Pero es el ruido el que a todos nos molesta. El que nadie escucha. Confucio, con su sabiduría, remata: “El silencio es el único amigo que jamás traiciona”.
Es sintomático que uno de los grandes dramaturgos de la historia —Samuel Beckett— abandonara la palabra y se refugiara en el silencio en las últimas obras teatrales de su vida. Un guiño a su parquedad patológica. “La escritura me ha llevado al silencio”, dijo el dublinés en una entrevista.
Tres de esas piezas son las protagonistas de la puesta en escena de Comunidad Teatral Imákina. Actos sin palabras I, Actos sin palabras II e Ir y venir fueron presentadas el lunes y ayer en el marco del Fitaz 2012. Cuarenta minutos de un silencio escéptico (beckettiano), interrumpido por el ruido molestoso de un centenar de palabras en el último ‘dramatículo’.
Unos 100 aficionados al teatro en silencio, escuchando lo esencial. Catorce silbidos, un clown triste y solitario, cuatro empujones desde la nada, una palmera, cinco cuerdas y tres cajas. Una soga y unas tijeras. Dos manos. Es Actos sin palabras I. La obra del irlandés revolcada en el mundo del clown que esta vez llega para traernos no la risa, sino lo absurdo de lo humano, el fracaso de lo cotidiano, la derrota, la muerte de la esperanza.
¿El silencio cura? Dos clowns se visten y se desvisten. Se arropan en sacos polvorientos, se acurrucan y se acuestan. Comen, toman sus pastillas. Mientras uno duerme, el otro despierta. Es Acto sin palabras II.
Y tras media hora de silencios, donde los tres actores (Mario Aguirre, Luis Caballero y Luis García-Tornel) despliegan su trabajo corporal, sus técnicas y sus particulares modos de clowns mudos gritando desesperación, llega la tercera obra breve y sus palabras. En Ir y venir se cuentan 127 palabras. Tres mujeres con anillo charlan sobre el pasado en el patio, sentadas en un tronco. Frases entrecortadas, fragmentos, como siempre.
¿Cuándo se vieron la última vez Flo, Vi y Ru? No importa. Parece que están iguales, como siempre. Se toman de la mano y sueñan con el amor. Se cuentan chismes al oído. Pero luego callan. “El silencio es la peor mentira”, dijo otra vez el bilbaíno Unamuno. Y así, deciden no hablar del pasado y de lo que después pasó. Callar para no recordar, para no traicionar, para no perder, para no quedarse solas. “Callar es mentir”, añade Espinal. Y tomarse de la mano para sentirse vivas. Y con anillos. ¿Se puede decir tanto con tan pocas palabras? El silencio traiciona, grita y duele.
Es sintomático que uno de los grandes dramaturgos de la historia —Samuel Beckett— abandonara la palabra y se refugiara en el silencio en las últimas obras teatrales de su vida. Un guiño a su parquedad patológica. “La escritura me ha llevado al silencio”, dijo el dublinés en una entrevista.
Tres de esas piezas son las protagonistas de la puesta en escena de Comunidad Teatral Imákina. Actos sin palabras I, Actos sin palabras II e Ir y venir fueron presentadas el lunes y ayer en el marco del Fitaz 2012. Cuarenta minutos de un silencio escéptico (beckettiano), interrumpido por el ruido molestoso de un centenar de palabras en el último ‘dramatículo’.
Unos 100 aficionados al teatro en silencio, escuchando lo esencial. Catorce silbidos, un clown triste y solitario, cuatro empujones desde la nada, una palmera, cinco cuerdas y tres cajas. Una soga y unas tijeras. Dos manos. Es Actos sin palabras I. La obra del irlandés revolcada en el mundo del clown que esta vez llega para traernos no la risa, sino lo absurdo de lo humano, el fracaso de lo cotidiano, la derrota, la muerte de la esperanza.
¿El silencio cura? Dos clowns se visten y se desvisten. Se arropan en sacos polvorientos, se acurrucan y se acuestan. Comen, toman sus pastillas. Mientras uno duerme, el otro despierta. Es Acto sin palabras II.
Y tras media hora de silencios, donde los tres actores (Mario Aguirre, Luis Caballero y Luis García-Tornel) despliegan su trabajo corporal, sus técnicas y sus particulares modos de clowns mudos gritando desesperación, llega la tercera obra breve y sus palabras. En Ir y venir se cuentan 127 palabras. Tres mujeres con anillo charlan sobre el pasado en el patio, sentadas en un tronco. Frases entrecortadas, fragmentos, como siempre.
¿Cuándo se vieron la última vez Flo, Vi y Ru? No importa. Parece que están iguales, como siempre. Se toman de la mano y sueñan con el amor. Se cuentan chismes al oído. Pero luego callan. “El silencio es la peor mentira”, dijo otra vez el bilbaíno Unamuno. Y así, deciden no hablar del pasado y de lo que después pasó. Callar para no recordar, para no traicionar, para no perder, para no quedarse solas. “Callar es mentir”, añade Espinal. Y tomarse de la mano para sentirse vivas. Y con anillos. ¿Se puede decir tanto con tan pocas palabras? El silencio traiciona, grita y duele.
Hamlet de los Andes’: Padre, patria y mentiras
Teatro de los Andes sigue siendo el plato fuerte del Fitaz. Y esta vez con el morbo de la etapa post César Brie de yapa. Hamlet de los Andes es una versión libre del clásico de Shakespeare con altos y bajos; siempre atrapando conciencias.
1. Padre: no es gratuito elegir una obra como Hamlet en este momento. La presencia-ausencia de Brie en el texto y su adaptación es notoria. Sin embargo, matando al progenitor, se afianza su presencia, pues la continuidad en cuanto a lenguaje-estética-identidad y poesía no se pone jamás en duda. Hamlet de los Andes, en este sentido, una obra de transición en la carrera del grupo de Yotala. La identidad mostrada con esas imágenes poderosas, esos elementos claves en la escenografía y ese “tempo” son sin duda de todos, de un trabajo colectivo.
2. Patria-poder: el segundo acierto es la propuesta de reflexión sobre Bolivia. Contra la vieja política: emparentando el padre y sus anticuados modos con el viejo régimen. Dudando siempre del cambio y el presente: “desencajado tiempo de cambios en un país donde algo huele mal”; “la locura de los poderosos debe mantenerse en vigilancia”; “marchas y marchas, pero todos estamos en paz”. Y esa canción punk-rockera con poderoso bajo (grande Lucas Achirico, David Arze y su música) gritando mentiras, todo es mentira. Incluso esa mentira es mentira. El Teatro de los Andes expone un retrato amargo de la realidad colocando las tildes en esos tiempos y eras sobrepuestos, abigarrados.
3. Teatro: cuando Hamlet de los Andes abandona su tono “hamletiano” y se pone a reflexionar sobre el oficio teatral, se pierde. Cuando se deja de lado el tono “shakespeariano” y se acelera-ralentiza con un tono monocorde, se pierde. Toda su fuerza visual y textual se apaga. La platea ríe los chistes sobre el teatro contemporáneo y “moderno”. Está bien. Y también se la pasa bien con la “Atraparatones” y la Luciana luchando como cholitas cachascanistas. Está mejor. La poesía se deja de un lado para cruzar sin ton ni son, de la noche a la mañana, a la parodia patética. Eso sí es una “copa envenenada”. Teatro dentro del teatro con no se sabe qué intenciones.
4. Puertas y mesas: si algo convence y permanece del sello Teatro de los Andes es su poderoso trabajo escenográfico, donde nada sobra, donde todo tiene un sentido y un lugar. Maestro Gonzalo Callejas. El hallazgo de la mesa es sensacional. Mesa de chupa, puerta-umbral donde todos entran y salen, féretro y saco de aparapita. Y las telas locas al viento. Brillante, como las actuaciones gigantes del trío (Callejas, Alice Guimaraes y Lucas Achirico). Una parte de mí ama con pasión y alegría esta versión de “Hamlet” del Teatro de los Andes, otra la odia por revanchista y dispersa. El resto es silencio.
Ricardo Bajo es periodista.
1. Padre: no es gratuito elegir una obra como Hamlet en este momento. La presencia-ausencia de Brie en el texto y su adaptación es notoria. Sin embargo, matando al progenitor, se afianza su presencia, pues la continuidad en cuanto a lenguaje-estética-identidad y poesía no se pone jamás en duda. Hamlet de los Andes, en este sentido, una obra de transición en la carrera del grupo de Yotala. La identidad mostrada con esas imágenes poderosas, esos elementos claves en la escenografía y ese “tempo” son sin duda de todos, de un trabajo colectivo.
2. Patria-poder: el segundo acierto es la propuesta de reflexión sobre Bolivia. Contra la vieja política: emparentando el padre y sus anticuados modos con el viejo régimen. Dudando siempre del cambio y el presente: “desencajado tiempo de cambios en un país donde algo huele mal”; “la locura de los poderosos debe mantenerse en vigilancia”; “marchas y marchas, pero todos estamos en paz”. Y esa canción punk-rockera con poderoso bajo (grande Lucas Achirico, David Arze y su música) gritando mentiras, todo es mentira. Incluso esa mentira es mentira. El Teatro de los Andes expone un retrato amargo de la realidad colocando las tildes en esos tiempos y eras sobrepuestos, abigarrados.
3. Teatro: cuando Hamlet de los Andes abandona su tono “hamletiano” y se pone a reflexionar sobre el oficio teatral, se pierde. Cuando se deja de lado el tono “shakespeariano” y se acelera-ralentiza con un tono monocorde, se pierde. Toda su fuerza visual y textual se apaga. La platea ríe los chistes sobre el teatro contemporáneo y “moderno”. Está bien. Y también se la pasa bien con la “Atraparatones” y la Luciana luchando como cholitas cachascanistas. Está mejor. La poesía se deja de un lado para cruzar sin ton ni son, de la noche a la mañana, a la parodia patética. Eso sí es una “copa envenenada”. Teatro dentro del teatro con no se sabe qué intenciones.
4. Puertas y mesas: si algo convence y permanece del sello Teatro de los Andes es su poderoso trabajo escenográfico, donde nada sobra, donde todo tiene un sentido y un lugar. Maestro Gonzalo Callejas. El hallazgo de la mesa es sensacional. Mesa de chupa, puerta-umbral donde todos entran y salen, féretro y saco de aparapita. Y las telas locas al viento. Brillante, como las actuaciones gigantes del trío (Callejas, Alice Guimaraes y Lucas Achirico). Una parte de mí ama con pasión y alegría esta versión de “Hamlet” del Teatro de los Andes, otra la odia por revanchista y dispersa. El resto es silencio.
Ricardo Bajo es periodista.
En el marco del Fitaz, mía y la actriz Patricia García ofrecen un tributo al teatro con siete escenas recreadas de obras que quizá alguna vez viste...
Cambia de piel en cada escena. Patricia García es una de las actrices más importantes y versátiles de nuestro país en la actualidad y por ello, en un homenaje por el Día del Teatro —que se celebró el 26 de marzo— mía decidió invitarla para una serie de sesiones de fotos en que proponemos siete escenas que quizá nunca se hayan llevado al teatro o que, por el contrario, hayamos visto infinidad de veces en diferentes obras o películas.
Presentamos así a estos personajes femeninos que se enfrentan ante diferente tipo de situaciones, siendo ellas el principal referente. Es también un guiño al trabajo de la artista visual estadounidense Cindy Sherman (New Jersey, 1954), quien planteó un ejercicio similar tomando imágenes de sí misma desde fines de la década de 1970 y que sigue reinventándose en la actualidad.
La actriz, educadora y directora Patricia García nació en La Paz. Trabaja y se formó en artes escénicas desde 1995 con Ignacio Márquez (Venezuela); Sergio Mercurio, Darío Levin y Gabriela Branda (Argentina); Vivian Costa (Cuba); Marcos Malavia, Norma Quintana y César Brie (Bolivia); Gisella Noriega (México); Claudia Stavisky, Fabrice Ramalingom, Alain Gautre y Gael Quivrin (de Francia); Félix Ruckert (Alemania) y Alejandro González (Colombia).
Trabajó con David Mondacca, Norma Quintana, Gastón Arce Sejas, Escena 163, Teatro de los Andes, Kikinteatro, Zig Zag Teatro, Percy Jiménez, Diego Mattos y artistas extranjeros como El Errante (Argentina) o Diphtong Cie. (Francia).
Está presente en esta versión de Fitaz en tres obras: Mátame, por favor, El séptimo Sentido y Usted, una cama y mis intenciones.
La magia de la música
El entorno de un musical, pero en las calles paceñas. Así, el colorido del vestuario hace contraste con los cables enmarañados y las paredes de ladrillo visto. ¿Cómo es un musical a la boliviana? Quizá con otros ritmos y otros sonidos, donde el talento de Patricia, que también ha fungido de cantante, muestra su esplendor.
La novia
En medio del bosque y vestida de blanco, debe huir. No sabemos de quién o de qué... puede ser el fin del mundo de Lars Von Trier (Melancolía, 2011) o una novia dada por muerta (Kill Bill, 2003).
Comedia
En un entorno muy colorido, esta chica Almodóvar nunca antes vista descubre interesantísimos datos en una tarde de lectura, mientras disfruta de un vaso helado de gazpacho.
Crimen
Mientras el asesino baja las gradas armado con un cuchillo, ella se esconde en la cocina luego de llegar del mercado. Esta mujer está decidida a provocar su propia viudez.
El escape
Los vientos de guerra y el desastre se perciben en el ambiente de fin de siglo. Ella debe salvar a su único hijo de la desgracia. Sólo le queda correr y correr sin ser descubierta.
Nostalgia
Ahora, Patricia se pone en la piel de una mujer en espera de aquel amor que no regresará jamás. Esta escena asiática es un tributo al estilo evocador del director Wong Kar Wai.
Presentamos así a estos personajes femeninos que se enfrentan ante diferente tipo de situaciones, siendo ellas el principal referente. Es también un guiño al trabajo de la artista visual estadounidense Cindy Sherman (New Jersey, 1954), quien planteó un ejercicio similar tomando imágenes de sí misma desde fines de la década de 1970 y que sigue reinventándose en la actualidad.
La actriz, educadora y directora Patricia García nació en La Paz. Trabaja y se formó en artes escénicas desde 1995 con Ignacio Márquez (Venezuela); Sergio Mercurio, Darío Levin y Gabriela Branda (Argentina); Vivian Costa (Cuba); Marcos Malavia, Norma Quintana y César Brie (Bolivia); Gisella Noriega (México); Claudia Stavisky, Fabrice Ramalingom, Alain Gautre y Gael Quivrin (de Francia); Félix Ruckert (Alemania) y Alejandro González (Colombia).
Trabajó con David Mondacca, Norma Quintana, Gastón Arce Sejas, Escena 163, Teatro de los Andes, Kikinteatro, Zig Zag Teatro, Percy Jiménez, Diego Mattos y artistas extranjeros como El Errante (Argentina) o Diphtong Cie. (Francia).
Está presente en esta versión de Fitaz en tres obras: Mátame, por favor, El séptimo Sentido y Usted, una cama y mis intenciones.
La magia de la música
El entorno de un musical, pero en las calles paceñas. Así, el colorido del vestuario hace contraste con los cables enmarañados y las paredes de ladrillo visto. ¿Cómo es un musical a la boliviana? Quizá con otros ritmos y otros sonidos, donde el talento de Patricia, que también ha fungido de cantante, muestra su esplendor.
La novia
En medio del bosque y vestida de blanco, debe huir. No sabemos de quién o de qué... puede ser el fin del mundo de Lars Von Trier (Melancolía, 2011) o una novia dada por muerta (Kill Bill, 2003).
Comedia
En un entorno muy colorido, esta chica Almodóvar nunca antes vista descubre interesantísimos datos en una tarde de lectura, mientras disfruta de un vaso helado de gazpacho.
Crimen
Mientras el asesino baja las gradas armado con un cuchillo, ella se esconde en la cocina luego de llegar del mercado. Esta mujer está decidida a provocar su propia viudez.
El escape
Los vientos de guerra y el desastre se perciben en el ambiente de fin de siglo. Ella debe salvar a su único hijo de la desgracia. Sólo le queda correr y correr sin ser descubierta.
Nostalgia
Ahora, Patricia se pone en la piel de una mujer en espera de aquel amor que no regresará jamás. Esta escena asiática es un tributo al estilo evocador del director Wong Kar Wai.
La Merced: Las pinturas de Holguín están dañadas
Se requiere de un proyecto que preserve
y restaure las obras
Sucre/CORREO DEL SUR
Dieciséis cuadros del reconocido pintor barroco de la época colonial, Melchor Pérez de Holguín, con un valor incalculable, que forman parte del patrimonio del templo de La Merced, sufren graves deterioros por la humedad y las termitas. Advirtieron de lo irreversible de los daños si es que no se inicia un proyecto de preservación y posterior restauración.
El templo de la Señora de La Merced construido entre fines del siglo XVI y principios XVII, cuenta entre su colección de arte sacro, con dieciséis pinturas de Holguín ubicadas en el crucero del templo.
El hermano Bernardo Gantier, como miembro de la Comisión Arquidiocesana de Arte Sacro, manifestó su preocupación por el grave estado de las obras de arte, pues la constante humedad afectó a los lienzos y las termitas socavaron gran parte de la maderería debajo de la cobertura de pan de oro.
“En Bolivia, son los únicos holguines que están en su sitio original desde que Holguín los pintó en 1710 (…) son los cuadros de su mejor época y representan escenas de San Pedro Nolasco, el fundador de la orden de La Merced”, comentó.
Gantier indicó que ahora la prioridad es hacer un diagnóstico de los cuadros para determinar su estado. Esta tarea implicaría un presupuesto de al menos Bs 12.000; luego, en base a los resultados se tendría que elaborar el proyecto de restauración de las obras.
Según relató, ya se intentó bajar los cuadros para llevarlos a otro espacio con mejores condiciones, como la sala Capitular de la Catedral; sin embargo, las “enfermedades” que padecen como las termitas, podrían “contagiar” a otros “sanos”. Por otro lado, el Ministerio de Culturas, luego de haber hecho una inspección, se opuso a realizar cualquier movimiento.
“Este deterioro avanza día a día y la institución llamada a precautelar el patrimonio es el Ministerio de Culturas, pero no hace nada porque no tiene presupuesto o no le interesa”, remarcó.
COMPROMISO
DEL PRAHS
Por su parte, el coordinador de la Unidad Mixta de Patrimonio – PRAHS, Erland Ovando, explicó que en Sucre actualmente hay siete edificios religiosos, monumentos nacionales, que están siendo rehabilitados en base a un plan de manejo, entre ellos La Merced.
“En La Merced se ha definido que la prioridad es la intervención en las cubiertas, tanto de la nave principal como de la Sacristía (…) se están iniciando las obras en base al proyecto que ha sido elaborado por el PRAHS en coordinación con la Escuela Taller y con el conocimiento del Ministerio de Culturas”, explicó; sin embargo, reconoció que existen problemas con las obras de arte.
En este sentido, explicó que se deben definir los mecanismos para la atención del problema con la participación del Ministerio de Culturas y el Arzobispado de Sucre.
No obstante, aseguró que existe la predisposición para elaborar y ejecutar el proyecto para asegurar la preservación de los holguines; para este efecto, se podrían asignar recursos del presupuesto destinado a la conservación y mantenimiento de los templos, que este año alcanza aproximadamente a Bs 500 mil.
“Lo que pasa es que hemos priorizado la conservación del edificio, pero a través de un proceso que, seguro va a ser aceptado por la Cooperación Española y el Gobierno Municipal, vamos a asignar un monto necesario como para enfrentar las obras de conservación de estos lienzos”, aseguró.
y restaure las obras
Sucre/CORREO DEL SUR
Dieciséis cuadros del reconocido pintor barroco de la época colonial, Melchor Pérez de Holguín, con un valor incalculable, que forman parte del patrimonio del templo de La Merced, sufren graves deterioros por la humedad y las termitas. Advirtieron de lo irreversible de los daños si es que no se inicia un proyecto de preservación y posterior restauración.
El templo de la Señora de La Merced construido entre fines del siglo XVI y principios XVII, cuenta entre su colección de arte sacro, con dieciséis pinturas de Holguín ubicadas en el crucero del templo.
El hermano Bernardo Gantier, como miembro de la Comisión Arquidiocesana de Arte Sacro, manifestó su preocupación por el grave estado de las obras de arte, pues la constante humedad afectó a los lienzos y las termitas socavaron gran parte de la maderería debajo de la cobertura de pan de oro.
“En Bolivia, son los únicos holguines que están en su sitio original desde que Holguín los pintó en 1710 (…) son los cuadros de su mejor época y representan escenas de San Pedro Nolasco, el fundador de la orden de La Merced”, comentó.
Gantier indicó que ahora la prioridad es hacer un diagnóstico de los cuadros para determinar su estado. Esta tarea implicaría un presupuesto de al menos Bs 12.000; luego, en base a los resultados se tendría que elaborar el proyecto de restauración de las obras.
Según relató, ya se intentó bajar los cuadros para llevarlos a otro espacio con mejores condiciones, como la sala Capitular de la Catedral; sin embargo, las “enfermedades” que padecen como las termitas, podrían “contagiar” a otros “sanos”. Por otro lado, el Ministerio de Culturas, luego de haber hecho una inspección, se opuso a realizar cualquier movimiento.
“Este deterioro avanza día a día y la institución llamada a precautelar el patrimonio es el Ministerio de Culturas, pero no hace nada porque no tiene presupuesto o no le interesa”, remarcó.
COMPROMISO
DEL PRAHS
Por su parte, el coordinador de la Unidad Mixta de Patrimonio – PRAHS, Erland Ovando, explicó que en Sucre actualmente hay siete edificios religiosos, monumentos nacionales, que están siendo rehabilitados en base a un plan de manejo, entre ellos La Merced.
“En La Merced se ha definido que la prioridad es la intervención en las cubiertas, tanto de la nave principal como de la Sacristía (…) se están iniciando las obras en base al proyecto que ha sido elaborado por el PRAHS en coordinación con la Escuela Taller y con el conocimiento del Ministerio de Culturas”, explicó; sin embargo, reconoció que existen problemas con las obras de arte.
En este sentido, explicó que se deben definir los mecanismos para la atención del problema con la participación del Ministerio de Culturas y el Arzobispado de Sucre.
No obstante, aseguró que existe la predisposición para elaborar y ejecutar el proyecto para asegurar la preservación de los holguines; para este efecto, se podrían asignar recursos del presupuesto destinado a la conservación y mantenimiento de los templos, que este año alcanza aproximadamente a Bs 500 mil.
“Lo que pasa es que hemos priorizado la conservación del edificio, pero a través de un proceso que, seguro va a ser aceptado por la Cooperación Española y el Gobierno Municipal, vamos a asignar un monto necesario como para enfrentar las obras de conservación de estos lienzos”, aseguró.
Fitaz: llega Francia con "estupor y temblor"
Estupor y tembloresde la compañía francesa Théatre des Hommes, es una adaptación del libro homónimo realizada e interpretada por la actriz y directora Layla Metssitane que llega al FITAZ en representación. La puesta única, con subtítulos, será el jueves 29 a las 20:00 en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.
Se trata de una autobiografía que refleja las experiencias de la autora al interior de Yumimoto, una de las mayores empresas japonesas. El monólogo narra con humor ácido las costumbres, tradiciones y formas de vida de la cultura nipona y sus corporaciones donde el dinero tiene un alto valor.
La mirada se da a través de una joven que tiene en contra el ser occidental y ser mujer. “este personaje debe luchar para integrarse a una empresa fuertemente jerarquizada que la hace sufrir una progresiva y humillante degradación laboral, además de situaciones insólitas”, señala la actriz.
Con la autobiografía, la autora belga Amélie Nothomb, alcanzó rotundo éxito por la visión inteligente, irónica y humorística con la que plantea la diferencia de culturas. La obra fue trabajada con la finalidad de que el público entienda las diferencias existen y no deben ser pasadas por alto.
Layla Metssitane es de origen marroquí, su trabajo no se limita a las artes escénicas, sino que posee una importante producción en cine y televisión.
Además, el Fitaz propone hoy tres obras nacionales: "La hermanda" de Salamandra (Teatro de Cámara, 18.45), "Pass-port" de Entre dos aguas (Casa de la Cultura, 18.45) y "Usted, una cama y mis intenciones" de La Cueva (Salón de Honor del Municipal, 22.00).
Se trata de una autobiografía que refleja las experiencias de la autora al interior de Yumimoto, una de las mayores empresas japonesas. El monólogo narra con humor ácido las costumbres, tradiciones y formas de vida de la cultura nipona y sus corporaciones donde el dinero tiene un alto valor.
La mirada se da a través de una joven que tiene en contra el ser occidental y ser mujer. “este personaje debe luchar para integrarse a una empresa fuertemente jerarquizada que la hace sufrir una progresiva y humillante degradación laboral, además de situaciones insólitas”, señala la actriz.
Con la autobiografía, la autora belga Amélie Nothomb, alcanzó rotundo éxito por la visión inteligente, irónica y humorística con la que plantea la diferencia de culturas. La obra fue trabajada con la finalidad de que el público entienda las diferencias existen y no deben ser pasadas por alto.
Layla Metssitane es de origen marroquí, su trabajo no se limita a las artes escénicas, sino que posee una importante producción en cine y televisión.
Además, el Fitaz propone hoy tres obras nacionales: "La hermanda" de Salamandra (Teatro de Cámara, 18.45), "Pass-port" de Entre dos aguas (Casa de la Cultura, 18.45) y "Usted, una cama y mis intenciones" de La Cueva (Salón de Honor del Municipal, 22.00).
En el salón del museo "Simón Iturri Patiño" Exposición de grupos de arte concluye con resultados exitosos
"Patunka Octubre", "Ayawaska" y el anfitrión "Arte O", hoy culminan de forma exitosa la Exposición Nacional de Grupos de Arte, con interesantes propuestas eclécticas en cuanto a conceptos y técnicas se refiere, actividad que se desarrolló en el salón de exposición temporales del museo "Simón Iturri Patiño".
La muestra itinerante comenzó el 20 de marzo y concluye hoy con resultados positivos, pues al margen de haber contado con críticas favorables, se logró vender una serie de producciones pictóricas de artistas que provienen de La Paz y Cochabamba, además de la Unión de Artistas Plásticos "Arte O", que en esta oportunidad funge como anfitrión, debido a su tercer aniversario, celebrado el 24 de este mes.
Verónica Guzmán, integrante de "Arte O", manifestó que la labor y los sentimientos de estos pintores, dibujantes y escultores, plasmados en sus lienzos y sus esculturas, fueron valorados por el reconocido artista Alberto Medina, hecho corroborado por la afluencia de público amante del arte.
"Nos place la presencia de estudiantes, ciudadanos de a pie y estudiosos del arte, hemos recibido muy buenos comentarios, por eso algunos de los cuadros tienen la opción de venta, como se puede apreciar son técnicas innovadoras, dibujo, pastel acrílico, altos relieves, óleo y mixtas sobre todo, técnica que está siendo muy utilizada últimamente, además de la escultura en piedra", dio cuenta, Guzmán, a tiempo de invitar a la ciudadanía orureña a poder participar de esta última jornada de exposición.
OTRAS ACTIVIDADES
Por otro lado, Verónica Guzmán informó sobre el viaje a Holanda que emprenderá la semana que viene el coordinador de "Arte O", Wilson Zambrana, con la finalidad de participar en una exposición artística internacional, que al margen de los Países Bajos, integra a las diversas culturas del planeta, que reflejan sus contextos mediante obras pictóricas y escultóricas. El objetivo principal es poner en alto el nombre de Oruro y por ende de Bolivia.
La muestra itinerante comenzó el 20 de marzo y concluye hoy con resultados positivos, pues al margen de haber contado con críticas favorables, se logró vender una serie de producciones pictóricas de artistas que provienen de La Paz y Cochabamba, además de la Unión de Artistas Plásticos "Arte O", que en esta oportunidad funge como anfitrión, debido a su tercer aniversario, celebrado el 24 de este mes.
Verónica Guzmán, integrante de "Arte O", manifestó que la labor y los sentimientos de estos pintores, dibujantes y escultores, plasmados en sus lienzos y sus esculturas, fueron valorados por el reconocido artista Alberto Medina, hecho corroborado por la afluencia de público amante del arte.
"Nos place la presencia de estudiantes, ciudadanos de a pie y estudiosos del arte, hemos recibido muy buenos comentarios, por eso algunos de los cuadros tienen la opción de venta, como se puede apreciar son técnicas innovadoras, dibujo, pastel acrílico, altos relieves, óleo y mixtas sobre todo, técnica que está siendo muy utilizada últimamente, además de la escultura en piedra", dio cuenta, Guzmán, a tiempo de invitar a la ciudadanía orureña a poder participar de esta última jornada de exposición.
OTRAS ACTIVIDADES
Por otro lado, Verónica Guzmán informó sobre el viaje a Holanda que emprenderá la semana que viene el coordinador de "Arte O", Wilson Zambrana, con la finalidad de participar en una exposición artística internacional, que al margen de los Países Bajos, integra a las diversas culturas del planeta, que reflejan sus contextos mediante obras pictóricas y escultóricas. El objetivo principal es poner en alto el nombre de Oruro y por ende de Bolivia.
Con 11 cañonazos empezamos en 2012
Las actividades culturales de la Orquesta Sinfónica Nacional comenzaron ayer con un esperado concierto.
ENTREVISTA
JUAN ORTEGA LANDA
Presidente de la Fundación de la Orquesta Sinfónica Nacional
La Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) empezó ayer un ciclo importante de desarrollo institucional y excelencia artística.
El objetivo es marcar un nuevo hito en la cultura nacional, afirmó el presidente de la Fundación de la Orquesta Sinfónica Nacional, Juan Ortega Landa. La Obertura 1812-2012, con un abarrotado Centro Sinfónico Nacional, abrió el programa de este año.
—¿Cómo califica el comienzo de la nueva temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional?
—Comenzamos con algo muy selecto, porque la Obertura 1812-2012 es un conjunto de oberturas muy especial.
La velada musical, a cargo del prestigioso maestro Ramiro Soriano, contó con un despliegue musical y la presencia de los cadetes del Colegio Militar del Ejército, quienes resguardaron dos cañones y dispararon once cañonazos, con efectos especiales, en honor a la Obertura 1812 de Tchaikovsky, una de las obras más conmovedoras por su fuerza y simbolismo.
—La OSN empieza un nuevo ciclo, ¿cuáles son sus objetivos principales?
—Preservar la mística de la orquesta será de vital importancia. Estamos confiados en que 2012 marcará un nuevo hito en la cultura nacional, porque tenemos un programa inolvidable y estamos seguros que contará no sólo con la aceptación, sino también con el aplauso de los amantes de la música universal.
—¿Qué dejó el maestro David Händel a la cultura de Bolivia?
—Bajo la dirección del maestro David Händel, la orquesta alcanzó un elevado nivel artístico. Hoy contamos con un Centro Sinfónico Nacional, escenario con una acústica inmejorable. Estamos muy orgullosos de la trayectoria, desarrollo profesional y desempeño de nuestros músicos, quienes lograron posesionar a nuestra orquesta en el imaginario colectivo para hacer realidad un proyecto de gran trascendencia.
—¿Cuándo se elegirá al sucesor de Händel en la OSN?
—David Händel, como saben todos, nos acompañó por más de 14 años, generó básicamente un ciclo muy importante en el cual se vio una transformación cuantitativa y cualitativa de la orquesta. David Händel presentó el año pasado su renuncia, básicamente inspirado en el desarrollo de su carrera profesional para ir a dirigir a otros lugares, situación que nos enorgullece.
Ahora cerramos ese ciclo y abrimos uno nuevo. Este nuevo ciclo comienza fundamentalmente como para el hombre la firma, con la presentación de nuestro nuevo logotipo, posteriormente generaremos una nueva elección de transición para tener al nuevo director, que se realizará a través de una convocatoria internacional, donde tanto los nacionales y extranjeros tienen el mismo nivel de oportunidad de ocupar este cargo, que dejó David Händel.
La convocatoria está lista y estamos coordinando con el Ministerio de Culturas. Tenemos todo el apoyo de Pablo Groux.
—¿El Coro Sinfónico también tiene su desafío?
—En 2012, la Orquesta Sinfónica Nacional dio la bienvenida al maestro Julio Barragán, como director del Coro Sinfónico, y comenzó así una etapa de profesionalismo y calidad vocal sin precedentes en Bolivia.
El coro, que está integrado por cantantes profesionales, participará en dos programas independientes que son el abono Barroco de Sucre y la cantata Canto para Una Semilla, con décimas de Violeta Parra.
ENTREVISTA
JUAN ORTEGA LANDA
Presidente de la Fundación de la Orquesta Sinfónica Nacional
La Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) empezó ayer un ciclo importante de desarrollo institucional y excelencia artística.
El objetivo es marcar un nuevo hito en la cultura nacional, afirmó el presidente de la Fundación de la Orquesta Sinfónica Nacional, Juan Ortega Landa. La Obertura 1812-2012, con un abarrotado Centro Sinfónico Nacional, abrió el programa de este año.
—¿Cómo califica el comienzo de la nueva temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional?
—Comenzamos con algo muy selecto, porque la Obertura 1812-2012 es un conjunto de oberturas muy especial.
La velada musical, a cargo del prestigioso maestro Ramiro Soriano, contó con un despliegue musical y la presencia de los cadetes del Colegio Militar del Ejército, quienes resguardaron dos cañones y dispararon once cañonazos, con efectos especiales, en honor a la Obertura 1812 de Tchaikovsky, una de las obras más conmovedoras por su fuerza y simbolismo.
—La OSN empieza un nuevo ciclo, ¿cuáles son sus objetivos principales?
—Preservar la mística de la orquesta será de vital importancia. Estamos confiados en que 2012 marcará un nuevo hito en la cultura nacional, porque tenemos un programa inolvidable y estamos seguros que contará no sólo con la aceptación, sino también con el aplauso de los amantes de la música universal.
—¿Qué dejó el maestro David Händel a la cultura de Bolivia?
—Bajo la dirección del maestro David Händel, la orquesta alcanzó un elevado nivel artístico. Hoy contamos con un Centro Sinfónico Nacional, escenario con una acústica inmejorable. Estamos muy orgullosos de la trayectoria, desarrollo profesional y desempeño de nuestros músicos, quienes lograron posesionar a nuestra orquesta en el imaginario colectivo para hacer realidad un proyecto de gran trascendencia.
—¿Cuándo se elegirá al sucesor de Händel en la OSN?
—David Händel, como saben todos, nos acompañó por más de 14 años, generó básicamente un ciclo muy importante en el cual se vio una transformación cuantitativa y cualitativa de la orquesta. David Händel presentó el año pasado su renuncia, básicamente inspirado en el desarrollo de su carrera profesional para ir a dirigir a otros lugares, situación que nos enorgullece.
Ahora cerramos ese ciclo y abrimos uno nuevo. Este nuevo ciclo comienza fundamentalmente como para el hombre la firma, con la presentación de nuestro nuevo logotipo, posteriormente generaremos una nueva elección de transición para tener al nuevo director, que se realizará a través de una convocatoria internacional, donde tanto los nacionales y extranjeros tienen el mismo nivel de oportunidad de ocupar este cargo, que dejó David Händel.
La convocatoria está lista y estamos coordinando con el Ministerio de Culturas. Tenemos todo el apoyo de Pablo Groux.
—¿El Coro Sinfónico también tiene su desafío?
—En 2012, la Orquesta Sinfónica Nacional dio la bienvenida al maestro Julio Barragán, como director del Coro Sinfónico, y comenzó así una etapa de profesionalismo y calidad vocal sin precedentes en Bolivia.
El coro, que está integrado por cantantes profesionales, participará en dos programas independientes que son el abono Barroco de Sucre y la cantata Canto para Una Semilla, con décimas de Violeta Parra.
miércoles, 28 de marzo de 2012
Una mirada al teatro en Tarija y Bolivia
“Caen, dices, devotos labios de nácar descreído y hace mucho que la lluvia sembró algunos silencios escandalosamente invisibles. Pero hemos estado siempre en este instante donde todos los pájaros ensayan una fuga, inventando un cuadro eternamente en el espejo turbio de la escena”, declama la actriz emocionada mientras se cierra el telón y los aplausos no se hacen esperar. Ayer, martes 27 de marzo se celebró el Día Mundial del Teatro que fue creado en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI).
“El teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración con la habilidad de unificar las muchas diversas culturas y gentes que existen en el mundo. Pero el teatro es más que eso, tiene la habilidad de hacernos sonreír pero también tendría que hacernos pensar y reflexionar”, dice Alfredo Rivera director de la Compañía de Teatro “Juan Misael Saracho”.
Explica también que el teatro se produce a través de un trabajo en equipo. Los actores son la gente que se ve, pero hay una sorprendente cantidad de personas que no se ven. Ellos son igual de importantes que los actores debido a que sus diferentes y especializadas destrezas hacen posible que una producción se lleve a cabo.
“Ellos también deben compartir los triunfos y éxitos que puede, con suerte, suele haber”, dice Rivera y añade que la Compañía de Teatro “Juan Misael Saracho” hace llegar a todos los hombres y mujeres del teatro en cada rincón de Bolivia, un abrazo solidario en la lucha que representa cada día levantar un telón y el estar unidos en el quehacer diario por una sociedad mejor.
El teatro en Bolivia
Un estudio del actor y periodista español Daniel González Gómez Acebo da cuenta que el teatro en Bolivia se practicaba desde la época de los incas, y descarta que esta actividad cultural haya llegado con los españoles en la colonización.
Las primeras obras del siglo XIV, XV y XVI fueron Ollantay, Utqha Paukar y Wanka (la tragedia) del fin de Atahuallpa, estas dos últimas poco conocidas. Las tres son anónimas, es decir, no se conocen de su autoría. Wanka del fin de Atahuallpa fue escrita por un amauta, pero no se supo el nombre, en el siglo XVI y una copia de la redacción apareció en el siglo XVIII.
El cronista peruano Juan de Santa Cruz, autor rescatado por Gonzáles, averiguó sobre una batalla entre indígenas y españoles en la que aparecen actores en plan de burla frente al oponente. “Uno de ellos se llamaba ‘llama llama’, eran actores que se ponían uno encima del otro y hacían burla a la gente”.
Dos géneros teatrales existían, entonces, el Wanka que significa tragedia y el aranway, similar a comedia. Un ejemplo de este tipo de obra fue encontrada por un etnólogo belga en los valles de Cochabamba, trataba de una historia de amor entre dos campesinos, tenía escenografía propia y un bosque artificial.
Investigaciones acerca del teatro aymara dan cuenta del origen de diferentes personajes que aparecen en danzas aymaras. Por ejemplo, el kusillo, el cual espantaba a los animales para que los campesinos pudieran cazarlos, éste participaba en diferentes bailes, no tenía uno propio.
Apuntes sobre el estado del teatro en Tarija
Todos los grupos teatrales de Tarija han coincidido que en nuestra tierra al teatro siempre se le ha decretado la muerte, especialmente en nuestro medio, donde no hay un solo espacio escénico para que el arte del teatro subsista.
Se dice que el teatro de la Casa de la Cultura será estrenado en el mes de abril del presente año. Esto lo vienen anunciando desde hace 10 o más años pero los actores confían en que este año se haga realidad. “Ojalá que este año, en el mes aniversario de Tarija, los actores, al fin podamos subir a las tablas para mostrar nuestro potencial histriónico”, dice Rivera.
El Director de la Casa de la Cultura, Nils Puerta, dijo que el teatro será inaugurado en abril e invitó a todos los actores para poder ser partícipes y hacer uso de esta nueva infraestructura mediante petición ante la dirección.
El teatro tiene una capacidad para 450 personas, cuenta con un escenario diseñado para ascender y descender de manera mecánica, cuenta con iluminación completa, cañón, reflectores y diversidad de luces a color, el equipo de sonido es moderno con los canales suficientes para la realización de conciertos.
Respecto al mobiliario, éste está destinado a la parte administrativa, de dirección, secretaria, boletería y otros, se cuenta con cómodos asientos para el público que asistirá a las funciones.
“El teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración con la habilidad de unificar las muchas diversas culturas y gentes que existen en el mundo. Pero el teatro es más que eso, tiene la habilidad de hacernos sonreír pero también tendría que hacernos pensar y reflexionar”, dice Alfredo Rivera director de la Compañía de Teatro “Juan Misael Saracho”.
Explica también que el teatro se produce a través de un trabajo en equipo. Los actores son la gente que se ve, pero hay una sorprendente cantidad de personas que no se ven. Ellos son igual de importantes que los actores debido a que sus diferentes y especializadas destrezas hacen posible que una producción se lleve a cabo.
“Ellos también deben compartir los triunfos y éxitos que puede, con suerte, suele haber”, dice Rivera y añade que la Compañía de Teatro “Juan Misael Saracho” hace llegar a todos los hombres y mujeres del teatro en cada rincón de Bolivia, un abrazo solidario en la lucha que representa cada día levantar un telón y el estar unidos en el quehacer diario por una sociedad mejor.
El teatro en Bolivia
Un estudio del actor y periodista español Daniel González Gómez Acebo da cuenta que el teatro en Bolivia se practicaba desde la época de los incas, y descarta que esta actividad cultural haya llegado con los españoles en la colonización.
Las primeras obras del siglo XIV, XV y XVI fueron Ollantay, Utqha Paukar y Wanka (la tragedia) del fin de Atahuallpa, estas dos últimas poco conocidas. Las tres son anónimas, es decir, no se conocen de su autoría. Wanka del fin de Atahuallpa fue escrita por un amauta, pero no se supo el nombre, en el siglo XVI y una copia de la redacción apareció en el siglo XVIII.
El cronista peruano Juan de Santa Cruz, autor rescatado por Gonzáles, averiguó sobre una batalla entre indígenas y españoles en la que aparecen actores en plan de burla frente al oponente. “Uno de ellos se llamaba ‘llama llama’, eran actores que se ponían uno encima del otro y hacían burla a la gente”.
Dos géneros teatrales existían, entonces, el Wanka que significa tragedia y el aranway, similar a comedia. Un ejemplo de este tipo de obra fue encontrada por un etnólogo belga en los valles de Cochabamba, trataba de una historia de amor entre dos campesinos, tenía escenografía propia y un bosque artificial.
Investigaciones acerca del teatro aymara dan cuenta del origen de diferentes personajes que aparecen en danzas aymaras. Por ejemplo, el kusillo, el cual espantaba a los animales para que los campesinos pudieran cazarlos, éste participaba en diferentes bailes, no tenía uno propio.
Apuntes sobre el estado del teatro en Tarija
Todos los grupos teatrales de Tarija han coincidido que en nuestra tierra al teatro siempre se le ha decretado la muerte, especialmente en nuestro medio, donde no hay un solo espacio escénico para que el arte del teatro subsista.
Se dice que el teatro de la Casa de la Cultura será estrenado en el mes de abril del presente año. Esto lo vienen anunciando desde hace 10 o más años pero los actores confían en que este año se haga realidad. “Ojalá que este año, en el mes aniversario de Tarija, los actores, al fin podamos subir a las tablas para mostrar nuestro potencial histriónico”, dice Rivera.
El Director de la Casa de la Cultura, Nils Puerta, dijo que el teatro será inaugurado en abril e invitó a todos los actores para poder ser partícipes y hacer uso de esta nueva infraestructura mediante petición ante la dirección.
El teatro tiene una capacidad para 450 personas, cuenta con un escenario diseñado para ascender y descender de manera mecánica, cuenta con iluminación completa, cañón, reflectores y diversidad de luces a color, el equipo de sonido es moderno con los canales suficientes para la realización de conciertos.
Respecto al mobiliario, éste está destinado a la parte administrativa, de dirección, secretaria, boletería y otros, se cuenta con cómodos asientos para el público que asistirá a las funciones.
Falleció Norma Méndez de Paz, autora de la primera ópera nacional Incallajta
La escritora y autora del libreto de la 1ra ópera nacional “Incallajta”, Norma Méndez de Paz, falleció hoy. Amigos y familiares le dan el último adiós en el templo La Capilla y se anuncia el entierro para las 15:00 horas.
“Incallajta”, obra que fue creada en honor a las ruinas, se estrenó por primera vez en La Paz, en 1980 con la música de Atiliano Auza León.
Volvió a la escena en nuestra ciudad, 30 años después con más de un centenar de artistas de la Orquesta Filarmónica de Cochabamba, cuerpo de baile y el reconocido barítono Gastón Paz Zegarra, donde Norma Méndez también participó como coordinadora general.
Una verdadera obra de arte que tuvo una presentación exitosa y fue destacada también en la publicación de Los Tiempos “Incallajta, una ópera de primer nivel”, el 19 de septiembre de 2010.
“Incallajta”, obra que fue creada en honor a las ruinas, se estrenó por primera vez en La Paz, en 1980 con la música de Atiliano Auza León.
Volvió a la escena en nuestra ciudad, 30 años después con más de un centenar de artistas de la Orquesta Filarmónica de Cochabamba, cuerpo de baile y el reconocido barítono Gastón Paz Zegarra, donde Norma Méndez también participó como coordinadora general.
Una verdadera obra de arte que tuvo una presentación exitosa y fue destacada también en la publicación de Los Tiempos “Incallajta, una ópera de primer nivel”, el 19 de septiembre de 2010.
Oruro Actores pusieron en escena la falta de apoyo de las autoridades
Integrantes de la Asociación Boliviana de Actores (ABDA) filial Oruro, con motivo de celebrar el Día Mundial del Teatro, ayer en la plaza 10 de Febrero escenificaron la realidad del teatro local y la falta de apoyo de sus autoridades. Actividad que pretende sensibilizar a la comunidad en su conjunto.
EL presidente de la ABDA, Ariel Alcócer Boyerman, indicó: "Como artistas, como teatreros, que significamos la parte creativa de lo que es el arte, hemos querido presentar este pequeño trabajo en este día especial".
Los actores se organizaron para la presentación de algunos grupos de teatro escenificando la importancia del teatro en toda sociedad, pero también se mostró el poco apoyo y respaldo que se recibe por parte de las autoridades departamentales y municipales. El elenco estuvo compuesto por más de cinco artistas quienes a su turno intervinieron y dieron a conocer el mensaje al público que se dio cita alrededor de las 12:00 en la plaza principal de nuestra ciudad.
"Tenemos esa percepción, lamentablemente el apoyo al arte, al teatro, a la cultura, es muy poco en Oruro, nosotros a partir de esta actividad queremos difundir el talento que existe en el teatro local, con artistas orureños que apuestan al arte", afirmó Alcócer.
Luego de la presentación se realizó una pequeña tribuna libre por parte de los artistas, quienes coincidieron en cuestionar la falta de políticas de apoyo que se da en otros departamentos, también se llamó a la reflexión al público orureño que no respalda a la producción local como debe ser.
El trabajo de la institución que aglutina a los artistas, se inicia el mes de abril con interesantes propuestas o "temporadas" que serán presentadas por los elencos orureños.
EL presidente de la ABDA, Ariel Alcócer Boyerman, indicó: "Como artistas, como teatreros, que significamos la parte creativa de lo que es el arte, hemos querido presentar este pequeño trabajo en este día especial".
Los actores se organizaron para la presentación de algunos grupos de teatro escenificando la importancia del teatro en toda sociedad, pero también se mostró el poco apoyo y respaldo que se recibe por parte de las autoridades departamentales y municipales. El elenco estuvo compuesto por más de cinco artistas quienes a su turno intervinieron y dieron a conocer el mensaje al público que se dio cita alrededor de las 12:00 en la plaza principal de nuestra ciudad.
"Tenemos esa percepción, lamentablemente el apoyo al arte, al teatro, a la cultura, es muy poco en Oruro, nosotros a partir de esta actividad queremos difundir el talento que existe en el teatro local, con artistas orureños que apuestan al arte", afirmó Alcócer.
Luego de la presentación se realizó una pequeña tribuna libre por parte de los artistas, quienes coincidieron en cuestionar la falta de políticas de apoyo que se da en otros departamentos, también se llamó a la reflexión al público orureño que no respalda a la producción local como debe ser.
El trabajo de la institución que aglutina a los artistas, se inicia el mes de abril con interesantes propuestas o "temporadas" que serán presentadas por los elencos orureños.
España sube al escenario del Fitaz con una comedia del Siglo XIX
Una comedia basada en la relación amistosa de un duque y su secretario, es la propuesta que traerá hoy, a las 20.00 horas, la compañía española El Astillero, a través de su obra “30 grados de frío”.
Esta puesta en escena que forma parte de la programación del Festival Internacional de Teatro, será protagonizada por Francisco Vidal, que interpretará al Duque de Osuna, Chema Ruiz, en el papel de Juan Valera y Daniel Martos, bajo la dirección de Luis Miguel González. Silvia Marta y Miguel Ángel Camacho completan el equipo.
La obra ambientada en San Petersburgo de 1856 y enero de 1857, comienza con la llegada de la legación española a la capital de Rusia, para retomar las relaciones diplomáticas.
“Al frente de la legación está el Duque de Osuna, don Mariano Téllez Girón, dueño de la mayor fortuna de España, un aristócrata que, con una peculiar idea de la grandeza, decide costear la legación, mostrando una opulencia fuera de lo común. Don Mariano llevaba como secretario a un diplomático de carrera, un funcionario observador y de muy inteligente sentido del humor, un joven llamado Juan Valera, que más tarde se convertiría en uno de los grandes novelistas españoles del Siglo XIX”, sostuvo el director del elenco, Luis Miguel Gonzáles.
Este viaje al Imperio desconocido, induce a los espectadores a mirar de diferente manera a este país, naciendo en ellos momentos de reflexión y la necesidad de cambios urgentes.
Gonzales basó su propuesta escénica en las “Cartas de Rusia” de Juan Valera, que en opinión de la crítica lo hizo con notable sagacidad e inteligencia.
Para los productores de la puesta en escena es sumamente sugerente desde “los viajes, las situaciones, los personajes femeninos, incluso la misma Rusia y sus palacios, todo está a merced de un público dispuesto a crear, partiendo de las sutiles pistas que lanzan los actores”.
VISIONES
La obra muestra dos visiones de España, una de ellas es la del Duque de Osuna, don Mariano Téllez Girón, “autonombrado” embajador en Rusia, que pertenece a la España “del antiguo régimen, la de la aristocracia imperial venida a menos, que no quiere ver que todo su imperio se ha derrumbado”.
La otra visión es presentada por el personaje de Juan Valera, “que es una persona más moderna, ilustrada y cercana a una contemporaneidad”.
“En este viaje un tanto quijotesco surgen aventuras, conflictos y rivalidades entre los personajes, pero también una gran amistad”, dijo González, a tiempo de explicar que las expectativas del elenco, sobre sus presentaciones en Bolivia “son muchas”.
“Lo que queremos es que nuestro texto guste al público e incluso influya entre la gente que pueda escribir o dirigir teatro aquí, que muchos de ellos ya son amigos míos”, agregó.
DATOS
- La obra tiene un récord de cartelera en Europa, además el grupo es uno de los más connotados en el viejo continente.
- Su llegada a Bolivia tiene el apoyo de la Embajada de España y la Agencia de Cooperación Española.
- “30 grados de frío es una comedia llena de ingredientes clásicos de este género. No fue un plan premeditado, sino que ese tono y esos referentes han surgido del trabajo en común de los dramaturgos con los actores”, afirmaron, por su parte, otros integrantes del grupo.
Esta puesta en escena que forma parte de la programación del Festival Internacional de Teatro, será protagonizada por Francisco Vidal, que interpretará al Duque de Osuna, Chema Ruiz, en el papel de Juan Valera y Daniel Martos, bajo la dirección de Luis Miguel González. Silvia Marta y Miguel Ángel Camacho completan el equipo.
La obra ambientada en San Petersburgo de 1856 y enero de 1857, comienza con la llegada de la legación española a la capital de Rusia, para retomar las relaciones diplomáticas.
“Al frente de la legación está el Duque de Osuna, don Mariano Téllez Girón, dueño de la mayor fortuna de España, un aristócrata que, con una peculiar idea de la grandeza, decide costear la legación, mostrando una opulencia fuera de lo común. Don Mariano llevaba como secretario a un diplomático de carrera, un funcionario observador y de muy inteligente sentido del humor, un joven llamado Juan Valera, que más tarde se convertiría en uno de los grandes novelistas españoles del Siglo XIX”, sostuvo el director del elenco, Luis Miguel Gonzáles.
Este viaje al Imperio desconocido, induce a los espectadores a mirar de diferente manera a este país, naciendo en ellos momentos de reflexión y la necesidad de cambios urgentes.
Gonzales basó su propuesta escénica en las “Cartas de Rusia” de Juan Valera, que en opinión de la crítica lo hizo con notable sagacidad e inteligencia.
Para los productores de la puesta en escena es sumamente sugerente desde “los viajes, las situaciones, los personajes femeninos, incluso la misma Rusia y sus palacios, todo está a merced de un público dispuesto a crear, partiendo de las sutiles pistas que lanzan los actores”.
VISIONES
La obra muestra dos visiones de España, una de ellas es la del Duque de Osuna, don Mariano Téllez Girón, “autonombrado” embajador en Rusia, que pertenece a la España “del antiguo régimen, la de la aristocracia imperial venida a menos, que no quiere ver que todo su imperio se ha derrumbado”.
La otra visión es presentada por el personaje de Juan Valera, “que es una persona más moderna, ilustrada y cercana a una contemporaneidad”.
“En este viaje un tanto quijotesco surgen aventuras, conflictos y rivalidades entre los personajes, pero también una gran amistad”, dijo González, a tiempo de explicar que las expectativas del elenco, sobre sus presentaciones en Bolivia “son muchas”.
“Lo que queremos es que nuestro texto guste al público e incluso influya entre la gente que pueda escribir o dirigir teatro aquí, que muchos de ellos ya son amigos míos”, agregó.
DATOS
- La obra tiene un récord de cartelera en Europa, además el grupo es uno de los más connotados en el viejo continente.
- Su llegada a Bolivia tiene el apoyo de la Embajada de España y la Agencia de Cooperación Española.
- “30 grados de frío es una comedia llena de ingredientes clásicos de este género. No fue un plan premeditado, sino que ese tono y esos referentes han surgido del trabajo en común de los dramaturgos con los actores”, afirmaron, por su parte, otros integrantes del grupo.
Teatro Palais Concert en deterioro y no hay fecha de inicio para su refacción
Una de las históricas construcciones que perdura en el tiempo es el teatro Palais Concert, que por su concepción arquitectónica es reconocido como un patrimonio de los orureños, desde hace varios años muestra un deterioro preocupante, sin que exista fecha programada para su refacción.
De acuerdo a la explicación proporcionada por el jefe de la Unidad de Turismo y Cultura del Gobierno Autónomo Departamental de Oruro, Pedro Ramos, lamentablemente no se puede realizar un trabajo a corto plazo, que debe ser desarrollado por especialistas. Además de preparar un proyecto especial de restauración de todo el teatro Palais Concert, hecho que impide el inmediato trabajo en la mencionada edificación.
"Se hicieron solicitudes el 2011, ahora hemos coordinado en una reunión para encaminar este delicado tema adecuadamente, respaldándonos por ejemplo con el Colegio de Arquitectos, la normativa que pueda tener el Ministerio de Culturas y otros, para iniciar el trabajo", indicó Ramos.
Mientras dure este proceso el teatro Palais Concert, seguirá abriendo sus puertas y funcionando pese a la precariedad de sus instalaciones, en el interior como en el exterior, con las limitaciones mencionadas, además de que en horas de la noche y las madrugadas, algunas personas inescrupulosas convierten el sector en un mingitorio público.
"Es difícil hablar de tiempos, es un trabajo muy especializado, si vamos a tocar este teatro tiene que ser para que vuelva a nacer, va a tomar su tiempo, estamos realizando el perfil de proyecto", puntualizó Ramos.
El Gobierno Autónomo Departamental de Oruro, es el directo encargado de la infraestructura y de acuerdo al compromiso los trabajos civiles se realizarán respetando las normas y leyes vigentes, en cuanto se refiere a preservación de edificios patrimoniales.
De acuerdo a la explicación proporcionada por el jefe de la Unidad de Turismo y Cultura del Gobierno Autónomo Departamental de Oruro, Pedro Ramos, lamentablemente no se puede realizar un trabajo a corto plazo, que debe ser desarrollado por especialistas. Además de preparar un proyecto especial de restauración de todo el teatro Palais Concert, hecho que impide el inmediato trabajo en la mencionada edificación.
"Se hicieron solicitudes el 2011, ahora hemos coordinado en una reunión para encaminar este delicado tema adecuadamente, respaldándonos por ejemplo con el Colegio de Arquitectos, la normativa que pueda tener el Ministerio de Culturas y otros, para iniciar el trabajo", indicó Ramos.
Mientras dure este proceso el teatro Palais Concert, seguirá abriendo sus puertas y funcionando pese a la precariedad de sus instalaciones, en el interior como en el exterior, con las limitaciones mencionadas, además de que en horas de la noche y las madrugadas, algunas personas inescrupulosas convierten el sector en un mingitorio público.
"Es difícil hablar de tiempos, es un trabajo muy especializado, si vamos a tocar este teatro tiene que ser para que vuelva a nacer, va a tomar su tiempo, estamos realizando el perfil de proyecto", puntualizó Ramos.
El Gobierno Autónomo Departamental de Oruro, es el directo encargado de la infraestructura y de acuerdo al compromiso los trabajos civiles se realizarán respetando las normas y leyes vigentes, en cuanto se refiere a preservación de edificios patrimoniales.
FITAZ Dabar repone la obra “El nuevo traje del emperador”
Después de un exitoso debut, el pasado fin de semana, en el Espacio Pipiripi, el grupo actoral Dabar repondrá hoy, a las 18.00 horas, la comedia “El nuevo traje del emperador” en la Unidad Educativa Marien Garden del distrito Max Paredes.
Esta comedia logró el tercer lugar en el concurso municipal de teatro Raúl Salmón De la Barra, razón por la cual su presencia en la mayor fiesta teatral de la ciudad, Fitaz, forma parte del reconocimiento a la calidad del montaje escénico.
La adaptación de un cuento realizada, por la directora del elenco, Paola Gaitán, muestra en tres actos la vanidad y orgullo de las personas, que gastan hasta lo que no es suyo con tal de vivir de apariencias.
“Es una obra con profundos mensajes sobre esta actitud, adaptable a cualquier sociedad”, agregó Gaitán.
Es la historia de un Emperador amante de los trajes nuevos.
“No ama nada más que lucir un nuevo atuendo por sus dominios. El desfile de la victoria está cerca, recibe una nueva propuesta para la confección de un nuevo traje. El Emperador está ansioso por mostrar y lucir ante el mundo su nuevo traje, un traje que por lo que le dijeron será la más grande maravilla del mundo, con éste revolucionará la moda de todo el planeta; no importa el costo, no importa nada, sólo importa ser el mejor vestido y esto se logrará cueste lo que cueste. El buscar hacer lo que uno quiere y ama sin importar los costos y las consecuencias hace que uno se desalinee y pierda así de vista su principal propósito y función”, agregó Gaitán.
El grupo lleva dos años de trabajo actoral, particularmente, sobre textos cristianos.
El elenco de este grupo está conformado por Valeria Canedo, Jacqueline Candia, Rebeca Pérez, Nohemí Pérez, Gustavo Torres y Paola Gaitán.
Esta comedia logró el tercer lugar en el concurso municipal de teatro Raúl Salmón De la Barra, razón por la cual su presencia en la mayor fiesta teatral de la ciudad, Fitaz, forma parte del reconocimiento a la calidad del montaje escénico.
La adaptación de un cuento realizada, por la directora del elenco, Paola Gaitán, muestra en tres actos la vanidad y orgullo de las personas, que gastan hasta lo que no es suyo con tal de vivir de apariencias.
“Es una obra con profundos mensajes sobre esta actitud, adaptable a cualquier sociedad”, agregó Gaitán.
Es la historia de un Emperador amante de los trajes nuevos.
“No ama nada más que lucir un nuevo atuendo por sus dominios. El desfile de la victoria está cerca, recibe una nueva propuesta para la confección de un nuevo traje. El Emperador está ansioso por mostrar y lucir ante el mundo su nuevo traje, un traje que por lo que le dijeron será la más grande maravilla del mundo, con éste revolucionará la moda de todo el planeta; no importa el costo, no importa nada, sólo importa ser el mejor vestido y esto se logrará cueste lo que cueste. El buscar hacer lo que uno quiere y ama sin importar los costos y las consecuencias hace que uno se desalinee y pierda así de vista su principal propósito y función”, agregó Gaitán.
El grupo lleva dos años de trabajo actoral, particularmente, sobre textos cristianos.
El elenco de este grupo está conformado por Valeria Canedo, Jacqueline Candia, Rebeca Pérez, Nohemí Pérez, Gustavo Torres y Paola Gaitán.
La Sinfónica abre 2012 con “cañones de guerra”
La Orquesta Sinfónica Nacional inicia su temporada 2012 con dos veladas dedicadas a oberturas de compositores como Piotr Ilich Tchaikovsky, Gioachino Rossini y Johann Strauss. Los conciertos serán hoy y mañana a las 20:00, en el Centro Sinfónico Nacional de la calle Ayacucho 366.
Dirigidos por el maestro Ramiro Soriano Arce, los conciertos titulados “Oberturas 1812-2012” contarán con la participación de cadetes del Colegio Militar que resguardarán dos cañones con los que se recreará, mediante fuegos artificiales, el fragmento final de la famosa pieza con la que Tchaikovsky homenajeó a Rusia por su resistencia a Napoleón.
Según el programa oficial, en la primera parte la orquesta interpretará las oberturas Russlan y Ludmila, de Mikhail Glinka; Las Hébridas, de Félix Mendelssohn; Guillermo Tell, de Gioachino Rossini, y El murciélago, de Johann Strauss.
Además, en la segunda se escucharán las oberturas Festiva, de Dmitri Shostakovich; Orfeo en los infiernos, de Jacques Offenbach; El barbero de Sevilla, de Gioachino Rossini, y finalmente, 1812 de Tchaikovsky, cuyo final triunfal incluye una serie de 11 disparos de cañón y el repique de campanas.
Dirigidos por el maestro Ramiro Soriano Arce, los conciertos titulados “Oberturas 1812-2012” contarán con la participación de cadetes del Colegio Militar que resguardarán dos cañones con los que se recreará, mediante fuegos artificiales, el fragmento final de la famosa pieza con la que Tchaikovsky homenajeó a Rusia por su resistencia a Napoleón.
Según el programa oficial, en la primera parte la orquesta interpretará las oberturas Russlan y Ludmila, de Mikhail Glinka; Las Hébridas, de Félix Mendelssohn; Guillermo Tell, de Gioachino Rossini, y El murciélago, de Johann Strauss.
Además, en la segunda se escucharán las oberturas Festiva, de Dmitri Shostakovich; Orfeo en los infiernos, de Jacques Offenbach; El barbero de Sevilla, de Gioachino Rossini, y finalmente, 1812 de Tchaikovsky, cuyo final triunfal incluye una serie de 11 disparos de cañón y el repique de campanas.
30 grados de frío, la creación colectiva en su mayor expresión
“Tenemos una fórmula de trabajo en la que el autor propone su texto al resto del grupo y éstos son implacables y le dicen qué funciona y qué no. El autor tiene la única obligación de estar callado e invitar las cervezas”.
Así trabaja la compañía española de teatro El Astillero, y fue así como se implementó y perfeccionó 30 grados de frío, la obra con la que se presentarán hoy a las 20:00 en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez, en el marco del VIII Festival Internacional de Teatro de La Paz (FITAZ 2012) que se efectuará en diversos espacios de la urbe hasta el próximo 4 de abril.
Pero éste no es un estilo más de creación colectiva dentro del panorama de las artes escénicas contemporáneas; la propuesta de El Astillero es única en España y Europa, pues más que una compañía de teatro, es un “núcleo de escritura contemporánea”.
Justamente según cuenta el director Luis Miguel González, 30 grados de frío es la primera obra cuyo texto no es enteramente una creación colectiva, sino una adaptación, una versión libérrima de Cartas desde Rusia, de Juan Valera.
Esta “hilarante comedia cargada de ironía” cuenta la historia de una legación española que en 1857 se instaló en San Petersburgo con el fin de restablecer las relaciones diplomáticas entre España y Rusia.
La historia
La obra está basada en las cartas escritas desde el lejano país por el escritor Juan Valera, entonces secretario del afamado duque de Osuna. “Valera -cuenta González- relata las divertidas aventuras de Osuna, típicas de la antigua aristocracia española que ya para ese tiempo estaba resquebrajada y en decadencia”.
Las primeras reescrituras del texto fueron realizadas por González, José Ramón Fernández y Ángel Solo. Las versiones posteriores, que antecedieron a la definitiva, surgieron de las improvisaciones con los actores, entre cervezas y buen humor, pero aún respetando la idea original de Valera.
Osuna, el duque, y Valera son dos personajes antagónicos. El duque hace gala de su opulencia, es un aristócrata derrochador, generoso, que dilapida su fortuna sin inhibición; mientras que su acompañante es un hombre mesurado, correcto y con un amplio sentido de la responsabilidad.
Según Francisco Vidal, renombrado actor de cine y teatro, que interpreta al duque de Osuna, este personaje es un hombre “ampuloso, extravagante e irresponsable”.
“Lo interesante es ver cómo a pesar de ser tan distinto a Valera, ambos pueden llegar a entablar una gran amistad”, comenta.
Analogías
Así, más allá de su trama particular, los personajes también encarnan a dos Españas diferentes pero fácilmente relacionables.
“La obra relata esta confrontación entre el antiguo régimen y la modernidad; y todo eso se trasplanta a la época actual, a esa España que hace cuatro años era pujante y fuerte, y a la que hoy es una nación en crisis. También está la lucha de las dos Españas, la más conservadora, tradicional y la España moderna”, dice González.
El personaje de Valera es interpretado por Chema Ruiz; el tercer actor en escena es Daniel Martos quien según afirmó la crítica española, es el “mago” de toda la propuesta, pues “interpreta a todos los demás que son como 50 personajes, entre ellos una mujer”.
Pero más allá, Martos es además el asistente de dirección que cumple así su viejo anhelo de incursionar en la actuación.
30 grados de frío se mantuvo en cartelera por más de un año y viajó por toda España. Fue un “inmenso trabajo de relojería”, de producción, programación, ensayos y viajes que, finalmente, recala en La Paz
Fuente Pagina Siete
Así trabaja la compañía española de teatro El Astillero, y fue así como se implementó y perfeccionó 30 grados de frío, la obra con la que se presentarán hoy a las 20:00 en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez, en el marco del VIII Festival Internacional de Teatro de La Paz (FITAZ 2012) que se efectuará en diversos espacios de la urbe hasta el próximo 4 de abril.
Pero éste no es un estilo más de creación colectiva dentro del panorama de las artes escénicas contemporáneas; la propuesta de El Astillero es única en España y Europa, pues más que una compañía de teatro, es un “núcleo de escritura contemporánea”.
Justamente según cuenta el director Luis Miguel González, 30 grados de frío es la primera obra cuyo texto no es enteramente una creación colectiva, sino una adaptación, una versión libérrima de Cartas desde Rusia, de Juan Valera.
Esta “hilarante comedia cargada de ironía” cuenta la historia de una legación española que en 1857 se instaló en San Petersburgo con el fin de restablecer las relaciones diplomáticas entre España y Rusia.
La historia
La obra está basada en las cartas escritas desde el lejano país por el escritor Juan Valera, entonces secretario del afamado duque de Osuna. “Valera -cuenta González- relata las divertidas aventuras de Osuna, típicas de la antigua aristocracia española que ya para ese tiempo estaba resquebrajada y en decadencia”.
Las primeras reescrituras del texto fueron realizadas por González, José Ramón Fernández y Ángel Solo. Las versiones posteriores, que antecedieron a la definitiva, surgieron de las improvisaciones con los actores, entre cervezas y buen humor, pero aún respetando la idea original de Valera.
Osuna, el duque, y Valera son dos personajes antagónicos. El duque hace gala de su opulencia, es un aristócrata derrochador, generoso, que dilapida su fortuna sin inhibición; mientras que su acompañante es un hombre mesurado, correcto y con un amplio sentido de la responsabilidad.
Según Francisco Vidal, renombrado actor de cine y teatro, que interpreta al duque de Osuna, este personaje es un hombre “ampuloso, extravagante e irresponsable”.
“Lo interesante es ver cómo a pesar de ser tan distinto a Valera, ambos pueden llegar a entablar una gran amistad”, comenta.
Analogías
Así, más allá de su trama particular, los personajes también encarnan a dos Españas diferentes pero fácilmente relacionables.
“La obra relata esta confrontación entre el antiguo régimen y la modernidad; y todo eso se trasplanta a la época actual, a esa España que hace cuatro años era pujante y fuerte, y a la que hoy es una nación en crisis. También está la lucha de las dos Españas, la más conservadora, tradicional y la España moderna”, dice González.
El personaje de Valera es interpretado por Chema Ruiz; el tercer actor en escena es Daniel Martos quien según afirmó la crítica española, es el “mago” de toda la propuesta, pues “interpreta a todos los demás que son como 50 personajes, entre ellos una mujer”.
Pero más allá, Martos es además el asistente de dirección que cumple así su viejo anhelo de incursionar en la actuación.
30 grados de frío se mantuvo en cartelera por más de un año y viajó por toda España. Fue un “inmenso trabajo de relojería”, de producción, programación, ensayos y viajes que, finalmente, recala en La Paz
Fuente Pagina Siete
Diego Aramburo, inspiración y carácter en el teatro
El director y fundador de Kiknteatr, Diego Aramburo, presentó por dos días consecutivos en el Teatro Municipal la obra “Hamlet de los Andes”, la cual fue bien recibida por el público paceño que agotó taquilla antes de las presentaciones. Esta obra refleja parte de su historia personal, ya que al igual que Hamlet, Aramburo perdió a temprana edad a su padre y transmite los dramáticos cuestionamientos que ocasionaron esta orfandad.
El director afirmó que invirtió en trabajo, investigación y reflexión como debe ser un artista que entrega, abre y cede parte de su esencia en cada obra. “El concepto y la visión de Hamlet son míos y son realmente muy personales”, sostuvo.
Aramburo empezó como actor a sus 17 años “sin saber nada y rodeado de una actividad escénica boliviana en general, “amateur y pobrísima”. El actor sostuvo que toda su obra artística gira entorno a un desarrollo coherente de estas obsesiones que le nacen desde su adolescencia.
Kiknteatr comenzó a fines de los ochenta y tiene el sello característico de Aramburo con artistas representativos como Patricia García, David Arze y Lía Michel. Trabajó también con Claudia Eid, quien fue pareja sentimental del director: “Trabajar con la pareja es muy demandante”, recuerda el actor, al sostener que no se debe mezclar la relación con el trabajo. “Con Claudia conseguimos una complicidad muy fuerte y linda, y la colaboración dio frutos; como ese Cuento del Amor, que es una obra de teatro escrita entre ambos y que me parece un texto muy bien logrado”, dijo Aramburo.
DEMAGOGIA: Por otro lado, Aramburo criticó el premio Eduardo Abaroa por ser una “demagogia” por parte del Gobierno, ya que otorgar 4.000 dólares como reconocimiento a toda una carrera artística, que a su criterio “es un insulto”, al considerar que un premio no es la manera de reconocer el arte, sino representa los lineamientos que rigen las políticas culturales del Estado actual.
Sin embargo, espera que el ministro de Cultura, Pablo Groux, abra más y mejores canales de diálogo, pues a su criterio es una de las personas más idóneas para ocupar ese cargo.
Económicamente hablando, el director afirma que el actor no vive de su arte: “No gano ni el diez por ciento del monto de lo invertido, pero recompenso con creces mi nivel humano y artístico”.
Aramburo es conocido también en el ámbito internacional: “Uno debe ir vendiendo su creación en cada función, y sobre todo en festivales del exterior, que son los que pagan algún caché que podría hacer que, a largo plazo, uno balancee los egresos con los ingreso”.
LIBERTAD DE EXPRESIÓN: Para Diego Aramburo la libertad de expresión es fundamental e imprescindible para cualquier ser humano en cualquier cultura y circunstancia. Revela su amarga experiencia juvenil cuando se vio obligado a abandonar sus estudios en la Universidad Católica de Cochabamba debido a evidentes muestras de rechazo por su trabajo contestatario artístico que no fue aceptado por un religioso que fungía de vicerrector de la sede de Cochabamba en ese entonces. “Gentilmente lo mandé a cagar y dejé la institución”, dijo el actor.
“Pero este tipo de atropellos al individuo y a su libertad de expresión no hicieron más que afirmar lo que era evidente para mí: Tengo cosas que decir y voy a hacerlo y las formas artísticas son el mejor medio que he encontrado para dar vía a esta necesidad humana”, sostiene el artista.
Por último, recomienda a los jóvenes, a quienes apasiona el teatro, pero a los cuales les preocupa el dinero, que dejen de dudar, pues de lo contrario no tendrán la fuerza para sobrevivir a los miles de embates que encontrarán en el camino del quehacer artístico.
“Esta actividad demanda una voluntad de fierro y dedicación a “full time”, más si uno quiere ejercerla con una calidad que le permita ser “exportable” cosa fundamental para sobrevivir con este oficio en un país como el nuestro”. Con esta voluntad es que Diego (Aramburo) nos ofreció Hamlet en los Andes que fue calificado por la crítica como una obra cúspide del teatro nacional”, manifestó. /MPM/jlz//
El director afirmó que invirtió en trabajo, investigación y reflexión como debe ser un artista que entrega, abre y cede parte de su esencia en cada obra. “El concepto y la visión de Hamlet son míos y son realmente muy personales”, sostuvo.
Aramburo empezó como actor a sus 17 años “sin saber nada y rodeado de una actividad escénica boliviana en general, “amateur y pobrísima”. El actor sostuvo que toda su obra artística gira entorno a un desarrollo coherente de estas obsesiones que le nacen desde su adolescencia.
Kiknteatr comenzó a fines de los ochenta y tiene el sello característico de Aramburo con artistas representativos como Patricia García, David Arze y Lía Michel. Trabajó también con Claudia Eid, quien fue pareja sentimental del director: “Trabajar con la pareja es muy demandante”, recuerda el actor, al sostener que no se debe mezclar la relación con el trabajo. “Con Claudia conseguimos una complicidad muy fuerte y linda, y la colaboración dio frutos; como ese Cuento del Amor, que es una obra de teatro escrita entre ambos y que me parece un texto muy bien logrado”, dijo Aramburo.
DEMAGOGIA: Por otro lado, Aramburo criticó el premio Eduardo Abaroa por ser una “demagogia” por parte del Gobierno, ya que otorgar 4.000 dólares como reconocimiento a toda una carrera artística, que a su criterio “es un insulto”, al considerar que un premio no es la manera de reconocer el arte, sino representa los lineamientos que rigen las políticas culturales del Estado actual.
Sin embargo, espera que el ministro de Cultura, Pablo Groux, abra más y mejores canales de diálogo, pues a su criterio es una de las personas más idóneas para ocupar ese cargo.
Económicamente hablando, el director afirma que el actor no vive de su arte: “No gano ni el diez por ciento del monto de lo invertido, pero recompenso con creces mi nivel humano y artístico”.
Aramburo es conocido también en el ámbito internacional: “Uno debe ir vendiendo su creación en cada función, y sobre todo en festivales del exterior, que son los que pagan algún caché que podría hacer que, a largo plazo, uno balancee los egresos con los ingreso”.
LIBERTAD DE EXPRESIÓN: Para Diego Aramburo la libertad de expresión es fundamental e imprescindible para cualquier ser humano en cualquier cultura y circunstancia. Revela su amarga experiencia juvenil cuando se vio obligado a abandonar sus estudios en la Universidad Católica de Cochabamba debido a evidentes muestras de rechazo por su trabajo contestatario artístico que no fue aceptado por un religioso que fungía de vicerrector de la sede de Cochabamba en ese entonces. “Gentilmente lo mandé a cagar y dejé la institución”, dijo el actor.
“Pero este tipo de atropellos al individuo y a su libertad de expresión no hicieron más que afirmar lo que era evidente para mí: Tengo cosas que decir y voy a hacerlo y las formas artísticas son el mejor medio que he encontrado para dar vía a esta necesidad humana”, sostiene el artista.
Por último, recomienda a los jóvenes, a quienes apasiona el teatro, pero a los cuales les preocupa el dinero, que dejen de dudar, pues de lo contrario no tendrán la fuerza para sobrevivir a los miles de embates que encontrarán en el camino del quehacer artístico.
“Esta actividad demanda una voluntad de fierro y dedicación a “full time”, más si uno quiere ejercerla con una calidad que le permita ser “exportable” cosa fundamental para sobrevivir con este oficio en un país como el nuestro”. Con esta voluntad es que Diego (Aramburo) nos ofreció Hamlet en los Andes que fue calificado por la crítica como una obra cúspide del teatro nacional”, manifestó. /MPM/jlz//
Teatro de los Andes muestra su esencia intacta en emotiva obra
Pagina Siete
Atormentado y al borde de la locura, un Hamlet con aires andinos se adueña del escenario. Llora, grita y reniega del peso de su destino: vengar a su padre muerto.
En torno a este clásico personaje, esta vez recreado con aires de aparapita, Teatro de los Andes presentó ayer Hamlet de los Andes, la primera obra desde que el argentino César Brie, fundador y director, dejó el elenco en 2010.
En medio de la oscuridad, Hamlet, interpretado por Gonzalo Callejas, devora los restos de su padre. Repite: “A los muertos hay que llorarlos y gritarlos, decía mi abuela”. Se viste de pollera para montar un show y molestar al asesino de su progenitor.
Esas escenas protagonizadas por Callejas, Lucas Achirico y Alice Guimaraes son de alguna manera el símbolo del regreso significativo del Teatro de los Andes a las tablas y el primer paso de una nueva etapa del proyecto que nació hace 20 años en Sucre.
Según el literato Omar Rocha, antes de ver la propuesta de la renovada compañía, la intriga general era saber si pudo con el enorme desafío de mantener “la estética, la poética del Teatro los Andes. Era un reto costoso y difícil y se ha logrado”.
Esta mirada la comparte Diego Aramburo, quien en la sesión inicial de la Escuela de Espectadores confesó ayer que fue su principal reto cuando aceptó la invitación para dirigir la obra.
“La estética, estilo y poética es una cuestión de identidad de los miembros del grupo y no sólo de un director (Brie) que fue una parte fundamental de su historia”.
En el mismo contexto de evaluación del debut en Bolivia de la nueva obra del reconocido elenco, el coordinador Paolo Nalli dijo que “seguiremos con la concepción con la que nacimos”, aunque confesó que es innegable mirar al pasado.
Atormentado y al borde de la locura, un Hamlet con aires andinos se adueña del escenario. Llora, grita y reniega del peso de su destino: vengar a su padre muerto.
En torno a este clásico personaje, esta vez recreado con aires de aparapita, Teatro de los Andes presentó ayer Hamlet de los Andes, la primera obra desde que el argentino César Brie, fundador y director, dejó el elenco en 2010.
En medio de la oscuridad, Hamlet, interpretado por Gonzalo Callejas, devora los restos de su padre. Repite: “A los muertos hay que llorarlos y gritarlos, decía mi abuela”. Se viste de pollera para montar un show y molestar al asesino de su progenitor.
Esas escenas protagonizadas por Callejas, Lucas Achirico y Alice Guimaraes son de alguna manera el símbolo del regreso significativo del Teatro de los Andes a las tablas y el primer paso de una nueva etapa del proyecto que nació hace 20 años en Sucre.
Según el literato Omar Rocha, antes de ver la propuesta de la renovada compañía, la intriga general era saber si pudo con el enorme desafío de mantener “la estética, la poética del Teatro los Andes. Era un reto costoso y difícil y se ha logrado”.
Esta mirada la comparte Diego Aramburo, quien en la sesión inicial de la Escuela de Espectadores confesó ayer que fue su principal reto cuando aceptó la invitación para dirigir la obra.
“La estética, estilo y poética es una cuestión de identidad de los miembros del grupo y no sólo de un director (Brie) que fue una parte fundamental de su historia”.
En el mismo contexto de evaluación del debut en Bolivia de la nueva obra del reconocido elenco, el coordinador Paolo Nalli dijo que “seguiremos con la concepción con la que nacimos”, aunque confesó que es innegable mirar al pasado.
FITAZ El Hamlet de los Andes
Pocas obras como el Hamlet, de Shakespeare, serían tan propicias para que el Teatro de los Andes retome su horizonte sin César Brie. En efecto, la obra se construye alrededor de la figura del padre ausente que, sin embargo, ejerce una presencia perturbadora.
Y surgen algunas preguntas, ¿estamos muertos?, ¿quiénes somos finalmente?, ¿somos lo que éramos? En otro movimiento las preguntas particulares del grupo intentan confluir con lo que el público espera: Hamlet de/en los Andes.
La obra logra una complejidad relevante, por un lado se mantiene fiel a los principios que el elenco construye desde hace 20 años, una estética y poética tan particulares que es imposible no sentir la presencia fantasmal de quien está y no está al mismo tiempo.
Pero por otro lado, la tensión que produce un toque diferente dado por la dirección de Diego Aramburo y por la creación colectiva que deja de lado la añoranza y produce desde la ausencia/presencia.
Hay muchas cosas que destacar: un Hamlet andino, que convive perfectamente con los de tiempos míticos y ritualidades andinas relacionadas con el alcohol y el devenir aparapita, sin traicionar al personaje shakesperiano.
Unas escenas maravillosas como la pelea de cholitas cachascanistas para representar, como teatro dentro del teatro, los actos bochornosos del tío y la madre. Una escenografía perfecta para la propuesta, sustentada en una puerta que hace de mesa, de ataúd, de ring y puerta (esta vez a partir de su función simbólica de entrada y salida). Y un trabajo actoral impecable: tres actores que encarnan hasta el triple de personajes.
Luego de ver Hamlet de los Andes se entiende mejor cómo los griegos presenciaban historias que ya conocían, iban a ver las distintas versiones de Edipo, Antígona, de Medea'
Aunque sabían de qué iba todo, salían conmovidos, purgados de esos sentimientos que producía la tragedia en sus corazones. Así, esta versión de Hamlet deja las más diversas y gratas sensaciones que una obra de teatro puede generar.
Y surgen algunas preguntas, ¿estamos muertos?, ¿quiénes somos finalmente?, ¿somos lo que éramos? En otro movimiento las preguntas particulares del grupo intentan confluir con lo que el público espera: Hamlet de/en los Andes.
La obra logra una complejidad relevante, por un lado se mantiene fiel a los principios que el elenco construye desde hace 20 años, una estética y poética tan particulares que es imposible no sentir la presencia fantasmal de quien está y no está al mismo tiempo.
Pero por otro lado, la tensión que produce un toque diferente dado por la dirección de Diego Aramburo y por la creación colectiva que deja de lado la añoranza y produce desde la ausencia/presencia.
Hay muchas cosas que destacar: un Hamlet andino, que convive perfectamente con los de tiempos míticos y ritualidades andinas relacionadas con el alcohol y el devenir aparapita, sin traicionar al personaje shakesperiano.
Unas escenas maravillosas como la pelea de cholitas cachascanistas para representar, como teatro dentro del teatro, los actos bochornosos del tío y la madre. Una escenografía perfecta para la propuesta, sustentada en una puerta que hace de mesa, de ataúd, de ring y puerta (esta vez a partir de su función simbólica de entrada y salida). Y un trabajo actoral impecable: tres actores que encarnan hasta el triple de personajes.
Luego de ver Hamlet de los Andes se entiende mejor cómo los griegos presenciaban historias que ya conocían, iban a ver las distintas versiones de Edipo, Antígona, de Medea'
Aunque sabían de qué iba todo, salían conmovidos, purgados de esos sentimientos que producía la tragedia en sus corazones. Así, esta versión de Hamlet deja las más diversas y gratas sensaciones que una obra de teatro puede generar.
Tarija En abril se inaugurará el Teatro
El director dela Casadela Cultura, Nils Puerta, informó que la agenda de “Abril en Tarija” ya está concluida y el programa se encuentra divido en cuatro semanas. La primera está enfocada a la semana santa con conciertos musicales religiosos, mientras que la segunda semana está dirigida a los niños y se harán presentaciones de marionetas, teatro de sombras y otros.
En la tercera semana se hará la inauguración del teatro dela Casadela Culturay para ello se tendrá actuaciones de música clásica, jazz, folklore y en la última semana se dictarán talleres de formación musical y se lanzará un concurso de poesía, ensayo y cuento.
Respecto a la inauguración del teatro, dijo que esta obra será abierta al pueblo tarijeño a través de las gestiones realizadas y la predisposición de las autoridades de turno. “Hemos encontrado una excelente predisposición para que esto realmente sea una realidad –dijo– y esto es un ejemplo de que cuando se pone en primer lado la cultura lo político desaparece”.
Para finalizar las actividades de abril en Tarija se contará con la presencia de un ballet italiano. Los programas serán repartidos en los siguientes días para que la población se de cita a cada una de las actividades.
En la tercera semana se hará la inauguración del teatro dela Casadela Culturay para ello se tendrá actuaciones de música clásica, jazz, folklore y en la última semana se dictarán talleres de formación musical y se lanzará un concurso de poesía, ensayo y cuento.
Respecto a la inauguración del teatro, dijo que esta obra será abierta al pueblo tarijeño a través de las gestiones realizadas y la predisposición de las autoridades de turno. “Hemos encontrado una excelente predisposición para que esto realmente sea una realidad –dijo– y esto es un ejemplo de que cuando se pone en primer lado la cultura lo político desaparece”.
Para finalizar las actividades de abril en Tarija se contará con la presencia de un ballet italiano. Los programas serán repartidos en los siguientes días para que la población se de cita a cada una de las actividades.
martes, 27 de marzo de 2012
Claudia Eid: "Hacer teatro nada tiene que ver con ser boliviano o de otro país"
"El teatro nada tiene que ver con ser boliviano o de otro país, tener o no tener recursos; creo que hemos aprendido a hacer teatro de calidad y sin muchos recursos", declaró Claudia Eid, directora con reconocida trayectoria en el escenario cochabambino y nacional, en el día internacional del teatro que se celebra en todo el planeta con distintas manifestaciones artísticas y performance.
En Cochabamba, muchos de los actos conmemorativos se realizarán en horas de la noche, según confirmó la dramaturga que ganó uno de los reconocimientos en el Festival “Peter Travesi Canedo 2011” que se desarrolló en nuestro departamento el pasado 26 de septiembre. "Es interesante que, después de tanto tiempo, este año se decida festejar el día mundial del teatro. Creo que es un síntoma de que se le está dando más importancia a esta actividad", aseveró Eid.
Asimismo, la dramaturga sostuvo que en el país existen obras de gran calidad que en este 2012 estan dando que hablar internacionalmente y han sido acogidas con entusiasmo por parte del público boliviano, como "Hamlet de Los Andes", del grupo de teatro "Los Andes", y que coindidentemente se presentó anoche en el Fitaz. La obra sería estrenada en julio en Cochabamba.
"En mi caso, hemos comenzado el año en colaboración con un espectáculo de danza con Paola Salinas; después se abrió el taller permanente del Martadero, que pretende formar un grupo independiente a fines del 2012. Después me dedico a una obra llamada 'El Miedo' y posteriormente, otra puesta en escena en noviembre titulada 'Los Infelices'. Esto entre La Paz y Cochabamba", detalló la directora cochabambina, refiriéndose a sus proyectos personales.
"Lo único que podemos hacer es trabajar con lo que tenemos y no pensar en lo que no tenemos", asintió Eid.
Cada 27 de marzo, y desde 1961, se celebra el "día mundial del teatro", en honor a esta representación de la cultura que se festeja con la realización de eventos nacionales e internacionales. En Bolivia, este día no es la excepción.
Desde el pasado viernes 23, en el país se desarrolla el Festival Internacional del Teatro de La Paz (Fitaz) que coincide con el día mundial del arte. En su séptima versión, el Fitaz se presenta con obras pertenecientes a grupos teatrales de gran trayectoria, y donde el nivel de actuación ha crecido a pasos agigantados en los últimos años.
Trayectoria
Claudia Eid inició su carrera en el Elenco Municipal de Teatro de Cochabamba en 1996.
Después de formar parte de algunos elencos independientes, ingresó a Kikin teatro, grupo en el cual se desempeñó como actriz y directora. Con este grupo puso en escena diversas obras junto a Diego Aramburo.
Eid también escribió y actuó en la premiada obra “Ese cuento de amor” y dirigió “Desaparecidos”, estrenada en 2005.
Previamente fue becada por la Casa de América en Madrid y realizó un curso de dirección y dramaturgia con profesionales de la talla del colombiano Santiago García y el español José Sanchís Sinisterra.
En 2006 dejó Kikin teatro para dedicarse al elenco que creó y ahora dirige en Cochabamba: El Masticadero.
La Compañía de Teatro de Claudia Eid fue una de las ganadoras en el Premio Nacional de Teatro “Peter Travesi Canedo 2011” con la obra "La Carga".
En Cochabamba, muchos de los actos conmemorativos se realizarán en horas de la noche, según confirmó la dramaturga que ganó uno de los reconocimientos en el Festival “Peter Travesi Canedo 2011” que se desarrolló en nuestro departamento el pasado 26 de septiembre. "Es interesante que, después de tanto tiempo, este año se decida festejar el día mundial del teatro. Creo que es un síntoma de que se le está dando más importancia a esta actividad", aseveró Eid.
Asimismo, la dramaturga sostuvo que en el país existen obras de gran calidad que en este 2012 estan dando que hablar internacionalmente y han sido acogidas con entusiasmo por parte del público boliviano, como "Hamlet de Los Andes", del grupo de teatro "Los Andes", y que coindidentemente se presentó anoche en el Fitaz. La obra sería estrenada en julio en Cochabamba.
"En mi caso, hemos comenzado el año en colaboración con un espectáculo de danza con Paola Salinas; después se abrió el taller permanente del Martadero, que pretende formar un grupo independiente a fines del 2012. Después me dedico a una obra llamada 'El Miedo' y posteriormente, otra puesta en escena en noviembre titulada 'Los Infelices'. Esto entre La Paz y Cochabamba", detalló la directora cochabambina, refiriéndose a sus proyectos personales.
"Lo único que podemos hacer es trabajar con lo que tenemos y no pensar en lo que no tenemos", asintió Eid.
Cada 27 de marzo, y desde 1961, se celebra el "día mundial del teatro", en honor a esta representación de la cultura que se festeja con la realización de eventos nacionales e internacionales. En Bolivia, este día no es la excepción.
Desde el pasado viernes 23, en el país se desarrolla el Festival Internacional del Teatro de La Paz (Fitaz) que coincide con el día mundial del arte. En su séptima versión, el Fitaz se presenta con obras pertenecientes a grupos teatrales de gran trayectoria, y donde el nivel de actuación ha crecido a pasos agigantados en los últimos años.
Trayectoria
Claudia Eid inició su carrera en el Elenco Municipal de Teatro de Cochabamba en 1996.
Después de formar parte de algunos elencos independientes, ingresó a Kikin teatro, grupo en el cual se desempeñó como actriz y directora. Con este grupo puso en escena diversas obras junto a Diego Aramburo.
Eid también escribió y actuó en la premiada obra “Ese cuento de amor” y dirigió “Desaparecidos”, estrenada en 2005.
Previamente fue becada por la Casa de América en Madrid y realizó un curso de dirección y dramaturgia con profesionales de la talla del colombiano Santiago García y el español José Sanchís Sinisterra.
En 2006 dejó Kikin teatro para dedicarse al elenco que creó y ahora dirige en Cochabamba: El Masticadero.
La Compañía de Teatro de Claudia Eid fue una de las ganadoras en el Premio Nacional de Teatro “Peter Travesi Canedo 2011” con la obra "La Carga".
Liber Forti en el nombre del Teatro
Con la mirada traviesa, hiperactivo, amable y con plena lucidez a sus 93 años, Liber Forti, fundador del grupo teatral "Nuevos Horizontes", reconoce ser un hombre enamorado de la vida, la soledad y la libertad en medio de su gran pasión por el teatro y una lucha callada contra el cáncer.
Desde su fundación en Tupiza en 1946, el legado de Nuevo Horizontes ha sido indiscutible para Bolivia, pues gracias a este emprendimiento, el arte de las tablas empezó a recorrer todos los distritos mineros del país, pues Liber Forti estaba y está convencido de que es posible un teatro de hermandad.
"Para mí el teatro tiene la función de conmover, de remover, de despertar emociones, el teatro está destinado a esto, a acercarnos a la gente, conocer realidades, aprender y agradecer por lo aprendido", manifiesta.
Sin embargo, Forti reconoce que no todos los momentos en la historia han sido fáciles para este arte, pero que siempre es posible hacer un buen teatro pues todo tiene que ver con el don de dar antes que recibir, ¿me preocupo por hacer algo para mí, por mí o para los demás?, se cuestiona tratando de explicar la esencia de lo que ha llenado por completo su vida.
Hoy, "Nuevos Horizontes", de mano del maestro sigue creciendo y cada vez más afirmando la voluntad de quienes viven apasionados por el teatro. Por eso, se espera con gran expectativa un taller que se llevará a cabo desde julio a octubre en Tupiza donde el legado de Forti nuevamente abrirá el telón.
Cuando se piensa en la edad y más aún en el cáncer, pareciera difícil comprender que cada día surgen y se renuevan los sueños y los proyectos. Liber Forti hace que esto sea una oportunidad para seguir viviendo, pues está convencido de que le falta hacer todo desde los comienzos.
"Tengo planeado en los próximos meses un viaje a Francia y Grecia, invitado por amigos que quieren seguir hablando de teatro… la enfermedad está ahí pero en vez de que sea un obstáculo, es una oportunidad, uno renace después de eso aunque pago las consecuencias día a día pero… ¡carajo, la vida es linda!".
Liber Forti, es simplemente un "hombre de alpargatas", así se define él, una bizarra expresión para explicar la personalidad de alguien que solo refleja sencillez, generosidad y un corazón lleno de agradecimiento.
Desde su fundación en Tupiza en 1946, el legado de Nuevo Horizontes ha sido indiscutible para Bolivia, pues gracias a este emprendimiento, el arte de las tablas empezó a recorrer todos los distritos mineros del país, pues Liber Forti estaba y está convencido de que es posible un teatro de hermandad.
"Para mí el teatro tiene la función de conmover, de remover, de despertar emociones, el teatro está destinado a esto, a acercarnos a la gente, conocer realidades, aprender y agradecer por lo aprendido", manifiesta.
Sin embargo, Forti reconoce que no todos los momentos en la historia han sido fáciles para este arte, pero que siempre es posible hacer un buen teatro pues todo tiene que ver con el don de dar antes que recibir, ¿me preocupo por hacer algo para mí, por mí o para los demás?, se cuestiona tratando de explicar la esencia de lo que ha llenado por completo su vida.
Hoy, "Nuevos Horizontes", de mano del maestro sigue creciendo y cada vez más afirmando la voluntad de quienes viven apasionados por el teatro. Por eso, se espera con gran expectativa un taller que se llevará a cabo desde julio a octubre en Tupiza donde el legado de Forti nuevamente abrirá el telón.
Cuando se piensa en la edad y más aún en el cáncer, pareciera difícil comprender que cada día surgen y se renuevan los sueños y los proyectos. Liber Forti hace que esto sea una oportunidad para seguir viviendo, pues está convencido de que le falta hacer todo desde los comienzos.
"Tengo planeado en los próximos meses un viaje a Francia y Grecia, invitado por amigos que quieren seguir hablando de teatro… la enfermedad está ahí pero en vez de que sea un obstáculo, es una oportunidad, uno renace después de eso aunque pago las consecuencias día a día pero… ¡carajo, la vida es linda!".
Liber Forti, es simplemente un "hombre de alpargatas", así se define él, una bizarra expresión para explicar la personalidad de alguien que solo refleja sencillez, generosidad y un corazón lleno de agradecimiento.
FITAZ No Pirex, de Armatrux
En el marco del Fitaz 2012, el grupo Armatrux, de Brasil, se presentó el domingo en el Teatro Municipal con la obra No Pirex.
En un extraño y extravagante sitio, que bien podría ser el purgatorio, el infierno o simplemente la representación simbólica del mundo y la vida, cuatro oscuros clows: dos garzones, una cocinera y la administradora del lugar, pasan el tiempo preparando una grotesca y repetida cena para un viejo comensal.
Los patéticos integrantes de este patio de comidas, que es el mundo, preparan la mesa, la vajilla, la cocina, la comida y las bebidas. Simulan que cocinan, simulan que sirven, que beben y comen.
Los oscuros servidores todo lo expulsan, vomitan, escupen, matan. El comensal se come los platos y sangra cada vez que lo hace. El servir y el comer tiene un ritual dantesco, repetido, exagerado y absurdo. Mientras preparan la última cena que será siempre la primera y viceversa, transcurre la no existencia.
No Pirex es una poética y visual metáfora del sin sentido de la vida que vociferó el existencialismo, pero con entrañable humor latino, con sabor de Brasil.
Rechazando lo que ocurre en el escenario, el espectador termina por valorar y amar la vida. Porque la vida es todo lo contrario de lo que ocurre en ese amenazante y desolador sitio. Pero es cierto que mientras comemos para vivir, la vida pasa y nos va dejando con los huesos cansados y con bastante tiempo para reflexionar en nuestra última cena.
Esto es lo que narran los actores de Armatrux, sin pronunciar palabras o con sólo unos primigenios gruñidos. Un trabajo actoral, individual y colectivo sin fisuras, con una sólida técnica, experiencia e inocultable gusto, alegría y pasión por lo que se hace sobre el escenario. Homogéneo al más alto nivel. Una dramaturgia sugerente y cautivante. Un producto acabado hasta en el último detalle.
(Director: Eid Ribeiro. Elenco: Cristiano Araujo, Eduardo Machado, Paula Manata, Raquel Pedras y Tina Dias).
En un extraño y extravagante sitio, que bien podría ser el purgatorio, el infierno o simplemente la representación simbólica del mundo y la vida, cuatro oscuros clows: dos garzones, una cocinera y la administradora del lugar, pasan el tiempo preparando una grotesca y repetida cena para un viejo comensal.
Los patéticos integrantes de este patio de comidas, que es el mundo, preparan la mesa, la vajilla, la cocina, la comida y las bebidas. Simulan que cocinan, simulan que sirven, que beben y comen.
Los oscuros servidores todo lo expulsan, vomitan, escupen, matan. El comensal se come los platos y sangra cada vez que lo hace. El servir y el comer tiene un ritual dantesco, repetido, exagerado y absurdo. Mientras preparan la última cena que será siempre la primera y viceversa, transcurre la no existencia.
No Pirex es una poética y visual metáfora del sin sentido de la vida que vociferó el existencialismo, pero con entrañable humor latino, con sabor de Brasil.
Rechazando lo que ocurre en el escenario, el espectador termina por valorar y amar la vida. Porque la vida es todo lo contrario de lo que ocurre en ese amenazante y desolador sitio. Pero es cierto que mientras comemos para vivir, la vida pasa y nos va dejando con los huesos cansados y con bastante tiempo para reflexionar en nuestra última cena.
Esto es lo que narran los actores de Armatrux, sin pronunciar palabras o con sólo unos primigenios gruñidos. Un trabajo actoral, individual y colectivo sin fisuras, con una sólida técnica, experiencia e inocultable gusto, alegría y pasión por lo que se hace sobre el escenario. Homogéneo al más alto nivel. Una dramaturgia sugerente y cautivante. Un producto acabado hasta en el último detalle.
(Director: Eid Ribeiro. Elenco: Cristiano Araujo, Eduardo Machado, Paula Manata, Raquel Pedras y Tina Dias).
El Duende y la Luna traen una fábula aymara
El elenco del Teatro el Purgatorio repone una obra que le mereció el primer lugar en un festival boliviano.
Un duende enamorado de la luna, un valiente zorro azul y una niña que deberá bailar para salvar a su pueblo son parte de los 16 pequeños personajes que, manipulados por dos titiriteros del elenco del Teatro el Purgatorio, narrarán la historia de El duende y la luna, hoy, a las 10.30, en el Cine Teatro 6 de Agosto.
La puesta, que ingresa en el género de títeres de guante, tiene como creador a Raúl Beltrán, y como animadores, a Martín Céspedes y Roberto Espinal. La obra cuenta la historia de un pueblo que se olvidó de agradecer a la madre naturaleza por todo lo que le brinda, por ello, el Sajra (espíritu maligno) aprovecha y manda una maldición y desde entonces nada crece en las montañas, los animales no tienen crías ni las mujeres hijos, describe Céspedes. Añade que la salvación del pueblo está en las manos de la niña Paulina.
Sobre la obra. De acuerdo con Céspedes, la obra, de 50 minutos de duración, fue escrita en un proceso que duró 15 años y recién en 2007 salió al escenario. Ese mismo año, en el Teatro Municipal, participó en el Festival Nacional de Títeres y Muñecos Animados (Festiñecos), en el que obtuvo el Premio a la Mejor Obra.
El animador confiesa, respecto del guión, que a veces los procesos creativos “duran más de lo que uno quisiera y fue en 2007 cuando con Raúl asumimos el reto de montar la obra como tal. Después se integró Roberto Espinal para hacer la versión final que se presentará mañana”.
Con más de 50 funciones, la obra se escenificó en países como Perú y Paraguay, y en Bolivia, en las principales ciudades y provincias.
En el escenario se utiliza la imagen y el movimiento, y algo que sobresale en el guión, comenta Céspedes, es que algunas palabras en aymara no es necesario traducirlas para que los niños las entiendan, lo que le sorprende.
Al final, el mensaje apela al respeto a la madre naturaleza (Pachamama), a no olvidarse de ella y a celebrarla como se merece.
“A pesar de que los títeres no son de gran tamaño, se utiliza mucho la imagen y el movimiento; las palabras en aymara
son referenciales”.
Martín Céspedes / TEATRO EL PURGATORIO
Teatro el Purgatorio, con 27 años de trayectoria. Se fundó en 1985 con Raúl Beltrán y otros actores. Desde hace 10 años cuenta con un elenco estable: Raúl Beltrán, Roberto Espinal, Alejandro Beltrán, Clarivel Loayza, Sharon Cordero y Martín Céspedes. Las obras Cuando sale la luna (premio municipal de teatro Raúl Salmón 2010), El Rey León (basado en un cuento caribeño) y El pincel mágico (títeres) son parte de las producciones de Teatro el Purgatorio. Actualmente preparan la obra Tirante el Blanco, una obra para adultos, que se estrenará en junio.
10 bolivianos es el precio de las entradas para la función de hoy, a las 10.30.
11.00 Se presenta el elenco del Teatro Grito y Teatro la Cueva con la obra Fuera de sí, en la calle 5 de Mallasa.
18.45 El Búnker y Reciclaje Producciones presentan la obra La muerte de un actor, en el Teatro de Cámara.
18.45 Los actores de Imákina Comunidad Teatral reponen la obra En silencio, en el Modesta Sanjinés de la Casa de la Cultura.
20.00 Se presenta la obra Hamlet de los Andes, del Teatro Los Andes, en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.
22.00 Teatro Liberavi pone en el escenario la obra La Paz, sus historias, en el ex Círculo Israelita, Landaeta 346.
Un duende enamorado de la luna, un valiente zorro azul y una niña que deberá bailar para salvar a su pueblo son parte de los 16 pequeños personajes que, manipulados por dos titiriteros del elenco del Teatro el Purgatorio, narrarán la historia de El duende y la luna, hoy, a las 10.30, en el Cine Teatro 6 de Agosto.
La puesta, que ingresa en el género de títeres de guante, tiene como creador a Raúl Beltrán, y como animadores, a Martín Céspedes y Roberto Espinal. La obra cuenta la historia de un pueblo que se olvidó de agradecer a la madre naturaleza por todo lo que le brinda, por ello, el Sajra (espíritu maligno) aprovecha y manda una maldición y desde entonces nada crece en las montañas, los animales no tienen crías ni las mujeres hijos, describe Céspedes. Añade que la salvación del pueblo está en las manos de la niña Paulina.
Sobre la obra. De acuerdo con Céspedes, la obra, de 50 minutos de duración, fue escrita en un proceso que duró 15 años y recién en 2007 salió al escenario. Ese mismo año, en el Teatro Municipal, participó en el Festival Nacional de Títeres y Muñecos Animados (Festiñecos), en el que obtuvo el Premio a la Mejor Obra.
El animador confiesa, respecto del guión, que a veces los procesos creativos “duran más de lo que uno quisiera y fue en 2007 cuando con Raúl asumimos el reto de montar la obra como tal. Después se integró Roberto Espinal para hacer la versión final que se presentará mañana”.
Con más de 50 funciones, la obra se escenificó en países como Perú y Paraguay, y en Bolivia, en las principales ciudades y provincias.
En el escenario se utiliza la imagen y el movimiento, y algo que sobresale en el guión, comenta Céspedes, es que algunas palabras en aymara no es necesario traducirlas para que los niños las entiendan, lo que le sorprende.
Al final, el mensaje apela al respeto a la madre naturaleza (Pachamama), a no olvidarse de ella y a celebrarla como se merece.
“A pesar de que los títeres no son de gran tamaño, se utiliza mucho la imagen y el movimiento; las palabras en aymara
son referenciales”.
Martín Céspedes / TEATRO EL PURGATORIO
Teatro el Purgatorio, con 27 años de trayectoria. Se fundó en 1985 con Raúl Beltrán y otros actores. Desde hace 10 años cuenta con un elenco estable: Raúl Beltrán, Roberto Espinal, Alejandro Beltrán, Clarivel Loayza, Sharon Cordero y Martín Céspedes. Las obras Cuando sale la luna (premio municipal de teatro Raúl Salmón 2010), El Rey León (basado en un cuento caribeño) y El pincel mágico (títeres) son parte de las producciones de Teatro el Purgatorio. Actualmente preparan la obra Tirante el Blanco, una obra para adultos, que se estrenará en junio.
10 bolivianos es el precio de las entradas para la función de hoy, a las 10.30.
11.00 Se presenta el elenco del Teatro Grito y Teatro la Cueva con la obra Fuera de sí, en la calle 5 de Mallasa.
18.45 El Búnker y Reciclaje Producciones presentan la obra La muerte de un actor, en el Teatro de Cámara.
18.45 Los actores de Imákina Comunidad Teatral reponen la obra En silencio, en el Modesta Sanjinés de la Casa de la Cultura.
20.00 Se presenta la obra Hamlet de los Andes, del Teatro Los Andes, en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.
22.00 Teatro Liberavi pone en el escenario la obra La Paz, sus historias, en el ex Círculo Israelita, Landaeta 346.
El Teatro celebra su día en las calles
Con una exposición de afiches de obras teatrales desde sus primeros años en nuestra capital y en Bolivia, arrancaron ayer en la Manzana Uno, las actividades de festejos por el Día Mundial del Teatro, establecido por la ONU.
Repertorio variado. Dentro del marco del programa oficial realizado por la Asociación Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (Asatt) en conjunto con el grupo de teatro Lu-k, hoy están organizando la presentación de la compañía de teatro El Taller, que recreará la obra El Ávaro, de Moliere, en la Casa de la Cultura a las 10.00. El ingreso gratuito.
Talleres. En la celebración se realizará tres talleres dirigidos por jóvenes y consagrados maestros de las tablas. Porfirio Azogue dictará su especialidad en la Biblioteca Municipal; Roberto Kim enseñará en la Casa de la Cultura; y María Delicia Landívar, en el Centro Cultural Franco Alemán en horario simultáneo de 14.00 a 18.00, para luego concentrarse junto a los estudiantes del taller e improvisar actuaciones.
Caravana. Artistas renombrados junto al grupo de jóvenes amantes del arte teatral, realizarán la caravana artística donde estarán los actores de la obra teatral ganadora del Tiqui 2012 "El corral de Bernarda", alentando el evento junto a otros actores, para concluir en una presentación conjunta.
Al concluir la cita se realizará la lectura de un manifiesto en honor al Día Mundial del Teatro, a cargo de los máximos exponentes de las tablas en la ciudad
Festejo
Día mundial del teatro. El 27 de marzo es una fecha muy especial. Se celebra, como todos los años el Día Mundial del Teatro, pero este año se cumplen cincuenta desde que el Instituto Internacional del Teatro de la Unesco lo instauró promoviendo anualmente la difusión de un mensaje escrito por una personalidad del mundo del teatro. El reconocido actor, productor, guionista y director estadounidense, John Malkovich pronunciará el mensaje.
Repertorio variado. Dentro del marco del programa oficial realizado por la Asociación Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (Asatt) en conjunto con el grupo de teatro Lu-k, hoy están organizando la presentación de la compañía de teatro El Taller, que recreará la obra El Ávaro, de Moliere, en la Casa de la Cultura a las 10.00. El ingreso gratuito.
Talleres. En la celebración se realizará tres talleres dirigidos por jóvenes y consagrados maestros de las tablas. Porfirio Azogue dictará su especialidad en la Biblioteca Municipal; Roberto Kim enseñará en la Casa de la Cultura; y María Delicia Landívar, en el Centro Cultural Franco Alemán en horario simultáneo de 14.00 a 18.00, para luego concentrarse junto a los estudiantes del taller e improvisar actuaciones.
Caravana. Artistas renombrados junto al grupo de jóvenes amantes del arte teatral, realizarán la caravana artística donde estarán los actores de la obra teatral ganadora del Tiqui 2012 "El corral de Bernarda", alentando el evento junto a otros actores, para concluir en una presentación conjunta.
Al concluir la cita se realizará la lectura de un manifiesto en honor al Día Mundial del Teatro, a cargo de los máximos exponentes de las tablas en la ciudad
Festejo
Día mundial del teatro. El 27 de marzo es una fecha muy especial. Se celebra, como todos los años el Día Mundial del Teatro, pero este año se cumplen cincuenta desde que el Instituto Internacional del Teatro de la Unesco lo instauró promoviendo anualmente la difusión de un mensaje escrito por una personalidad del mundo del teatro. El reconocido actor, productor, guionista y director estadounidense, John Malkovich pronunciará el mensaje.
Nace la escuela de espectadores en Bolivia
Hoy se celebra el Día Mundial del Teatro y en La Paz se inicia un emprendimiento que motivará la reflexión y la crítica en el público.
Generar un espacio de reflexión, estudio, discusión y crítica sobre espectáculos teatrales, en un principio, es el objetivo de la Escuela de Espectadores que hoy nace en Bolivia, justamente en el Día Mundial del Teatro, según Omar Rocha, coordinador de ésta y docente de la Carrera de Literatura de la UMSA. La sesión inaugural será hoy a las 10.30 en el Auditorio del Espacio Simón I. Patiño, cuando se hará una crítica sobre la obra Hamlet, del Teatro de los Andes, y en la que participarán Pablo Mascareño, responsable de coordinación de la Escuela de Espectadores de Mar del Plata, Argentina; Paolo Nalli, director general de Teatro de Los Andes, y Diego Aramburo, director de la obra, informa el Espacio Patiño. Al finalizar, a las 12.00, se realizará un brindis de honor. Por otro lado, el coordinador también informa que el 9 de abril se llevará a cabo una sesión en la que se tocará la significación de Hamlet en general para el teatro, la cual se desarrollará también en el Espacio Patiño a las 19.00.
un espacio para el público. Según Rocha, la idea de la escuela es, luego de ver las obras, dialogar con los directores y actores de ellas. Después se dará paso a algún especialista en teatro para conformar una sesión crítica.
La escuela está dirigida al público en general, que no está directamente relacionado con las artes escénicas pero que tiene interés en ir más allá de los mismos espectáculos. Durante el año se realizarán por lo menos tres actividades similares con otras obras de autores bolivianos: Eduardo Calla y Percy Jiménez, entre otros. Esta actividad dependerá, más que nada, de las obras en cartelera en La Paz, que se espera, este año, sean varias. La Escuela de Espectadores en La Paz sigue los pasos de la que fue fundada en Buenos Aires, Argentina, por el crítico teatral Jorge Dubatti.
Expectativas futuras. Respecto de lo que se espera de este emprendimiento, Rocha afirma que lo más importante este año es iniciar la escuela y darla a conocer entre el público. En un futuro, el camino puede diversificarse hacia una actividad más continua y hacia otras artes. “Hay ideas de que no solamente se quede en el teatro, sino que se extienda hacia el cine, analizar y discutir algunas películas en cartelera con los espectadores. Esperamos poder hacerlo”, sostiene Rocha. Acerca de los requisitos de participación, indica que la principal exigencia es tener las ganas y la motivación para hacerlo, no hay límites de edad y solamente se cobrará el monto que cubrirá la entrada al espectáculo.
10.30 Es la hora de inicio de la primera sesión de la Escuela de Espectadores en el Espacio Patiño.
5 Es el número de países que cuentan con una escuela de espectadores: México, Argentina, Colombia, Chile y ahora Bolivia.
La escuela de espectadores se inicia en buenos aires, argentina. El Espacio Patiño informa que la escuela de espectadores es un proyecto que comenzó en Buenos Aires en 2001, creado por Jorge Dubatti, docente y crítico teatral de amplia trayectoria en ese país. Debido a los resultados obtenidos, la escuela se “reprodujo” en otras ciudades de América como Santiago de Chile y México D.F., por ejemplo. Desde la llegada de Jorge Dubatti al Fitaz 2010, se pensó repetir la experiencia en La Paz y recién ahora, dos años después, el proyecto se materializa.
Tres fuerzas unidas por un fin común. Son tres instituciones las que dieron lugar a que esta iniciativa se plasme en Bolivia: el Fitaz, a través de su directora, Maritza Wilde; el Espacio Patiño, mediante el apoyo de su directora, Michella Pentimalli, y la Carrera de Literatura de la UMSA, a través de Omar Rocha.
Aparapita, dirigida por Claudia Andrade y llevada a escena por la Compañía de David Mondacca, inauguró el Fitaz 2012 el viernes pasado. En la tradición de No le digas y Los cuartos, Aparapita lleva al espectador de viaje por el mundo de Jaime Saenz, en el que la libertad es encarnada por hombres harapientos que viven y mueren bajo sus propios términos. La estética del inframundo, bellísima a su manera, y las excelentes actuaciones, entre las que hay que destacar a María Elena Alcoreza y Rodrigo Ayo, hacen de la obra una experiencia intensa y por momentos conmovedora.
La primera obra internacional en presentarse en el Fitaz fue No Pirex, del grupo brasileño Armatrux. En absoluto silencio, tres actores y dos actrices nos sumergieron también en una especie de inframundo en blanco y negro, esta vez habitado por seres tiernos y grotescos que hilaban relaciones entre sí, pasando reiteradamente del horror a la risa y de la pausa al desenfreno. Puede decirse que la obra trata de la decadencia, o de las relaciones entre amos y sirvientes, pero la verdad es que la temática pasa a segundo plano frente a lo magistral de la concepción estética y del excelente trabajo actoral.
Generar un espacio de reflexión, estudio, discusión y crítica sobre espectáculos teatrales, en un principio, es el objetivo de la Escuela de Espectadores que hoy nace en Bolivia, justamente en el Día Mundial del Teatro, según Omar Rocha, coordinador de ésta y docente de la Carrera de Literatura de la UMSA. La sesión inaugural será hoy a las 10.30 en el Auditorio del Espacio Simón I. Patiño, cuando se hará una crítica sobre la obra Hamlet, del Teatro de los Andes, y en la que participarán Pablo Mascareño, responsable de coordinación de la Escuela de Espectadores de Mar del Plata, Argentina; Paolo Nalli, director general de Teatro de Los Andes, y Diego Aramburo, director de la obra, informa el Espacio Patiño. Al finalizar, a las 12.00, se realizará un brindis de honor. Por otro lado, el coordinador también informa que el 9 de abril se llevará a cabo una sesión en la que se tocará la significación de Hamlet en general para el teatro, la cual se desarrollará también en el Espacio Patiño a las 19.00.
un espacio para el público. Según Rocha, la idea de la escuela es, luego de ver las obras, dialogar con los directores y actores de ellas. Después se dará paso a algún especialista en teatro para conformar una sesión crítica.
La escuela está dirigida al público en general, que no está directamente relacionado con las artes escénicas pero que tiene interés en ir más allá de los mismos espectáculos. Durante el año se realizarán por lo menos tres actividades similares con otras obras de autores bolivianos: Eduardo Calla y Percy Jiménez, entre otros. Esta actividad dependerá, más que nada, de las obras en cartelera en La Paz, que se espera, este año, sean varias. La Escuela de Espectadores en La Paz sigue los pasos de la que fue fundada en Buenos Aires, Argentina, por el crítico teatral Jorge Dubatti.
Expectativas futuras. Respecto de lo que se espera de este emprendimiento, Rocha afirma que lo más importante este año es iniciar la escuela y darla a conocer entre el público. En un futuro, el camino puede diversificarse hacia una actividad más continua y hacia otras artes. “Hay ideas de que no solamente se quede en el teatro, sino que se extienda hacia el cine, analizar y discutir algunas películas en cartelera con los espectadores. Esperamos poder hacerlo”, sostiene Rocha. Acerca de los requisitos de participación, indica que la principal exigencia es tener las ganas y la motivación para hacerlo, no hay límites de edad y solamente se cobrará el monto que cubrirá la entrada al espectáculo.
10.30 Es la hora de inicio de la primera sesión de la Escuela de Espectadores en el Espacio Patiño.
5 Es el número de países que cuentan con una escuela de espectadores: México, Argentina, Colombia, Chile y ahora Bolivia.
La escuela de espectadores se inicia en buenos aires, argentina. El Espacio Patiño informa que la escuela de espectadores es un proyecto que comenzó en Buenos Aires en 2001, creado por Jorge Dubatti, docente y crítico teatral de amplia trayectoria en ese país. Debido a los resultados obtenidos, la escuela se “reprodujo” en otras ciudades de América como Santiago de Chile y México D.F., por ejemplo. Desde la llegada de Jorge Dubatti al Fitaz 2010, se pensó repetir la experiencia en La Paz y recién ahora, dos años después, el proyecto se materializa.
Tres fuerzas unidas por un fin común. Son tres instituciones las que dieron lugar a que esta iniciativa se plasme en Bolivia: el Fitaz, a través de su directora, Maritza Wilde; el Espacio Patiño, mediante el apoyo de su directora, Michella Pentimalli, y la Carrera de Literatura de la UMSA, a través de Omar Rocha.
Aparapita, dirigida por Claudia Andrade y llevada a escena por la Compañía de David Mondacca, inauguró el Fitaz 2012 el viernes pasado. En la tradición de No le digas y Los cuartos, Aparapita lleva al espectador de viaje por el mundo de Jaime Saenz, en el que la libertad es encarnada por hombres harapientos que viven y mueren bajo sus propios términos. La estética del inframundo, bellísima a su manera, y las excelentes actuaciones, entre las que hay que destacar a María Elena Alcoreza y Rodrigo Ayo, hacen de la obra una experiencia intensa y por momentos conmovedora.
La primera obra internacional en presentarse en el Fitaz fue No Pirex, del grupo brasileño Armatrux. En absoluto silencio, tres actores y dos actrices nos sumergieron también en una especie de inframundo en blanco y negro, esta vez habitado por seres tiernos y grotescos que hilaban relaciones entre sí, pasando reiteradamente del horror a la risa y de la pausa al desenfreno. Puede decirse que la obra trata de la decadencia, o de las relaciones entre amos y sirvientes, pero la verdad es que la temática pasa a segundo plano frente a lo magistral de la concepción estética y del excelente trabajo actoral.
Música y teatro en la antesala barroca
La apertura del IX Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana “Misiones de Chiquitos”, convocó a más de un centenar de personas quienes disfrutaron de la propuesta musical y teatral en la Manzana Uno.
Antesala. Para el magno evento se habilitó un escenario en el centro de la ciudad. La Manzana Uno recibió al público que llegó con casi media hora de anticipación para disfrutar del recital a cargo de notables músicos.
Comenzó con el recital del francés Jean Marie Olive, que tocó el orgue de Barbarie (instrumento típico de Francia), para luego continuar con el Ensemble de Vientos del Sistema de Coros y Orquestas (Sicor); y para concluir se cerró con el teatro callejero de Humanas.
El evento. Luego se realizó una feria informativa sobre las diferentes actividades que se realizarán del 26 de abril al 6 de mayo tanto en la capital oriental, como en la Chiquitania, Porongo, Buenavista y por primera vez en el sur de país en Villamontes.
Antesala. Para el magno evento se habilitó un escenario en el centro de la ciudad. La Manzana Uno recibió al público que llegó con casi media hora de anticipación para disfrutar del recital a cargo de notables músicos.
Comenzó con el recital del francés Jean Marie Olive, que tocó el orgue de Barbarie (instrumento típico de Francia), para luego continuar con el Ensemble de Vientos del Sistema de Coros y Orquestas (Sicor); y para concluir se cerró con el teatro callejero de Humanas.
El evento. Luego se realizó una feria informativa sobre las diferentes actividades que se realizarán del 26 de abril al 6 de mayo tanto en la capital oriental, como en la Chiquitania, Porongo, Buenavista y por primera vez en el sur de país en Villamontes.
A reír con Tra-la-la
Con todo un arsenal de humor llega Tra-la-la junto a Jenny Serrano de Champagne Show y Vicente Valenzuela, con el fin de festejar sus 30 años de vida humorística, en Santa Cruz.
Esta vez se presentará este grupo de talentosos actores en el Teatro René Moreno, el 30 y 31 de este mes y el 1 de abril. En este nuevo show se hará un recuerdo de los inicios de Tra-la-la, cuando actuaba Jenny Serrano acompañada de Daniel Travesí, que sin duda hará reír a más de uno.
Lo que se podrá ver. Sin duda alguna que se reirá de principio a fin, con las ocurrencias de la Satuca, el lustrabotas, los árabes, Tina Turner, Horacio Aumentado, magia de primer nivel, las cholitas imitadoras, esto siempre acompañado con el toque de buena música y baile que están acostumbrados a mostrar Tra-la-la. Junto con ellos estará Vicente Valenzuela, quien armado con su guitarra conquistará al público desde el principio haciendo una noche fiestera y alegre.
Con tecnología de primera. Sin duda que la gran novedad es que en una de las partes del show, se podrá ver en el escenario a Peter Travesí (+), con el personaje del charanguito, quien sostendrá una charla con su sobrino Manolo Molina. Será simplemente un show de lujo donde toda la familia se divertirá.
Un poco de la historia. El nacimiento de Tra-la-la se remonta a noviembre de 1981, cuando Peter Travesí y Denis Lacunza unieron talentos a fin de crear un grupo de teatro cómico musical para el público infantil, luego hicieron humor para mayores.
Esta vez se presentará este grupo de talentosos actores en el Teatro René Moreno, el 30 y 31 de este mes y el 1 de abril. En este nuevo show se hará un recuerdo de los inicios de Tra-la-la, cuando actuaba Jenny Serrano acompañada de Daniel Travesí, que sin duda hará reír a más de uno.
Lo que se podrá ver. Sin duda alguna que se reirá de principio a fin, con las ocurrencias de la Satuca, el lustrabotas, los árabes, Tina Turner, Horacio Aumentado, magia de primer nivel, las cholitas imitadoras, esto siempre acompañado con el toque de buena música y baile que están acostumbrados a mostrar Tra-la-la. Junto con ellos estará Vicente Valenzuela, quien armado con su guitarra conquistará al público desde el principio haciendo una noche fiestera y alegre.
Con tecnología de primera. Sin duda que la gran novedad es que en una de las partes del show, se podrá ver en el escenario a Peter Travesí (+), con el personaje del charanguito, quien sostendrá una charla con su sobrino Manolo Molina. Será simplemente un show de lujo donde toda la familia se divertirá.
Un poco de la historia. El nacimiento de Tra-la-la se remonta a noviembre de 1981, cuando Peter Travesí y Denis Lacunza unieron talentos a fin de crear un grupo de teatro cómico musical para el público infantil, luego hicieron humor para mayores.
Jaime mejía expone paisajes otoñales
“Paisajes otoñales lacustres”, es el nombre de la muestra pictórica del artista plástico Jaime Mejía, quien pone su obra a consideración del público hasta el 31 de marzo, en el salón de exposición de Casa Alzérreca.
Con el auspicio de la Casa de la Libertad, el pintor Mejía expone su arte en la técnica de óleo sobre lienzo con pincel y espátula. Se trata de una colección de 19 cuadros que representan diferentes paisajes de diversos ecosistemas de Bolivia, con el denominador común de incluir lagos y ríos.
“Los colores son bastantes subidos de tono que sobre todo ocurren en las épocas de floración, entonces he tratado de plasmar todo esto a partir de mi experiencia”, comentó el autor.
Con el auspicio de la Casa de la Libertad, el pintor Mejía expone su arte en la técnica de óleo sobre lienzo con pincel y espátula. Se trata de una colección de 19 cuadros que representan diferentes paisajes de diversos ecosistemas de Bolivia, con el denominador común de incluir lagos y ríos.
“Los colores son bastantes subidos de tono que sobre todo ocurren en las épocas de floración, entonces he tratado de plasmar todo esto a partir de mi experiencia”, comentó el autor.
Hoy se celebra el Día Mundial del Teatro
Éste 27 de marzo, se celebra el Día Mundial del Teatro, una iniciativa creada en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI) de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).
Este año, además, coincide con un aniversario muy especial ya que se cumplen cincuenta desde que esta institución lo instauró promoviendo la difusión de un mensaje por una personalidad del mundo del teatro.
Para esta edición, la persona elegida ha sido el actor John Malkovich, que suma su nombre a una lista en la que figuran, entre otros, Jean Cocteau, Laurence Olivier, Jean Luis Barrault, Eugene Ionesco, Antonio Gala, Pablo Neruda, Peter Brook, Iakovos Kampanellis, Vaclav Havel o Arthur Miller.
Según el Manifiesto del Teatro 2006 titulado Un rayo de esperanza, "el teatro conmueve, ilumina, incomoda, perturba, exalta, revela, provoca, trasgrede. Es una conversación compartida con la sociedad. El teatro es la primera de las artes que se enfrenta con la nada, las sombras y el silencio para que surjan la palabra, el movimiento, las luces y la vida".
Este año, además, coincide con un aniversario muy especial ya que se cumplen cincuenta desde que esta institución lo instauró promoviendo la difusión de un mensaje por una personalidad del mundo del teatro.
Para esta edición, la persona elegida ha sido el actor John Malkovich, que suma su nombre a una lista en la que figuran, entre otros, Jean Cocteau, Laurence Olivier, Jean Luis Barrault, Eugene Ionesco, Antonio Gala, Pablo Neruda, Peter Brook, Iakovos Kampanellis, Vaclav Havel o Arthur Miller.
Según el Manifiesto del Teatro 2006 titulado Un rayo de esperanza, "el teatro conmueve, ilumina, incomoda, perturba, exalta, revela, provoca, trasgrede. Es una conversación compartida con la sociedad. El teatro es la primera de las artes que se enfrenta con la nada, las sombras y el silencio para que surjan la palabra, el movimiento, las luces y la vida".
EL FITAZ llega a los barrios de La Paz
La octava versión del Festival Internacional de Teatro de La Paz (Fitaz) llegó el fin de semana a los barrios de la urbe paceña.
La comedia El nuevo traje del emperador, del grupo Dabar, se presentó la tarde del sábado en el Espacio Interactivo Pipiripi, en tanto, que el domingo el turno fue de la Compañía El Recoveco, en el parque Bartolina Sisa (Aranjuez), con la obra Los Pájaros.
Dabar logró el tercer lugar en el concurso municipal de teatro Raúl Salmón de la Barra, razón por la cual su presencia en la mayor fiesta teatral de la ciudad forma parte del reconocimiento a la calidad del montaje escénico.
La adaptación de un cuento realizada por la directora del elenco, Paola Gaitán, muestra en tres actos la vanidad y orgullo de las personas que gastan hasta lo que no es suyo con tal de vivir de apariencias.
El grupo lleva dos años de trabajo actoral, particularmente sobre textos cristianos. Forman parte del elenco Valeria Canedo, Jacqueline Candia, Rebeca Pérez, Nohemí Pérez, Gustavo Torres y Paola Gaitán.
Compañía Recoveco Teatro se aproximó al parque Bartolina Sisa bajo la dirección de Cristian Mercado.
Ayer por la noche se presentó en escena la obra Hamlet de los Andes con un elenco boliviano en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.
En tanto que mañana será el turno de España, que llega con la obra 30 grados de frío, de la Compañía El Astillero, algo imperdible en el Teatro Municipal, a partir de las 20.00.
La comedia El nuevo traje del emperador, del grupo Dabar, se presentó la tarde del sábado en el Espacio Interactivo Pipiripi, en tanto, que el domingo el turno fue de la Compañía El Recoveco, en el parque Bartolina Sisa (Aranjuez), con la obra Los Pájaros.
Dabar logró el tercer lugar en el concurso municipal de teatro Raúl Salmón de la Barra, razón por la cual su presencia en la mayor fiesta teatral de la ciudad forma parte del reconocimiento a la calidad del montaje escénico.
La adaptación de un cuento realizada por la directora del elenco, Paola Gaitán, muestra en tres actos la vanidad y orgullo de las personas que gastan hasta lo que no es suyo con tal de vivir de apariencias.
El grupo lleva dos años de trabajo actoral, particularmente sobre textos cristianos. Forman parte del elenco Valeria Canedo, Jacqueline Candia, Rebeca Pérez, Nohemí Pérez, Gustavo Torres y Paola Gaitán.
Compañía Recoveco Teatro se aproximó al parque Bartolina Sisa bajo la dirección de Cristian Mercado.
Ayer por la noche se presentó en escena la obra Hamlet de los Andes con un elenco boliviano en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez.
En tanto que mañana será el turno de España, que llega con la obra 30 grados de frío, de la Compañía El Astillero, algo imperdible en el Teatro Municipal, a partir de las 20.00.
lunes, 26 de marzo de 2012
FITAZ Hamlet de los Andes se estrena esta noche en Bolivia
Diego Aramburo es el director invitado de Teatro Los Andes y lo aclara antes y al final de cualquier entrevista para evitar la confusión de que se piense que es el sustituto de César Brie, el emblemático director y fundador del elenco que tiene como sede a Yotala, Sucre, y que esta noche estrena en Bolivia Hamlet de los Andes, en el marco del Festival Internacional de Teatro de La Paz (FITAZ).
“Yo soy director y fundador de Kikinteatro, en Cochabamba, y fui invitado por Teatro los Andes para dirigir esta obra Hamlet de los Andes”, reitera Aramburo, quien ha obtenido ocho veces el Premio Nacional de Teatro en Bolivia, entre otros logros en su carrera personal.
Así también, precedida de éxitos, el elenco y el director invitado estrenarán hoy y mañana a nivel nacional Hamlet en los Andes, en el Teatro Municipal, a las 20:00.
Una obra-espejo
“Se trata de una obra que en cierta forma refleja al país, lo que está pasando en Teatro los Andes y también en mi vida. Es un ver las raíces de donde venimos, el legado paternal (...) y obviamente nos cuestionamos adónde vamos”, explica el director invitado.
“Personalmente, sabía desde mis cuatro años que mi padre iba a fallecer, lo que ocurrió 13 años después. Es cuando te preguntas de dónde vienes y cuál ha sido esa relación con tu progenitor. Lo mismo ocurre en el país, estamos en tiempos de cambio donde las raíces están siendo revalorizadas, a diferencia de antes y nos encontramos buscando el camino hacia el futuro. Teatro los Andes, que ha decidido crear sus obras de forma colectiva, también vislumbra lo que viene, pues ha cortado con su director fundador César Brie”, explica Aramburo.
Buscando las raíces
Basada en el Hamlet de William Shakespeare, esta pieza se inspira preguntándose: “¿quién es Hamlet?, ¿es apenas un personaje bajo el umbral de una puerta, siempre a punto de atravesarla, pero que jamás consigue decidirse a hacerlo?”.
En Bolivia existen muchos casos de gente que ha perdido la posibilidad de una comprensión del “sí mismo”, a partir de la pérdida de las raíces, según la reseña de la obra y recuerda que el Teatro de los Andes ha montado 21 piezas diferentes, sumando casi 1.500 representaciones en total.
Exitosa en Chile
Esta obra fue estrenada a inicios de este año a nivel internacional en uno de los festivales de teatro más importantes de Chile y cosechó la siguiente crítica publicada en el diario La Nación:
“Es el montaje más valioso, innovador y trascendente entre casi una veintena de títulos vistos durante enero, dentro y fuera del Festival Santiago a Mil. Y cautivó, parece de Perogrullo, por su teatralidad.
Por la manera ingeniosa de resolver dificultades escénicas y por levantar un puente sólido entre la cultura occidental (exclusiva y excluyentemente racional, reflexiva, intelectual, dialogante) y la cultura indígena andina (más intuitiva e instintiva, sensual y sensorial; sin embargo, también íntima, reflexiva y dialogadora).
Y, en especial, porque construye una ecuación escénica en que un hombre, junto con vivir la anécdota de su vida, es capaz de introducirse en los niveles más profundos del alma del ser humano y pasearse, al mismo tiempo, por los andenes de la tragedia, el humor, la comedia, el absurdo y las tradiciones originarias indígenas. En una versión en que Shakespeare aparece en todo su esplendor como gran dramaturgo”.
Aramburo, al hacer una evaluación de la actual situación del teatro boliviano, afirma que si bien existen teatristas muy reconocidos dentro y fuera de las fronteras, aún falta la consolidación de la identidad del teatro local.
“El Estado siempre se ha olvidado del teatro, hablo de este Gobierno y los anteriores, y no hay una infraestructura para una actividad teatral sostenida”, señala el director.
2
fechastiene la obra Hamlet en los Andes para ser apreciada en el FITAZ.
“Yo soy director y fundador de Kikinteatro, en Cochabamba, y fui invitado por Teatro los Andes para dirigir esta obra Hamlet de los Andes”, reitera Aramburo, quien ha obtenido ocho veces el Premio Nacional de Teatro en Bolivia, entre otros logros en su carrera personal.
Así también, precedida de éxitos, el elenco y el director invitado estrenarán hoy y mañana a nivel nacional Hamlet en los Andes, en el Teatro Municipal, a las 20:00.
Una obra-espejo
“Se trata de una obra que en cierta forma refleja al país, lo que está pasando en Teatro los Andes y también en mi vida. Es un ver las raíces de donde venimos, el legado paternal (...) y obviamente nos cuestionamos adónde vamos”, explica el director invitado.
“Personalmente, sabía desde mis cuatro años que mi padre iba a fallecer, lo que ocurrió 13 años después. Es cuando te preguntas de dónde vienes y cuál ha sido esa relación con tu progenitor. Lo mismo ocurre en el país, estamos en tiempos de cambio donde las raíces están siendo revalorizadas, a diferencia de antes y nos encontramos buscando el camino hacia el futuro. Teatro los Andes, que ha decidido crear sus obras de forma colectiva, también vislumbra lo que viene, pues ha cortado con su director fundador César Brie”, explica Aramburo.
Buscando las raíces
Basada en el Hamlet de William Shakespeare, esta pieza se inspira preguntándose: “¿quién es Hamlet?, ¿es apenas un personaje bajo el umbral de una puerta, siempre a punto de atravesarla, pero que jamás consigue decidirse a hacerlo?”.
En Bolivia existen muchos casos de gente que ha perdido la posibilidad de una comprensión del “sí mismo”, a partir de la pérdida de las raíces, según la reseña de la obra y recuerda que el Teatro de los Andes ha montado 21 piezas diferentes, sumando casi 1.500 representaciones en total.
Exitosa en Chile
Esta obra fue estrenada a inicios de este año a nivel internacional en uno de los festivales de teatro más importantes de Chile y cosechó la siguiente crítica publicada en el diario La Nación:
“Es el montaje más valioso, innovador y trascendente entre casi una veintena de títulos vistos durante enero, dentro y fuera del Festival Santiago a Mil. Y cautivó, parece de Perogrullo, por su teatralidad.
Por la manera ingeniosa de resolver dificultades escénicas y por levantar un puente sólido entre la cultura occidental (exclusiva y excluyentemente racional, reflexiva, intelectual, dialogante) y la cultura indígena andina (más intuitiva e instintiva, sensual y sensorial; sin embargo, también íntima, reflexiva y dialogadora).
Y, en especial, porque construye una ecuación escénica en que un hombre, junto con vivir la anécdota de su vida, es capaz de introducirse en los niveles más profundos del alma del ser humano y pasearse, al mismo tiempo, por los andenes de la tragedia, el humor, la comedia, el absurdo y las tradiciones originarias indígenas. En una versión en que Shakespeare aparece en todo su esplendor como gran dramaturgo”.
Aramburo, al hacer una evaluación de la actual situación del teatro boliviano, afirma que si bien existen teatristas muy reconocidos dentro y fuera de las fronteras, aún falta la consolidación de la identidad del teatro local.
“El Estado siempre se ha olvidado del teatro, hablo de este Gobierno y los anteriores, y no hay una infraestructura para una actividad teatral sostenida”, señala el director.
2
fechastiene la obra Hamlet en los Andes para ser apreciada en el FITAZ.
FITAZ- 2012 TEATRO BOGATIR Presenta: "EL PERRO Y LA BRUTAL HISTORIA DEL JUEGO Y LA MALDAD"
Festival Internacional de Teatro de La Paz
FITAZ- 2012
TEATRO BOGATIR
Presenta:
"EL PERRO Y LA BRUTAL HISTORIA DEL JUEGO Y LA MALDAD"
Escrita, dirigida e interpretada por Saúl Alí
Es la fantástica y monstruosa historia de una criatura mitad animal y mitad diablo quien se apodera de un pueblo a plan de apuesta, cerveza y fiesta.
La obra es producto de un proceso de experimentación e investigación teatrales basados en el Teatro de la Crueldad de Antonin Artaud y la propuesta de los Poetas malditos.
Saúl Alí fue merecedor de 6 galardones como mejor actor y mejor dramaturgo en el Premio Nacional de Teatro Peter Travesi y en el Festival Nacional de teatro Bertolt Brecht; entre otros galardones. Fue invitado a Festivales nacionales e internacionales. Es autor de más de una treintena de obras y proximamente parte de sus obras serán publicadas en España y Francia.
UNICA PRESENTACIÓN
CASA DE LA CULTURA
LUNES 2 DE ABRIL
HRS.: 18: 45
Entrada: 30 Bs.
FITAZ- 2012
TEATRO BOGATIR
Presenta:
"EL PERRO Y LA BRUTAL HISTORIA DEL JUEGO Y LA MALDAD"
Escrita, dirigida e interpretada por Saúl Alí
Es la fantástica y monstruosa historia de una criatura mitad animal y mitad diablo quien se apodera de un pueblo a plan de apuesta, cerveza y fiesta.
La obra es producto de un proceso de experimentación e investigación teatrales basados en el Teatro de la Crueldad de Antonin Artaud y la propuesta de los Poetas malditos.
Saúl Alí fue merecedor de 6 galardones como mejor actor y mejor dramaturgo en el Premio Nacional de Teatro Peter Travesi y en el Festival Nacional de teatro Bertolt Brecht; entre otros galardones. Fue invitado a Festivales nacionales e internacionales. Es autor de más de una treintena de obras y proximamente parte de sus obras serán publicadas en España y Francia.
UNICA PRESENTACIÓN
CASA DE LA CULTURA
LUNES 2 DE ABRIL
HRS.: 18: 45
Entrada: 30 Bs.
FITAZ En silencio, de Imákina comunidad, en la casa de la cultura
La obra Silencio, dirigida por Francia Oblitas y Luis García Tornel, del grupo Imákina Comunidad Teatral, se presentará hoy desde las 18.45 en la Sala Modesta Sanjinés de la Casa de la Cultura. La puesta en escena, inspirada en la poesía de Beckett, resume en tres pequeñas piezas unidas tres relaciones de desamor, de encuentro, de imposibilidades, de infelicidad, que conducen al humor de la rutina diaria que agota o que impulsa a seguir viviendo. Tres seres habitando un no lugar, una respiración, tal vez un suspiro.
FITAZ La muerte de un actor, en el teatro de cámara
La muerte de un actor es la obra propuesta por dos companías teatrales: Reciclaje Producciones y Bunker Producciones, que relata de forma cómica y poética las vivencias de un personaje desde su nacimiento y los sucesos que lo construyeron. Dirección y actuación, Antonio Peredo; producción, Carmen Suárez; diseño, Natalia Peña; iluminación, Marcos García Tornel.
Dentro del Marco del IX Festival Internacional de música renacentista y barroca se tiene planeada una megaproducción.
Dentro del marco del IX Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana Misiones de Chiquitos, que arrancará el 26 de abril, se tiene preparada una megaproducción que es la ópera San Ignacio de Loyola, cuyo compositor es anónimo y fue rescatada por el padre Piotr Nawrot del archivo musical de Chiquitos. Esta obra se presentará un solo día, que será el 29 de abril, en San Ignacio de Velasco, afuera de la catedral debido a que se espera una masiva asistencia.
Participantes. En la ópera participarán la Orquesta Sinfónica Hombres Nuevos, el Ensamble Barroco Chiquitano, la Orquesta de Santa Ana de Velasco, la Orquesta de Paz y Bien de la parroquia de San Francisco y 5 solistas que interpretarán a San Ignacio, San Francisco, el demonio y dos ángeles mensajeros. La obra está dirigida por Antoine Duhamel, que es director de la ya mencionada Orquesta Hombres Nuevos, la puesta en escena estará a cargo del Lic. Ariel Muñoz, que prácticamente se encarga de ver toda la escenografía y espacio, pero también hay un trabajo actoral con los que participarán en la ópera, ya que no son actores, sino que son jóvenes que tienen un don artístico en su voz, entonces se tratará de impartirles una técnica de interpretación.
Sobre san ignacio de velasco. Se apuesta a San Ignacio para hacer algo tan grande porque hay una referencia anterior. “Es importante entender el proceso que se está teniendo en San Ignacio, el criterio que está llegando a tener la gente, la política, los empresarios de apostar y valorar su capacidad artística”, señala Ariel Muñoz. Hace un año atrás se montó una obra llamada "Cielo en la Tierra" como parte de un proyecto que reúne a un grupo de gente ignaciana adulta, dedicada a diferentes oficios (electricistas, carpinteros, ganaderos, maestros de escuela, veterinarios, estudiantes). A partir de esto se decidió volver a montar esta opera nuevamente allá y esto demuestra el proceso de algunos gestores culturales con respecto a los pueblos de la Chiquitania boliviana y la importancia de tan reconocido festival como lo es el de música renacentista y barroca para Bolivia.
"A las pocas semanas tenía 8 grupos de teatro de calle formándose, con la única herramienta de la motivación, y eso es muy enriquecedor para San Ignacio o para cualquiera que cree en el teatro".
Lic. Ariel Muñoz
Teatro
Participantes. En la ópera participarán la Orquesta Sinfónica Hombres Nuevos, el Ensamble Barroco Chiquitano, la Orquesta de Santa Ana de Velasco, la Orquesta de Paz y Bien de la parroquia de San Francisco y 5 solistas que interpretarán a San Ignacio, San Francisco, el demonio y dos ángeles mensajeros. La obra está dirigida por Antoine Duhamel, que es director de la ya mencionada Orquesta Hombres Nuevos, la puesta en escena estará a cargo del Lic. Ariel Muñoz, que prácticamente se encarga de ver toda la escenografía y espacio, pero también hay un trabajo actoral con los que participarán en la ópera, ya que no son actores, sino que son jóvenes que tienen un don artístico en su voz, entonces se tratará de impartirles una técnica de interpretación.
Sobre san ignacio de velasco. Se apuesta a San Ignacio para hacer algo tan grande porque hay una referencia anterior. “Es importante entender el proceso que se está teniendo en San Ignacio, el criterio que está llegando a tener la gente, la política, los empresarios de apostar y valorar su capacidad artística”, señala Ariel Muñoz. Hace un año atrás se montó una obra llamada "Cielo en la Tierra" como parte de un proyecto que reúne a un grupo de gente ignaciana adulta, dedicada a diferentes oficios (electricistas, carpinteros, ganaderos, maestros de escuela, veterinarios, estudiantes). A partir de esto se decidió volver a montar esta opera nuevamente allá y esto demuestra el proceso de algunos gestores culturales con respecto a los pueblos de la Chiquitania boliviana y la importancia de tan reconocido festival como lo es el de música renacentista y barroca para Bolivia.
"A las pocas semanas tenía 8 grupos de teatro de calle formándose, con la única herramienta de la motivación, y eso es muy enriquecedor para San Ignacio o para cualquiera que cree en el teatro".
Lic. Ariel Muñoz
Teatro
"Claudina… la mentirosita", interesante obra presentada por teatro nacional
La obra de la Compañía Nacional de Comedia Realidades "Claudina… la mentirosita", enmarcada en el teatro social costumbrista, presentada el fin de semana, tuvo una buena acogida de parte del público orureño, destacando el interesante argumento que se presentó, siendo aplaudido por los asistentes al Teatro Palais Concert en funciones de matiné y tanda.
La obra, Claudina la… mentirosita, presenta a una joven que por no estar satisfecha con su posición social y económica, empieza a conseguir una serie de caprichos a costa de la "mentira", que envuelve al entorno de su familia. Es así que el padre Jerónimo es envuelto en una calumnia de palabras mayores, llegando al extremo que fue expulsado del conventillo a consecuencia de la mentira de Claudina, que dijo ser acosada por el religioso. El argumento estuvo basado en la fiesta del barrio y en la cual se realiza una entrada folklórica, con danzas como de la morenada, el caporal y la cullaguada.
La trama se realizó en tres actos, que estuvo mimetizado con mucha risa, música, danza, para el agrado del público asistente que quedó satisfecho de haber pasado momentos gratos y sobretodo haber captado el mensaje que tiene la obra. La dirección de la Compañía Nacional de Comedia Realidades, estuvo a cargo de Raúl Villarroel.
El elenco de Claudina… la mentirosita, estuvo integrado por figuras reconocidas del teatro nacional, como Ruth Severich, Tito Fernández, Maricruz Pumarino, Reyman Tancara, Marcelo Fernández, entre otros.
La obra, Claudina la… mentirosita, presenta a una joven que por no estar satisfecha con su posición social y económica, empieza a conseguir una serie de caprichos a costa de la "mentira", que envuelve al entorno de su familia. Es así que el padre Jerónimo es envuelto en una calumnia de palabras mayores, llegando al extremo que fue expulsado del conventillo a consecuencia de la mentira de Claudina, que dijo ser acosada por el religioso. El argumento estuvo basado en la fiesta del barrio y en la cual se realiza una entrada folklórica, con danzas como de la morenada, el caporal y la cullaguada.
La trama se realizó en tres actos, que estuvo mimetizado con mucha risa, música, danza, para el agrado del público asistente que quedó satisfecho de haber pasado momentos gratos y sobretodo haber captado el mensaje que tiene la obra. La dirección de la Compañía Nacional de Comedia Realidades, estuvo a cargo de Raúl Villarroel.
El elenco de Claudina… la mentirosita, estuvo integrado por figuras reconocidas del teatro nacional, como Ruth Severich, Tito Fernández, Maricruz Pumarino, Reyman Tancara, Marcelo Fernández, entre otros.
Valerie Monic “Soy una irreverente actriz”
Esta hermosa cochabambina es una de las mejores modelos bolivianas en la actualidad cuya vida está dedicada íntegramente a la moda ya que aparte de ser modelo es licenciada en Diseño de Modas en la ciudad de Santa Cruz. Aprovechando su traslado a nuestra sede de gobierno, La Guía pudo hacerle una entrevista dentro de su apretada agenda.
¿Quién es Valerie Monic lejos de las sesiones fotográficas y el glamour?
Siempre es la misma.
¿Cuáles fueron tus primeros pasos frente a un lente?
A los 8 años se celebraba un cumpleaños en casa y había una cámara preparada para la ocasión. Vi la cámara de mi mami y procedí con una sesión de fotos completa, no dejando una sola foto para el festejo. Fue una sesión exitosa, hasta hoy es tema.
¿Es muy exigente el mundo del modelaje en nuestro medio?
Contrariamente a todo lo que se piensa, realmente no es un mundo aparte. Tiene sus realidades, pros y contras como toda actividad laboral que uno pueda realizar.
¿Con qué grandes diseñadores has trabajado hasta el momento?
Soy una gran admiradora del diseño en general y de los diseñadores en particular. Todos son grandes para mí.
¿Has hecho trabajos en el exterior? ¿Cuáles?
He participado en exposiciones y eventos en Santiago y en Lima. Tuve presentaciones, participé en spots publicitarios y varias producciones de moda.
Las fotografías que realizas son bastante conceptuales ¿Orientas todos tus trabajos para que sean así o todo depende del cliente?
Es una grata coincidencia que usualmente me contraten para desarrollar temas conceptuales ya que es donde mejor me desenvuelvo… ¡Soy una irreverente actriz!
¿Cuál fue la mejor experiencia en tu carrera como modelo?
Me gusta mucho la expresión “Vivo cada amor como el mejor”. Es así también en el modelaje, todas mis experiencias son fantásticas por lo que me es complicado aseverar que una haya sido la mejor.
Cuál fue tu paso por la televisión?
Fui copresentadora del programa musical y de espectáculo Showcase que se emitía por ATB. Estuve presentando también el último ATB Ferial.
¿Al momento priorizarás tu carrera como modelo o como diseñadora recién graduada que eres? ¿O será algo paralelo?
El diseño es mi pasión y el modelaje la adrenalina. Ser diseñadora es el “cupcake” y el modelaje el “cherry”.
¿Cuál es tu mayor aspiración en el modelaje?
Revolucionar el concepto para un medio que busca algo nuevo.
Fecha y lugar de nacimiento: 8 de Enero del 90, Cochabamba.
Estatura: 1,69.
Medidas: 85-58-85.
Aficiones, vicios y hobbies: Ir al gim, salir entre amigos, compras, comer y dormir.
Trabajos más importantes que hayas realizado: Todos son lo máximo, me enseñan, divierten y remuneran.
¿Quién es Valerie Monic lejos de las sesiones fotográficas y el glamour?
Siempre es la misma.
¿Cuáles fueron tus primeros pasos frente a un lente?
A los 8 años se celebraba un cumpleaños en casa y había una cámara preparada para la ocasión. Vi la cámara de mi mami y procedí con una sesión de fotos completa, no dejando una sola foto para el festejo. Fue una sesión exitosa, hasta hoy es tema.
¿Es muy exigente el mundo del modelaje en nuestro medio?
Contrariamente a todo lo que se piensa, realmente no es un mundo aparte. Tiene sus realidades, pros y contras como toda actividad laboral que uno pueda realizar.
¿Con qué grandes diseñadores has trabajado hasta el momento?
Soy una gran admiradora del diseño en general y de los diseñadores en particular. Todos son grandes para mí.
¿Has hecho trabajos en el exterior? ¿Cuáles?
He participado en exposiciones y eventos en Santiago y en Lima. Tuve presentaciones, participé en spots publicitarios y varias producciones de moda.
Las fotografías que realizas son bastante conceptuales ¿Orientas todos tus trabajos para que sean así o todo depende del cliente?
Es una grata coincidencia que usualmente me contraten para desarrollar temas conceptuales ya que es donde mejor me desenvuelvo… ¡Soy una irreverente actriz!
¿Cuál fue la mejor experiencia en tu carrera como modelo?
Me gusta mucho la expresión “Vivo cada amor como el mejor”. Es así también en el modelaje, todas mis experiencias son fantásticas por lo que me es complicado aseverar que una haya sido la mejor.
Cuál fue tu paso por la televisión?
Fui copresentadora del programa musical y de espectáculo Showcase que se emitía por ATB. Estuve presentando también el último ATB Ferial.
¿Al momento priorizarás tu carrera como modelo o como diseñadora recién graduada que eres? ¿O será algo paralelo?
El diseño es mi pasión y el modelaje la adrenalina. Ser diseñadora es el “cupcake” y el modelaje el “cherry”.
¿Cuál es tu mayor aspiración en el modelaje?
Revolucionar el concepto para un medio que busca algo nuevo.
Fecha y lugar de nacimiento: 8 de Enero del 90, Cochabamba.
Estatura: 1,69.
Medidas: 85-58-85.
Aficiones, vicios y hobbies: Ir al gim, salir entre amigos, compras, comer y dormir.
Trabajos más importantes que hayas realizado: Todos son lo máximo, me enseñan, divierten y remuneran.
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