martes, 21 de febrero de 2017

Dibujos muestran el cariño de una orureña por sus tradiciones


María Victoria Del Carpio Burgoa es una orureña que por cuestiones de la vida, radicó en diferentes países del mundo, donde siempre destacó que venía de la Capital del Folklore de Bolivia, resaltando su fastuoso Carnaval, pero siempre se quedaba con el sentimiento que podía hacer más, por ello recurrió a sus dotes artísticas del dibujo y creo una colección que muestra las facetas de la Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.

El hall de la Casa de la Cultura "Simón Iturri Patiño", sirve para exponer las 20 obras que realizó Del Carpio, "armada" con su lápiz y colores, creó una a una diferentes imágenes que muestran la fastuosidad de la festividad orureña.

"Es una rememoración histórica de todo lo que es el Carnaval desde sus orígenes, que se remonta al tiempo de los Urus, entonces hice una revisión bibliográfica de todo el material que existe, a partir de ello empecé con los orígenes del Carnaval, las leyendas de las cuatro plagas, del Chiru Chiru y una descripción general de las danzas", refirió Del Carpio.

Su formación como educadora, antes de realizar este trabajo, se ocupó de hacer una investigación exhaustiva del Carnaval de Oruro, sus orígenes y las especialidades que alberga la festividad, por ello la exposición se denomina "Un viaje en el tiempo", donde se muestra el inicio de la historia de la Obra Maestra hasta la actualidad.

Su ausencia por años en Santiago de Chile o en Madrid España, hicieron que pudiera presentarse como orureña y con quienes se encontraba, podía reflejar sus experiencias en el Carnaval, recuerdos que comienzan desde muy pequeña, cuando con toda la familia iban a ver la entrada, para después bailar en los caporales y en la morenada.

"Siempre me preguntaban del Carnaval y entonces todas experiencias que he tenido fuera del país, somos los ciudadanos de a pie, los que damos a conocer nuestra cultura, nuestras costumbres y lo que somos en el día a día", refirió Del Carpio.

Los dibujos a lápiz y colores fueron digitalizados en sus fondos, por Vladimir Choque Villcacuti.

Artistas pictóricos se reúnen en muestra conjunta

Una exposición reúne a un colectivo conformado por tres artistas de trayectoria y tres nóveles, quienes presentan 35 obras. “Visiones del Arte”; la muestra puede verse actualmente en la sala Arturo Borda de la Casa de la Cultura y estará disponible hasta el 10 de marzo.

En ocasión de las fiestas de carnaval, la Secretaría Municipal de Culturas presentó la exposición “Visiones del Arte”, que reúne a los artistas de trayectoria, Alberto Medina, Édgar Cruz y Eusebio Choque, con los jóvenes Vidal Cusi, Corina Aguilar y Freddy Huchani.

La muestra está disponible actualmente en el Salón Arturo Borda de la Casa de la Cultura y podrá verse hasta el 10 de marzo.

A través de 35 obras, los artistas expresan diferentes visiones que reflejan el estilo particular que posee cada uno. El objetivo de la muestra es promover las tradiciones bolivianas dentro del arte.

Lilia Lázaro, responsable de Salas de Exposición de la Casa de la Cultura, manifestó: “La temática es libre, cada artista tuvo la libertad de elegir la forma de expresar sus sentimientos, emociones, su visión, su realidad y su forma de vida”, manifestó.

Son seis creadores unidos por el lenguaje del arte y la tradición del carnaval.

Alberto Medina, al igual que Eusebio Choque y Édgar Cruz, son artistas de reconocida trayectoria que presentaron varias exposiciones en salas del país. Cuentan, además, con premios y reconocimientos.

Por su parte, Vidal Cussi fue ganador del Gran Premio del Salón de Artes Pedro Domingo Murillo, en varias ocasiones. Corina Aguilar es ganadora del premio en Pintura del Salón Municipal Pedro Domingo Murillo y Freddy Huchani obtuvo varios premios en el país.

Las miniaturas de Artesanías Rosa Boliviana precautelan nuestro folklore


En el salón de exposiciones de la Casa de la Cultura "Simón Iturri Patiño", se muestra el trabajo de Artesanías Rosa Boliviana, que todos los años realizan este tipo de exposición de vestimenta en miniatura, para resaltar la "grandiosidad" del Carnaval de Oruro, Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.

El propietario de Artesanías Rosa Boliviana, Rolando Sunavi, explicó que la muestra de trajes en miniatura es una pequeña parte de los que tienen en su tienda en la calle Soria Galvarro entre Adolfo Mier y Junín, donde la principal temática en la cultura boliviana y el Carnaval de Oruro.

"Lo que queremos es mostrar lo que tenemos y los turistas se lo lleven de obsequio y lo puedan lucir en algún lugar de su casa. Esta exposición surge como una iniciativa de preservar principalmente estas danzas, porque hoy en día el mayor problema que tiene Bolivia es que nos andan plagiando por todo el mundo, entonces creo que hay que dejar precedente, al fin y al cabo es Oruro el precursor de la cultura", remarcó Sunavi.

Este tipo de suvenir, donde se muestra un poquito de la cultura boliviana, sin lugar a dudas es una buena manera de promocionar la Obra Maestra, porque es lo que se busca con el trabajo de todos los artesanos de esta empresa orureña.

Su compromiso con la defensa del Carnaval de Oruro, hace que empiecen a ampliar su trabajo en el campo de las artesanías en miniatura, ingresando a los trajes en escala real, mismos que podrán ser lucidos en la próxima edición de esta festividad.

"Ahora vamos a emprender el hacer estos trabajos a escala natural, ya estamos iniciando con un proceso de caretas, que ya van a ser lucidas el próximo Carnaval de Oruro", refirió Sunavi.

La exposición comparte espacio con las demás muestras de otros artistas y artesanos, que también manejan la temática del Carnaval de Oruro y estará vigente hasta pasada la festividad.

El arte abstracto y su lenguaje visual propio

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hizo accesible y mostraba formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser solo ligero, parcial o completo. La abstracción existe con cierta graduación.

Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían, por ejemplo, el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.

Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.

Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

HISTORIA: SIGLO XIX

Tres grandes movimientos artísticos precedieron al arte abstracto: romanticismo, impresionismo y expresionismo.

Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas como James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, (“Nocturno en negro y oro: el cohete que cae”, 1872), dio más énfasis a la sensación visual que a la representación de los objetos.

Asimismo, un interés objetivo en lo que se ve aparece en cuadros de John Constable, J M W Turner, Camille Corot y la mayoría de los pintores de plen air de la escuela de Barbizon.

SIGLO XX

Paul Cézanne había comenzado como impresionista, pero su reconstrucción lógica de la realidad desde diferentes puntos espaciales, usando el color para crear módulos y planos, se convirtió en la base de un nuevo arte visual que más tarde desarrolló el cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso.

Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica, dibujando distorsiones y exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del XIX. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se vieron influidos principalmente por la obra de los postimpresionistas fueron decisivos para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX con obras como El grito y La entrada de Cristo a Bruselas.

El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del artemoderno.

A comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras “salvajes”, de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo. El crudo lenguaje de color tal como lo desarrollaron los fauves directamente influyó a otro pionero de la abstracción Vasili Kandinski.

Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fauvismo el movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX.

Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Las señoritas de Aviñón, de 1907, Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recordaban máscaras tribales africanas y sus nuevas creaciones cubistas.

El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies elementos de collage, papier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de collage con Kurt Schwitters, Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el desarrollo del movimiento llamado dadaismo.

Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas y norteamericanas se habían vuelto extremadamente activos conforme se esforzaron por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones del modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse mutuamente a través de libros de artistas, exposiciones y manifiestos de manera que muchas fuentes estaban abiertas a la experimentación y formaron la base de la diversidad de modos de abstracción.

MÚSICA

Algunos acercamientos al arte abstracta tenían conexiones con la música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma.

La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo. Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India, China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el “estado sin objeto” se vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto “interior”. Las formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad visible.

Abstracción lírica Cronológicamente, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en 1904, como el primer pintor abstracto. Pero la abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus verdaderas bases establecidas por Vasili Kandinski. Su obra ilustra la llamada abstracción lírica, llegó entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas europeos hicieron experimentos en esta línea.

OTRAS ABSTRACCIONES

Otras abstracciones Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros del grupo.

De Stijl pretendía reformar el medio del futuro. En Italia el futurismo, mezclado con la influencia Bauhaus, guió el camino hacia un arte abstracto con una paleta de color distintivamente cálida como en las obras de Manlio Rho y Mario Radice.

En el período de entreguerras (1918-1939), Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad.

El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de la guerra.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940. Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo período de interés por la geometría y la estructura, mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria.


Setenta jóvenes presentarán obras breves

Para cerrar el ciclo del Taller “Paso a Paso”, setenta jóvenes artistas presentarán desde hoy hasta el jueves 23, varias obras de corta duración en el Teatro de Cámara, a horas 19.30.

Desde hoy, jóvenes artistas pondrán en escena obras de 20 a 25 minutos de duración, resultado de los talleres que dicta el actor de teatro Daniel Gonzales, director de Talía Producciones.

A la fecha, Gonzales llevo a cabo más de 25 talleres de actuación y el evento llamado “Paso a paso es posible” se dará en su versión número 14, espacio propicio para que los estudiantes demuestren todo lo aprehendido en escena.

Gonzales explicó que las obras de teatro contienen temáticas sociales de la vivencia en el país y citó como ejemplo, el consumo de bebidas alcohólicas, drogas, violencia contra la mujer y los menores. Además obras del destacado escritor Antonio Paredes Candía, serán interpretadas por poseer temáticas significativas en la producción intelectual de la literatura folklórica.

Espacios culturales registrados en 33 ciudades

“Espaciario: Chacras de cultivo cultural de Bolivia”, libro donde se presenta un mapeo de 151 espacios culturales no estatales, que se encuentran en 33 ciudades distintas del país, fue el trabajo de un equipo de gestores. Lil Fredes, una de las investigadoras, habla del proyecto y las expectativas del equipo.

—¿Cómo surge la idea de hacer el Espaciario?

—Es una idea que data de hace muchos años. Varios gestores, artistas y actores culturales coincidían en la necesidad de tener datos sobre espacios culturales fuera de su ciudad de residencia para poder gestionar presentaciones o sinergias y fortalecer la circulación cultural.

Cuando nació TelArtes, en 2012, se presentó el contexto ideal para iniciar un primer mapeo. Allí se hizo un primer ejercicio, con datos de siete ciudades capitales y una intermedia.

Con el paso del tiempo y distintas experiencias compartidas con las redes latinoamericanas, en 2015 se plantea un mapeo más profundo y con mayor alcance, que obtuvo el apoyo de Hivos para su realización.

—¿Cuál fue el proceso de selección de los espacios?

—Se partió con una serie de criterios (espacios físicos, no estatales, con personería jurídica o al menos tres años de gestión, que realicen al menos 12 actividades al año, que permitan que terceros presenten propuestas, no lucrativos o que su objetivo principal sea el cultural). Partimos de las bases de datos de TelArtes, búsquedas exhaustivas en Internet y guías, datos relevados por otras instituciones o periodistas, recomendaciones de espacios realizadas en el taller de lanzamiento, un formulario publicado en redes sociales y la colaboración de actores culturales en las ciudades visitadas.

Al no pretender mapear la totalidad de espacios, partimos de esa base de datos y visitamos aquellos con los que pudimos consolidar una cita.

Asimismo, demuestra la importancia de impulsar o darle continuidad a investigaciones y estudios sobre el campo cultural.

domingo, 19 de febrero de 2017

Comuna convoca a los artistas a participar en feria dominical

Con la finalidad de fortalecer las actividades culturales en La Paz, la Secretaría Municipal de Culturas convoca a los artistas de distintas manifestaciones a participar en las ferias dominicales de El Prado y en las que se realizan en los diversos macrodistritos. Además, invita a inscribirse en el programa Cultura Viva Comunitaria y en el proyecto Habit–Arte.

El Alcalde Luis Revilla, tras el acto de firma de un acuerdo para que cinco casas del programa Barrios y Comunidades de Verdad sean espacios culturales, resaltó la transparencia de la convocatoria.

“De manera transparente y democráticamente se está convocando a los gestores culturales (artistas) para que realicen su actividad en los espacios públicos dedicados al ámbito artístico como la Feria Dominical de las Culturas y en estas casas comunales”.

El secretario municipal de Culturas, Andrés Zaratti, explicó que las propuestas para formar parte de cualquiera de las iniciativas serán recibidas hasta el 17 de marzo. Las características de las convocatorias se encuentran en el Facebook “La Paz Culturas.

Las convocatorias se encuentran dentro programa municipal de transparentación y de acceso ciudadano en las artes DemocratizArte.

El representante de Cultura Viva, Santo Callejas, resaltó el apoyo de la Comuna y destacó “que es el primer municipio del país que ha implementado el programa de Cultura Viva Comunitaria. El municipio designa recursos para que las organizaciones culturales puedan gestionar expresiones culturales”.

sábado, 18 de febrero de 2017

Madrastra presenta a la cantante calva en Tía Ñola



Una crítica de la vida cotidiana, en la que los personajes son incapaces de comunicarse entre sí, se verá hoy, a las 20:30, con la obra La cantante calva en el snack Tía Ñola.
La compañía cochabambina Madrastra presenta este divertido poema fonético que juega con la ilusión de la comunicación e intenta traspasar los límites de la realidad para plantear inquietantes preguntas al espectador.


El elenco está compuesto por Gabriela Melendres, Gabriel Iriarte, Rocío Canelas, Jorge Siles, Magda Zea O´Phelan Calla y Alejandro Marañón

Proyecto DemocratizArte abre espacios para el arte

El Gobierno Autónomo Municipal de La Paz, a través de la Secretaría Municipal de Culturas, lanzó ayer las convocatorias al Fondo Concursable de Fomento a la Cultura Viva Comunitaria; del proyecto de cogestión de casas comunales, colectivos de artistas y juntas de vecinos, Habit – Arte. El propósito es la apertura de espacios municipales que sean otorgados a los artistas para realizar prácticas culturales a la vista de niños, jóvenes y adultos.

El Proyecto de cogestión de casas comunales, colectivos de artistas y juntas de vecinos, Habit – Arte son parte del programa municipal de transparentación y de acceso ciudadano en las artes, DemocratizArte, que tuvo una primera fase —con otras tres convocatorias—, en octubre del año pasado.

ESPACIOS CULTURALES

“Estas convocatorias que hoy se hacen públicas tienen el objetivo de dar acceso a espacios culturales, además de formar niños, jóvenes y artistas, pero desde la perspectiva municipal. Es el GAMLP el que, en coordinación con los artistas, está poniendo a disposición de ellos y del público paceño nuestros espacios y escenarios culturales para que puedan desarrollar sus actividades y también para que la gente pueda disfrutar del trabajo de nuestros artistas, actores y gestores”, resaltó el Acalde paceño, Luis Revilla, en un acto efectuado en el Palacio Consistorial.

La autoridad explicó que DemocratizArte busca que los espacios municipales dedicados a la cultura sean otorgados a los artistas de manera transparente. “Tanto los espacios que tenemos a disposición en la infraestructura municipal como los espacios públicos. Por ejemplo, el de la Feria de las Culturas en El Prado y también en acuerdo con los Barrios de Verdad, para que las casas comunales también acojan a nuestros artistas y actores para el desarrollo de actividades culturales. Así que se trata de un acuerdo y convocatorias muy importantes para democratizar la cultura”, sostuvo.

DESCENTRALIZAR ESPACIOS

El secretario municipal de Culturas, Andrés Zaratti, agregó que el propósito del programa es “transparentar, democratizar y descentralizar nuestros espacios y los recursos con los que cuenta el Gobierno Municipal”, por lo que detalló que la primera convocatoria, para formar parte de la Feria Dominical de las Culturas y las ferias macrodistritales, está dirigida a actores y gestores culturales, además de instituciones y proveedores de servicios y otros sectores, con la idea de fortalecer la oferta de la feria, que tiene previsto iniciarse en abril.

Colectivos de artistas y juntas de vecinos, podrán acceder a recursos del Fondo de Cultura Viva Comunitaria, que se desarrolla en Barrios de Verdad con recursos para el desarrollo de actividades, en coordinación con los vecinos, de fortalecimiento del barrio.

Mientras que la tercera, ligada a este proceso, es el proyecto Habit –Arte, “que consiste en ceder casas comunales de Barrios de Verdad a colectivos de artistas para que ellos las administren y puedan desarrollar actividades en favor del barrio pero además ellos se benefician con un espacio donde puedan ensayar y desarrollar sus actividades”.

Las convocatorias están disponibles actualmente, para su descarga, en la página de Facebook: LaPazCulturas.

viernes, 17 de febrero de 2017

Extensión cultural Presentación del dúo “Tal Cual”

El Museo Nacional de Arte, en el marco de su programa de Extensión Cultural: “El Museo con Música y Diálogo Artístico”, y con el fin de apoyar a las manifestaciones artísticas, presentará hoy en concierto al Dúo Tal Cual, conformado por Marcelo Peña y Wilson Molina. Empezará a las 19.30 y la entrada será libre.

El Dúo Tal Cual nació en el año 2013, con la necesitad de transmitir la experiencia musical de sus integrantes: Marcelo Peña en la Quena y Wilson Molina en Guitarra y Voz. Ambos músicos de reconocida trayectoria musical, han realizado una carrera artística amplia por más de tres décadas, haciendo giras internacionales por Europa, Asia y América, difundiendo con éxito el folklore boliviano en toda su expresión.

Es por esta trayectoria que el Dúo Tal Cual se integra para crear un incentivo en las nuevas generaciones, que escogen este arte como una forma de vida, mostrando que con trabajo y perseverancia, la música es un camino profesional que permite realizarse a todo aquel que quiera transitarlo gracias al amor y la pasión que lo impulsa en el amor a las melodías y, al mismo tiempo, enriquecer la cultura de nuestro país.

Se interpretarán canciones como: Alwa, Choquela, Fantasía Incaica, Madre, Niño Lindo, Aires del Chaco, Tus ojos, Paisaje de nieve, Pachaquti y Flor de caña.

El concierto se realizara en el Patio Colonial del Museo Nacional de Arte. ubicado en la calle Comercio y Socabaya.

Teatro Grito presenta “Pis”

“Pis”, obra cómica que tiene como temática las vivencias de una joven embarazada que aguanta por varias horas hacer uso del baño, porque debe efectuarse una ecografía, se presentará mañana en el Teatro Grito ubicado en los Pinos Calle 3, a horas 20.00.

La obra “Pis” cuenta la historia de Caro, quien se enfrenta a un Centro de Salud donde los médicos están en huelga y la única persona que la puede ayudar es una enfermera malhumorada.

Esta obra que se acerca al género del Teatro del absurdo, contiene varios recursos cómicos que hacen de la puesta en escena una propuesta novedosa y de calidad, que desliza en su trama problemáticas de género y de la situación social de la mujer y su salud integral.

Casa Grito esperará la asistencia de la ciudadanía paceña que quiera pasar un buen momento de sana diversión, donde además podrá recibir, antes de que acabe la temporada de Alasita, un certificado de registro de artista en miniatura totalmente gratis. Dijo Bernardo Arancibia, encargado del Teatro Grito.

jueves, 16 de febrero de 2017

La academia Acuarela representa a Bolivia en Chile



La academia Acuarela de Cochabamba representó exitosamente a Bolivia en el evento "Danzaamérica" en Iquique (Chile).

Fue una intensa semana de varias actividades, donde los integrantes de la compañía bailaron en la penitenciaria, en asilos, en centros culturales y en el escenario principal del festival.

El grupo llevó un programa variado de nueve cuadros.

El grupo juvenil de la compañía comprende a personas desde los 12 hasta los 19 años.

El elenco representó al país en un ambiente de armonía, amistad y hermandad, con patriotismo y civismo. Además, fue una buena oportunidad para unir lazos con otros países.


Tratarán dos leyes culturales en encuentro

Hoy 16 y mañana 17 en La Paz se realizará la reunión nacional de artistas y gestores culturales, organizada por Telartes, para la revisión de dos propuestas legislativas: Ley de Gestión de Espacios Culturales no Estatales y la Ley de los y las artistas.

El equipo de comunicación del movimiento cultural Telartes informó que hoy en el salón Julio Ameller de la División de Cultura de la UMSA se procederá a la revisión y discusión del borrador del anteproyecto de la Ley de Gestión de Espacios Culturales no Estatales.

Esta primera revisión del anteproyecto normativo estará a cargo del expositor Fernando García, responsable del proyecto mARTadero, en Cochabamba. A partir de las 15.00 se realizará de la misma manera la revisión y discusión del borrador del anteproyecto de la Ley de los y las artistas, dirigido por Juan Carlos Cordero.

El viernes, Telartes presentará el libro Espaciario Bolivia. Chacras de cultivo cultural, investigación gestada desde Telartes con el apoyo de Hivos. Consiste en el mapeo de 151 espacios no estatales de 33 ciudades de Bolivia. Es el primer estudio que revela el ecosistema de espacios culturales que infraestructuralmente tejen una red amplia.

Chaplin Show vuelve a Cochabamba, a su raíz



“Chaplin Show vuelve a Cochabamba”. La amenaza en los labios de su director, Adolfo Mier Rivas nos hizo gracia. El prestigioso elenco vuelve a sus raíces, con funciones en viernes y sábado, en el Gran Hotel Cochabamba.

Adolfo Mier Rivas, autor y director de ese grupo de humor dijo que “Chaplin Show” venía a reencontrarse con su público en la llajta, donde surgió hace 30 años.

Este retorno, será con lo mejor de Chaplin que brindará un largo y sustancioso desfile de los mejores números y personajes que ha producido en los últimos años.

Las funciones tendrán lugar este viernes 17 y sábado 18 en el céntrico Hotel Cochabamba, a partir de las 22:00. Serán las únicas presentaciones, porque luego retornarán el domingo para cumplir otros compromisos artísticos en Santa Cruz de la Sierra.

Mier Rivas reveló que tienen la fórmula para que el reencuentro con los llajtamasis sea positivo. Estarán en escena sus personajes emblemáticos, como el borrachito y los benianos, interpretado por Ernesto Ferrante y Hugo Daza.

Mier Rivas recordó que ambos nacieron en la cuna tralalera de los Travesí, pero que hace 31 años radican en Santa Cruz.

Estos grandes, queridos y añejos personajes comparten escenario con sangre nueva, formada dentro de esa misma escuela del humor.

La propuesta es un “mix” de humor tradicional, con números “nostálgicos” y otros con novedoso desenfado, propio de artistasjuveniles. Habrá dos números musicales a cargo de Los Plagios que reúne a la gente joven de Chaplin, especialistas en imitaciones de consagradas figuras de la música, para poner en escena a Freddy Mercury, Celia Cruz, Michel Jackson, José Luis Guerra, Marco Antonio Solís, Fito Paez y otros más.

El show tiene una duración aproximada de dos horas. Las entradas se venden en el mismo hotel.

Una selfie al humor

Hace más de 30 años, Adolfo Mier Rivas junto a Ernesto Ferrante y Hugo Daza, se marcharon a Santa Cruz con el proyecto Chaplin Show. Esta revista celebra 30 años de vigencia.

Por eso, Adolfo Mier Rivas lanzó su libro “Una selfie al humor” en el que relata --asegura--, “una aventura única de construir una sala y presentarse a un nuevo público”. Lo consiguieron y siguen en la brecha.

El libro, de fácil digestión, lleva el condimento del humor, para afirmar cosas serias, relacionadas a las épocas que vivió el país, en el curso de los últimos 50 años.

“Es una verdadera selfie porque me retrato junto a mi ayer y sus protagonistas”, puntualiza Mier Rivas.

El libro, sin embargo, no habla solamente de los 30 años de Chaplin, sino de los cimientos que concretaron el proyecto y que nacieron en Cochabamba.

Hace 50 años Adolfo Mier Rivas y José “Pilincho” Oropeza se lanzaron a las tablas y, dirigidos por Julio Travesi, pusieron en escena Habla Juan, el éxito radial, que fue parte del diario vivir en los hogares cochabambinos. El libro será vendido durante las presentaciones.



SOBRE MIER RIVAS

La historia de Mier Rivas y la movida cochabambina se completa en ese tiempo con “Hombres Trabajando, El Chiqui de mi barrio, que inclusive fue llevada a la televisión, igual que “El Que Mon Man”. El Quijote de la Cancha y una docena más de comedias y dramas que se presentaron en el Teatro Achá. En sus páginas Mier Rivas testimonia su crecimiento como dramaturgo y director “gracias a haber trabajado con Ninón Dávalos, una de las grandes valores del teatro nacional. Y así, a su estilo, con mucho humor, salpicando sus páginas con anécdotas, fotografías del ayer y personajes de la vida real.

Expusieron instrumentos en honor a Vicente Mealla



La jornada del miércoles, en vísperas del Jueves de Compadres, la Dirección de Patrimonio y Gestión Cultural de la Gobernación realizó en el vestíbulo del Teatro de la Cultura una exposición especial con algunos de los instrumentos típicos de la cultura chapaca, pertenecientes al reconocido cantautor tarijeño, Vicente Mealla Hoyos.

La pequeña exposición consistió en un erke, un bombo y la legendaria caña de Mealla que llegó hasta Moscú en 1971, además de sus icónicos poncho y sombrero.
Según Nelvin Acosta, director de Patrimonio y Gestión Cultural, Vicente “Sapito” Mealla, tenía una particularidad en la interpretación del erke, un sonido agradable que con el paso del tiempo se fue perdiendo, por lo que actualmente no hay ejecutantes de este instrumento con tales cualidades. “Cuando hablamos de Carnaval, de la fiesta de compadres, debemos resaltar como figura representativa del mismo a Vicente Mealla, pues por algo el campo de los compadres llevaba su nombre”, dijo.
Mealla proviene de una familia de cantores, con Cecilio y Ernesto que todavía siguen presentes en la música tarijeña. Fue director de la Escuela de Música Pastor Achá, profesor de danza e instrumentos típicos.
“Para nosotros es un placer, a través de esta pequeña exposición, mostrar a toda la comunidad tarijeña lo que representa este ícono de nuestro folclore”, concluyó al respecto Acosta.

miércoles, 15 de febrero de 2017

Tendencia de colores sobre cerámica

Artistas urbanos. El proceso de creación de una pieza de cerámica esmaltada no es para nada sencillo ni barato. Desde el trazo a lápiz hasta la pintura que se aplica a cada pieza, son las características particulares que definen a los ceramistas que trabajan en Cochabamba.

“La casa del ceramista”, ubicada en la zona de Sarco, cerca de la transitada avenida D´Orbigni, es uno de los principales talleres cochabambinos de cerámica artesanal, cuyas piezas son novedosas con relación a lo que se puede encontrar en el mercado local.

Al ingresar al lugar, en el primer ambiente, donde habitualmente hay personas aprendiendo este arte, se observa un amplio estante con varias piezas de tonos tierra y macetas con hermosos colores, diferentes a los objetos tradicionales elaborados en arcilla.

A simple vista, llama la atención de los colores, formas y la calidad de cada uno de estos productos. Al recorrer un pasillo largo se llega hasta un segundo ambiente, que está en el fondo.

Allí se realiza el moldeado de barro de manera artesanal, con la ayuda de hornos y algunas maquinarias adaptadas para mezclar la arcilla con el agua y así facilitar el trabajo del artesano.

Marcelo Terán Mitre, vestido con un jean, polera de manga corta y un delantal, es ceramista y propietario del lugar, quien comienza a describir su trabajo, disipando las dudas que se generan sobre los pasos que se siguen en la elaboración de la cerámica esmaltada y pintada a mano.

El artista brinda una breve explicación de cómo se trabaja con la arcilla, la cual debe ser preparada con varios días de anticipación, y que posteriormente será transformada en macetas y envases coloridos, que combinarán con la belleza de una planta o un arbusto floral.

En el mismo contexto, pero a 11 kilómetros de la ciudad, en Tiquipaya -la llamada “ciudad de las flores”- se encuentra el taller de Álex Pérez Luna, otro artesano cochabambino que también tiene la habilidad de convertir la arcilla en verdaderas piezas de arte.

Al ingresar al taller se observan varias repisas llenas de cerámicas en diferentes formas y tamaños, muchas de ellas todavía esperando ser transformadas por las expertas pinceladas que aplica Pérez en su oficio.

Allí en medio del salón se observa un mesón colmado de objetos de madera, que están esperando el toque final del ceramista. Se trata de otro tipo de arte en el campo de la cerámica, donde se modifica la presentación del producto final, como es el caso de los joyeros de madera, bandejas de desa-yuno, porta llaves y también piezas únicas de exposición, las que aún esperan que se les inserte una aplicación de pintura para el acabado. Una habilidad que llegó a dominar Pérez, con el paso del tiempo.

Cada pieza de cerámica es pintada a mano. Tiene bastante colorido, los diseños son alegres e inspirados en la naturaleza, algunas tienen símbolos que reflejan la cultura boliviana.

En definitiva, cada pieza es creada según las exigencias de los clientes, que en muchos casos, pueden ser empresas o personas que aprecian el arte y buen gusto del ceramista.

En Cochabamba, así como Terán y Pérez, existen ceramistas que realizan este oficio en pequeña escala, debido al tiempo y dedicación que implica crear cada una de estas piezas de manera artesanal.

PROCESO DE PRODUCCIÓN

Para elaborar cada pieza de cerámica esmaltada se sigue un proceso, que dura días, donde se cuida cada detalle con rigurosidad; de esta manera, se obtiene un objeto de buena calidad y acabado.

Marcelo Terán, propietario de “La casa del ceramista”, afirma que hace 34 años empezó a “jugar con barro” como un pasatiempo. Relata que el primer paso para la producción de cerámica artesanal es la recolección de la materia prima, es decir, la arcilla.

Este producto puede ser obtenido de forma molida o en pequeños pedazos, similares a una piedra del tamaño de la mano. Algunas, poseen diferencias en la calidad, color y pureza.

“Esta arcilla se adquiere de las localidades de Parotani, Ushpa Ushpa o Colcapirhua; aunque cada vez se hace más difícil adquirirlos, pues las vetas de este material son menos accesibles por la creciente urbanización que afronta Cochabamba”, comentó Terán.

Pese a ello, una vez que se obtiene el producto, se inicia el proceso. Para ello hay que mezclar la materia prima con agua, por lo general se hace en una máquina que funciona de manera similar a una licuadora; así se obtiene una especie de papilla. Después, el contenido se tamiza industrialmente para eliminar las impurezas y luego se deposita este material en un contenedor, donde después de varias horas se separa el líquido de la arcilla, la cual se deposita en el fondo del envase.

El resultado es un material similar a la plastilina, listo para utilizarse en cualquier momento. El color de este material varía dependiendo del tipo de arcilla que se utiliza, algunas mezclas son más claras que otras; pero aquello no afecta en la calidad del producto final.

El siguiente paso es elaborar moldes desmontables de yeso para cada pieza de cerámica que se desee crear. Es allí donde se deposita la mezcla de arcilla y se cubre toda la superficie hasta el borde, eliminando el resto de materia prima; en algunas oportunidades se requiere repetir la operación dos veces.

En el interior del molde, el yeso absorbe la humedad, dejando solo la arcilla. Cuando la pieza se seca, Terán abre el molde de yeso, lo talla y quita el material sobrante del borde.

 “Luego se aumentan otros detalles como las patas de la maceta, se lija, afina y seca para luego meterla al horno por primera vez. Esta primera cocción se llama bizcocho”, describe el artesano.

Cada pieza se hornea entre 12 a 15 horas a una temperatura de 950 grados centígrados. Luego de enfriar, el artesano coloca el toque final a su trabajo, que es el esmalte, para luego volver a meterla en el horno por varias horas, hasta que el esmalte se vitrifique, pero esta vez a 110 grados centígrados.

Luego de que enfríe por más de 15 horas, la pieza de cerámica esmaltada está lista para ser vendida.

TÉCNICAS DE PINTURA

En el taller de Tiquipaya, el proceso de producción no varía mucho. El pintado y detalle minucioso con el que allí se trabaja es impresionante.

Álex Pérez, propietario de este taller, cuenta que realiza este oficio desde hace más de 30 años, durante este tiempo desarrolló y aprendió nuevas técnicas, provenientes de Europa, para crear piezas artísticas únicas que podrían sorprender al comprador.

Algunas son realizadas con la técnica común de esmaltado, que consiste en realizar el diseño de la figura y pintar con el esmalte sobre la pieza cerámica, utilizando diferentes tonalidades. Otra de las técnicas empleadas por Pérez es la cuerda seca, que a diferencia del esmaltado común, resalta los relieves que hay entre los colores y las líneas divisorias tono negro, crean un efecto especial en la pieza, y finalmente la técnica mayólica, que es un poco más compleja, que proviene de los árabes. Se caracteriza porque logra todos los tonos posibles y jaspes que se pretenden realizar.

De acuerdo al artesano, esta es una técnica famosa en algunos países al otro lado del mundo como Egipto, Túnez, Italia, España, Francia y Portugal. De igual manera, en México y Ecuador, ya que son muy tradicionales.

LOS ESMALTES

Durante la visita, Álex muestra la gran variedad de pinturas que utiliza para esmaltar cada una de las piezas cerámicas. Según comenta, su costo es elevado; sin embargo, le garantiza un producto con terminado de calidad y sobre todo, no tóxico.

“No hay este tipo de esmaltes en Bolivia. Yo utilizo esmaltes americanos para cuidar mi salud y la de mis clientes”, enfatiza.

Es que el ceramista comenta que cuando la pieza esmaltada se somete a una temperatura elevada pueden desprenderse químicos que dañarían su salud.

“También estos esmaltes garantizan que la pintura no se arruinará durante el proceso de cocción, por la variación que tiene la materia prima al someterse a altas temperaturas, ya que se va reduciendo y, por ende, el color también”, cuenta Pérez.

En Cochabamba, la oferta de cerámica esmaltada es reducida, debido a que la importación del material se incrementa cada año.

Sin embargo, adquirir piezas exclusivas de excelente calidad y con materia prima cochabambina, no representa un lujo.

Con el paso del tiempo, este tipo de cerámica está ganando mayor aceptación en el mercado local, no solo por su belleza, sino también por crear fuentes de trabajo y aportar a la mano de obra artesanal en la llajta.




Luciel Izumi representa a Bolivia en Womand 2017

Luciel Izumi es la boliviana que representará al país en el Womand 2017, que reúne a artistas de diversas comunidades del mundo, en un escenario multicultural instalado en Chile. El evento se desarrollará entre 17 y 19 de febrero.

"Virtuosa charanguista boliviana lleva la tradición hacia terrenos populares", cita la presentación de la representante de Bolivia en el sitio web de la organización del evento.

El festival Womand fue creado hace 34 años por el músico británico Peter Gabriel con el fin de consolidar un punto de encuentro multicultural para la música, el arte, la danza y las diversas comunidades que convergen en todos los continentes, permitiendo a las múltiples audiencias obtener una visión más profunda de otras civilizaciones a través de esta celebración.

"Los festivales Womand han permitido que muy diversos públicos comprendan mejor aquellas culturas distintas a la propia, mientras se disfruta de la música, idioma universal que reduce las distancias entre las personas y demuestra la estupidez del racismo“, expresó Gabriel.

En la pasada versión, 130 artistas de 17 naciones y cuatro continentes se congregaron en el escenario alternativo chileno.

IZUMI La charanguista boliviana tiene 22 años y fue conocida por ser una niña prodigio del charango. "Es la embajadora de un instrumento que en sus manos se oye con sorprendente precisión y velocidad", destacaron los organizadores.

Es hija del charanguista paceño Donato Espinoza y ha mezclado el folclor con piezas escogidas del mundo popular.

Paceña de nacimiento, pero qhochala de corazón, está inspirada por su maestro William Centellas, quien fue su mentor desde los 13 años de edad.

A los 17 años grabó su primera discografía titulada "Emociones". Actualmente trabaja en su segunda grabación denominada "Un mismo suspirar".

Su talento fue premiado por distinciones como la condecoración "Llajta de la Concordia" en la categoría Arte y Cultura de la Asamblea Plurinacional de Bolivia, y la distinción "Alejo Calatayud" del Gobierno Autónomo Municipal de Cochabamba.

Durante su trayectoria se ha presentado en innumerables concursos nacionales e internacionales, pero también brindó conciertos como solista y charanguista invitada.

WOMAND Entre algunos competidores invitados al evento en Chile están Twelfth Day, de Escocia; Trad Attack, de Estonia; Mateo Kingman, de Ecuador; Jambinai, de Corea del Sur; Mehdi Nassouli, de Marruecos y Sotz Il de Guatemala, entre otros.

Nueva Zelanda, Argentina, Colombia, Francia, Perú, Escocia, Brasil y Polonia también se suman a este encuentro a través de sus artistas, con propuestas nuevas.


Cochabamba Gobernación invita a usar las plazas con arte

La Gobernación del departamento de Cochabamba, a través del director de Culturas y Turismo, Uvaldo Romero, invita a los municipios, autoridades y habitantes, a llenar las plazas de arte y cultura.

La autoridad reprochó la actitud de gendarmes de la Alcaldía de Cochabamba que, cumpliendo la instrucción de autoridades municipales, desalojaron a artistas extranjeros que presentaban un espectáculo abierto en acordeón y guitarra.

La secretaria de Culturas de la Alcaldía, Ninoska Lazarte, informó que nada podían hacer ya que la normativa impedía la presencia de personas que lucren con alguna actividad, refiriéndose a otros artistas que vendían sus CD.

Romero explicó que las plazas son, por naturaleza, los lugares de expresión cultural artística más importantes de un pueblo o una ciudad y que, por tanto, no podría haber ninguna restricción de este tipo.

“Entendemos que los municipios en el marco de su autonomía establecen normativas para reglamentar y preservar la estructura de las plazas y parques, pero no puede haber razón alguna para expulsar a los artistas y quitarle a la población esa expresión de arte libre”.

Para Romero, el arte es una de las formas de expresión más completas del ser humano y, en lugar de restringirlas, debería ser fomentado. “Tenemos tanta riqueza en cada persona y en cada cultura, que nos hace falta espacios de promoción artística y cultural para mostrarnos al mundo. Por eso insto a todos los municipios a explotar sus espacios públicos con este propósito”.


Cinco artistas exponen en el Gíldaro Antezana

Manuel Condori, Graciela Gallardo, Benjamín Lafuente, Víctor Antezana y Élmer López presentan lo mejor de su arte en una exposición que cierra este fin de semana en el salón Gíldaro Antezana, ubicado en la plaza principal 14 de Septiembre.

En el salón se pueden encontrar piezas con lenguajes figurativos, naturaleza muerta, desnudo y paisajes. Cada autor, a su estilo, resalta su obra en diferentes técnicas.

Antezana, hijo del extinto valuarte cochabambino Gíldaro Antezana (1938-1976), que es considerado por sus colegas como el mejor acuarelista, reta a su talento y presenta en su exposición obras en óleo.

Gallardo sorprende con una técnica que viene perfeccionando desde hace algunos años, el óleo a la espátula, con toques de acrílico.

Para Elmer López se ha reservado el área central del salón para la presentación de mini esculturas que fueron trabajadas en alambre de amarre, aunque expone también algo en madera.

Manuel Condori prefirió escoger sus mejores muestras en acuarelas. Finalmente Benjamín Lafuente trajo un pequeño homenaje a la Ciudad del Pagador en su efeméride departamental, con muestras de diablos.

Nadie sabe lo que puede encontrar en estas exposiciones. Uno de los visitantes encontró entre los cuadros de Lafuente un viejo cacharro que hacía veinte años estaba abandonado en la zona de Villa Granado, lo reconoció y prometió volver a comprarlo.

PRESENTACIÓN La exposición inició el lunes 6 de febrero y se extenderá hasta el fin de semana. Cabe destacar que debido a la gran demanda de espacios de exposición, estos artistas estarán presentes en el Gíldaro Antezana solo por esta oportunidad.

“Espaciario” de telartes se presentará en La Paz



Este viernes 17 en la ciudad de la Paz, a partir de las 10:00 de la mañana en el Centro Cultural España, se va realizar la presentación del libro “Espaciario: Chacras de cultivo cultural en Bolivia”.

Esta es una investigación que recoge el mapeo de 151 espacios culturales no estatales de 33 ciudades de Bolivia, capitales de departamento y ciudades intermedias, que trabajan por la cultura desde la autogestión y los esfuerzos propios. “Este se convierte en el primer estudio de tal magnitud que revela un ecosistema de espacios culturales e infraestructuras que tejen una red amplia y dinámica, reflejando la acción cultural de todo el país”, explicó Fabiola Quiroga, coordinadora de comunicación de Telartes, gestora del proyecto.
El libro se presentará en un soporte físico, para luego liberarse a través de una página web a la que los espacios que no fueron mapeados por diversos motivos, o los recién creados, podrán inscribirse. La idea es ubicar estos espacios con sus características técnicas y físicas, para posteriormente generar circulación e intercambio entre ellos.
Entre los espacios que se incluyen en el libro varios son de Tarija, como el Centro la Cúpula, Casa Creart, o Yembatirenda, que al momento ejercen sus actividades a favor de la cultura y el arte.
A la presentación del libro acudirá por Tarija el director de la Casa de la Cultura, Nils Puerta.



Potosi Taller Pinceladas abre exposición

El el salón de exposiciones temporales de la Casa Nacional de Moneda, el Taller “Pinceladas” de Potosí, abrió ayer la muestra denominada “Pasión artística”, como resultado del trabajo del curso de la vacación anual de pintura.

David Bohórquez, director y docente del taller, explicó que la exposición estará abierta hasta el sábado 18 de febrero, en el que se muestran los trabajos de 40 estudiantes, niños y jóvenes, que comenzaron en diciembre del 2016, desde lo básico de estimulación, hasta el desarrollo de talentos.

Dijo que los alumnos aprovecharon su tiempo para dibujar y producir los cuadros, algunos hasta dos y tres obras, demostrando sus habilidades adquiridas en el curso.

Afirmó que los estudiantes trabajaron con varias técnicas, entre ellos de micro puntas, pastel, acuarela, colores y lápiz, pintando rostros y figuras de varios personajes.

La novedad de la exposición son los archivadores que contienen el material del proceso de aprendizaje de los estudiantes, su avance paso a paso con los primeros trabajos y el desarrollo de su técnica.

El curso se desarrolló en dos meses, en los horarios de la mañana y tarde, muchos son antiguos alumnos que superaron su técnica y se recibió el apoyo de los padres de familia.

Se entregó chaquetas a los alumnos como premio por superar el curso, el que tiene detalles artísticos como los bolsillos con espacios para llevar diferentes materiales.

Es la cuarta exposición del taller y el próximo curso inicia el lunes 20 de febrero con un lleno de cupos. Al final de la exposición se hará un sorteo de dos cuadros y un retrato del ganador del premio.

Fábulas de Esopo en Teatro de Cámara

La Compañía Endorfina presentará Fábulas de Esopo, en el Teatro de Cámara hoy y mañana, a horas 20.00. La puesta en escena de la compañía teatral Endorfina es el resultado del trabajo de los talleres en artes escénicas dirigidos a niños, adolescentes y jóvenes. Los artistas que la interpretarán son niños y jóvenes.

En las fábulas, los protagonistas son los animales, es por esta razón que las directoras de la compañía Endorfina eligieron esta serie de cuentos para ser explicada a través de la actuación.

Fábulas de Esopo, por sus historias y argumentos, representa una oportunidad interpretativa donde los nuevos artistas podrán mostrar su destreza por medio de los distintos personajes: gallinas, ratones, leones, entre otros. Implícitamente, será un mensaje al público.

En las puestas de escena también se contará con la conclusión del primer taller de ballet junto a Lin-ex, bajo la tutela de Celina Mancilla, como también la presentación de los chicos de Daevida, junto a la profesora e instructora de baile deportivo Rosmery Apaza, explicó Castro.

Janeth Rojas, directora de la compañía, dijo: “Nuestros estudiantes más pequeños tienen cuatro años de edad, ellos aprenden lo bello del arte de la actividad teatral por medio de actividades didácticas y lúdicas, que los entretienen y los preparan para hablar y moverse dentro de un espacio que les permita desarrollar sus aptitudes teatrales”.

Bajo la dirección de Janeth Rojas y Leila Castro y el apoyo de Pamela Quispe, se pondrá en escena la serie de cuentos infantiles y relatos breves que contienen valiosas enseñanzas destinadas a educar a los niños con valores. La modestia, la solidaridad y la honestidad son enseñadas dentro de las fábulas, con una variedad de personajes y temáticas cortas, las fabulas de Esopo destacan por ser muy populares, gracias a su sencillez y fácil comprensión para los niños.

Los cuentos infantiles son ideales para leer a los niños antes de ir a dormir. Al ser relatos breves, permiten entretener sin cansar a los más pequeños. Las fábulas tradicionales de Esopo aportan a los niños enseñanzas para su educación, pero también ayudan a desarrollar su creatividad y fomentan el interés por la lectura y la actuación, concluyó Castro.

EL ARTE MUSICAL DE ANNA PARDO CANEDO Y NATALYA SHAKHMATOVA

El Directorio del Círculo de la Unión abrió su agenda cultural 2017 con un espectáculo de lujo, protagonizado por la soprano boliviano- belga, Anna Pardo Canedo, y la pianista ucrania- boliviana, Natalya Shakhmatova.

El público se sumergió en la magia de la música con obras de grandes compositores como Rachmaninov (Qué bello es aquí, Aguas de manantial y Tableaux, piano solo); Dvorak (Mi madre me enseñó a cantar y Canción a la luna); Tchaikovsky (Diciembre- Navidad de las estaciones del año - piano solo); Offenbach (Aria de Olympia- Canción de la muñeca, de la ópera Los Cuentos de Hoffmann); Gounod (Aria de Julieta de la ópera Romero y Julieta); Chopin (Nocturno op. 9, Nocturno op. 15 piano solo); Bernstein (Aria de Cunegonde de la ópera Candide); y Strauss (Ana de Adéle de la opereta El murciélago).

El recital de canto y piano denominado "...Abriendo puertas" tuvo un detalle innovador, ya que durante la presentación del dúo se proyectó la traducción de las obras.

Rosario Chacón dio la bienvenida al público y presentó a las artistas: Anna Giovanna Pardo Canedo, soprano cochabambina, quien empezó sus estudios musicales a los 8 años en el Instituto Eduardo Laredo. Natalya Shakhmatova de Guillén, pianista ucrania- boliviana, quien realizó sus estudios musicales en Ucrania en la Escuela Musical No. 4, Instituto Musical "Nicolai Lisenco".

Al término de la actuación, el patio del Circulo de la Unión retumbó con la ovación del público, que disfrutó de un vino de honor, a manera de comentar sobre la velada musical.

martes, 14 de febrero de 2017

Se abre gestión 2017 de la Galería de Arte UPB “Esencias” una muestra con estilos diferentes de dos artistas paceños

Dos artistas paceños con estilos diferentes serán parte de la exposición “Esencias”, la primera muestra de arte del año que presenta el Centro Cultural de la Universidad Privada de Bolivia (UPB). Vidal Cussi y Corina Aguilar sorprenderán con pinturas realistas y abstractas.

La exposición –que se abre el 16 de febrero y se extiende hasta el 28 del mismo mes– exhibirá la actual realidad por la que atraviesa el mundo y, en particular, Bolivia tales como los sinsabores del dinero, el calentamiento global y la falta de agua, entre otros, esperando que el público haga una reflexión sobre estas problemáticas.

De estilos diferentes -Cussi con cuadros realistas y abstractos y Aguilar con pinturas abstractas llenas de color- ambos artistas mezclan elementos que dan vida a diferentes paisajes, animales que se vislumbran a través de figuras geométricas, y rompen esquemas con un Illimani teñido de rojo que representa el calentamiento global, por ejemplo. El resultado, una muestra que transmite la esencia de cada uno de los dos talentosos pintores.

“El objetivo es dar a conocer nuestros pensamientos y preocupaciones. Esperamos que la gente se nutra de las obras; son algo diferente y esperamos sorprenderlos”, afirma Aguilar, artista que en sus óleos refleja una explosión sincronizada de color, luces y sombras, demostrando su admiración por la naturaleza y motivando a protegerla.

La exhibición se llevará adelante en la Galería de Arte del Centro Cultural UPB y presentará más de una quincena de cuadros de formato grande, pintados al óleo sobre lienzos, que reflejan distintas maneras de ver la vida y los entornos que rodean a los artistas.

La exposición se inaugurará con un cóctel el jueves 16 de febrero, a Hrs. 19.30. El Centro Cultural UPB está ubicado en la avenida Hernando Siles, esquina calle 5 de Obrajes; edificio de Postgrado.




Los artistas

Vidal Cussi es egresado de la Academia de Bellas Artes “Hernando Siles” en la especialidad de pintura y medios bidimensionales. A lo largo de sus 10 años de carrera profesional recibió más de 20 premios y menciones.

En 2015 obtuvo el segundo lugar del premio de dibujo “Fernando Montes”, y el premio “Eduardo Avaroa” (tercer lugar). En 2014 ganó el primer lugar en pintura en el concurso “Mujer”, realizado en Santa Cruz.

En 2013 recibió varios galardones: Gran premio en el concurso nacional “Salón Cecilio Guzmán de Rojas”; segundo premio en el Concurso Plurinacional de Acuarela en Cochabamba; y tercer lugar en Pintura en el concurso “Eduardo Avaroa”.

Ha realizado más de 25 exposiciones entre colectivas e individuales en museos y salones del país.

Corina Aguilar es también egresada de la Academia de Bellas Artes “Hernando Siles”; en sus pocos años de trayectoria, la joven artista realizó exposiciones colectivas e individuales y fue galardonada con premios importantes a nivel nacional en los últimos cuatro años.

En 2015 obtuvo el segundo lugar en el Premio Plurinacional “Eduardo Avaroa” en Pintura, y el premio único en la categoría Arte Joven en el Concurso Nacional de Pintura en Oruro. En 2014 se hizo del premio “Ivar Méndez INTERNATIONAL FOUNDATION” en la categoría Pintura; y en 2013 recibió el Premio Pintura en el LXI Salón Municipal de Artes Plásticas “Pedro Domingo Murillo”. ////////



Orquesta Filarmónica brinda homenaje de gala por la revolución de Oruro

La Orquesta Filarmónica junto a José Salas Terrazas y Alfonso Carpio Herrera, ofrecerán un recital de gala, esta noche a partir de las 19:30 horas en el salón principal del Club Oruro, como un homenaje a la revolución del 10 de Febrero de 1781, con el auspicio de la Universidad Técnica de Oruro (UTO).

En esta oportunidad los virtuosos de la música, interpretarán composiciones de personalidades orureñas que podrán ser disfrutadas por la sociedad que asista.

"Es una iniciativa de nuestro rectorado (de la UTO) y nosotros siempre puestos como orureños, hemos escogido en esta oportunidad, temas absolutamente de compositores orureños, también con interpretes orureños, estará presente el señor José Salas quien interpreta la concertina con muchas obras de Oruro y composiciones propias y Alfonso Carpio, quien tiene en su haber un trabajo excelente en la armónica", refirió el director de la Orquesta Filarmónica de Oruro, Vito Modesto Chambi Guzmán.

Se dará vida a composiciones de artistas como Gilberto Rojas, Arturo Peñaranda, Julio Rodríguez Berrios, Wilfredo Torrico, José Flores, Marlene Durán, Víctor Jiménez, Félix Sangüeza, José Salas y el mismo Vito Chambi.

La presentación estará dividida en dos partes, iniciando con los maestros de la concertina y la armónica, José Salas y Alfonso Carpio, para luego dar paso a la Orquesta Filarmónica, con su sección cuerdas, con un programa especial.

"El trabajo con la orquesta, ha sido siempre un cariño para Oruro a partir de la Universidad, es una iniciativa propia también, hemos rehecho la primera orquesta de cámara ´San Agustín´, que luego en conjunción con la entonces Escuela de Música se conformó la filarmónica y estamos vigentes y trabajando plenamente", enfatizó Chambi.

El compromiso siempre puesto en trabajar por Oruro, por lo que pasado este recital, ya se prepara un nuevo repertorio con "Las cuatro estaciones" de Antonio Vivaldi.

Dos virtuosos del Pincel Vidal Cussi y Corina Aguilar presentarán “Esencias”


El Centro Cultural de la UPB abrirá este año sus puertas con la exposición de dos pintores bolivianos ganadores de varios premios nacionales y locales, Vidal Cussi y Corina Aguilar, quienes proponen una visión propia de temas tan profundos y actuales, como el cuidado del medioambiente y de la naturaleza. La muestra se inaugurará el jueves 16 de febrero, a las 19.30 horas, en El Centro Cultural de la UPB, en Obrajes, en la calle 5 esquina y Av. Hernando Siles.

Vidal Cussi y Corina Aguilar abren la temporada de exposiciones en dicho Centro con propuestas paralelas que se unen en una sola titulada por ellos mismos como “Esencias”, con esta palabra, ambos artistas quieren poner en escena su esencia, es así que cada uno desde su propia propuesta artística y a partir de su experiencia, llenará de vida el centro cultural de la UPB, en una exposición que promete no sólo una explosión de color y formas geométricas, sino la interpelación del visitante acerca de la temática del medioambiente.

“Esencias” es la primera exposición del año afirma Rita Calvo, encargada del Centro Cultural UPB, y ha sido una gran sorpresa y un honor conocer a estos dos artistas que tienen no sólo una propuesta pictórica concreta y bien fundamentada, sino que traen también un mensaje muy importante para nuestra sociedad.

viernes, 10 de febrero de 2017

El rostro del Altiplano en "Warmis", exposición de Jesús Céspedes

"Warmis" (mujeres) es el denominativo que dio el artista plástico Jesús Céspedes Mérida a su nueva exposición pictórica, que ayer fue inaugurada en el salón "Luis Ramiro Beltrán" del Gobierno Autónomo Municipal de Oruro (GAMO), donde se muestra en gran parte de sus obras "el rostro" del Altiplano de Bolivia.

El secretario de Cultura del GAMO, Fabrizio Cazorla Murillo, describió el talento de Céspedes como un reflejo del alma del altiplano boliviano, estilo que fue perfeccionando en el transcurso de su vida artística, como virtuoso autodidacta.

"Este su estilo, este su trabajo lo ha ido construyendo por mucho tiempo, y es un resultado de un oficioso trabajo de investigación, para encontrar los perfiles, las características de la fisonomía de nuestra mujer boliviana, de nuestra mujer del Altiplano, de la mujer andina y en esta serie titulada ´Warmis´, es un estilo que caracteriza siempre a don Jesús Céspedes", reflejó Cazorla.

Son más de 25 obras que se muestran en el espacio municipal, que desde el fin de semana se trasladarán al salón "Valerio Calles" de la Asociación Boliviana de Artistas Plásticos (ABAP), por lo que el artista además de dedicar esta muestra pictórica a su querido Oruro, también aprovechó para pedir a la sociedad que se quiten esa apatía y puedan disfrutar de los pocos espacios artísticos que hay.

"Es puro dibujo al pastel, además que estoy haciendo muy dedicada como de costumbre a nuestra ciudad, a Oruro por esta fecha tan importante que tenemos, que es el 10 de Febrero. Lo importante es que se acostumbren las personas a visitar los museos, los salones de arte, veo mucha apatía y eso no es bueno", remarcó Céspedes.

Por su lado el presidente de la ABAP, Sergio Fernández, destacó la carrera y el enorme aporte al arte en Oruro, por ello se convirtió en un icono de los artistas plásticos en este departamento, además que a partir del 2016 existe un premio departamental que lleva su nombre.

CDC-O presentó ley departamental de emergencia cultural en Oruro

En conferencia de prensa en la Unidad de Comunicación del Gobierno Autónomo Departamental de Oruro (Gad-Oru), este jueves por la mañana, los miembros de la directiva del Consejo Departamental de Culturas de Oruro (CDC-O) presentó el anteproyecto de "ley de emergencia cultural", que pretende que se designe el 5% del presupuesto anual a la cultura.

Según explicó el presidente del CDC-O, Jimmy López, este proyecto de norma departamental se genera después de varios espacios de concertación, siendo el último en noviembre de la gestión 2016, donde una cumbre departamental de culturas manifestó la necesidad de tener mayor inversión para este sector, por lo que ese documento es la respuesta a dicho pedido.

Por su lado el vicepresidente del CDC-O, Sergio Gareca, explicó que esta norma es una ley "pequeña", misma que será el preámbulo para elaborar una ley macro para beneficiar a los artistas orureños, que en la actualidad únicamente reciben de inversión de la Gobernación de Oruro y sus municipios, sólo el 1.5% de su presupuesto anual.

Son cuatro artículos que integran el anteproyecto de ley departamental de emergencia cultural, que pretende encaminar a Oruro como un polo de la industrialización cultural, generando cadenas productivas y la diversificación económica.

El primer artículo determina la asignación del 5% para la gestión pública, estos fondos serán concursables según determina en el segundo artículo, para el incentivo a la creación artística, investigación cultural, salvaguarda del patrimonio, promoción, premiaciones y festivales, además de crear un fondo para la cultura viva comunitaria y editorial.

La planificación, programación, supervisión y fiscalización de estos recursos, será potestad de la Secretaría Departamental de Cultura y Turismo en coordinación estricta con el CDC-O.

Este anteproyecto de ley espera la respuesta de las actuales autoridades políticas del departamento, para ponerla en vigencia a partir de esta gestión, a través de un reformulado que siempre se genera en el Plan Operativo Anual (POA) de la Gobernación y los municipios.

Homenaje artístico a la efeméride del 10 de Febrero

En muy pocas ocasiones se puede apreciar una reunión de grandes artistas plásticos, pero se logró en la Exposición de Arte Contemporáneo Homenaje al 10 de Febrero, que se inauguró este jueves en el salón de exposiciones temporales de la Casa de la Cultura "Simón Iturri Patiño", quienes muestran su talento a través de diferentes técnicas, diferentes entre sí, pero que lograr un equilibrio adecuado en esta exhibición.

Esta reunión de obras de artistas reconocidos, se consiguió gracias a Extensión Cultural de la Universidad Técnica de Oruro (UTO), que logró tener creaciones en un solo salón como las obras de virtuosos de alta calidad.

Para esta oportunidad se cuenta con la participación de Alberto Valdez, Saúl Marcelo Rivera, Freddy García Funaro, Wilson Zambrana, Nelson Jaliri, Maida Mejía, Bruno Collarana, Grover Padilla, Basilio Roque, Johnny Gironáz, Maclovio Marconi, Walter Calsina, Orlando Canaza, Edwin Cartagena, Juan Pablo Canaviri y Robert Berrios.

En los muros se pueden observar obras de grandes dimensiones que llaman la atención de propios y extraños, con diferentes técnicas y temáticas, entre óleo, acuarela, dibujo y mixtas, que logran mostrar paisajes, retratos y creaciones que dejan impresionados a los ocasionales visitantes de la Casa "Simón I. Patiño".

No son menos sorprendentes las esculturas que se aprecian en el centro del salón, con técnicas también mixtas que muestran la habilidad en el moldeado de los artistas bolivianos.

La exposición se mantendrá vigente hasta el sábado 18 de febrero, donde los amantes del arte podrán disfrutar de estas obras que ya están dando mucho de qué hablar, porque se muestra una selección "fascinante" de obras en grandes y medianos formatos con colores muy modernos que rompen en muchos casos la tradicionalidad de las obras clásicas.

Conmemorando el aniversario de Oruro Carnaval con la Orquesta Sinfónica



La música del Carnaval será interpretada por la Orquesta Sinfónica de Oruro.

La Orquesta Sinfónica de Oruro, dirigida por el maestro Jesús Elías Lucero, se presentará hoy en el Teatro Municipal, con la fusión de instrumentos clásicos en la interpretación de melodías tradicionales y representativas del Carnaval de Oruro a horas 20.00.

La música del carnaval será interpretada por la Orquesta Sinfónica de Oruro, para reflejar el talento que poseen los 50 jóvenes orureños que la componen, quienes acompañados de la Morenada Central Oruro, Artística y Cultural La Diablada, Morenada Ferrari Guezzi, Caporales de San Simón, Tobas Sud y los conjuntos Taller Cultural Tinkus Wistus y los Suri Sicuri de La Paz, manifestarán una muestra de la fe que profesan a la Virgen del Socavón.

Miguel Manzaneda, representante de la empresa promotora del evento, afirmó: “Diferentes coreografías demostrarán la riqueza del folklore boliviano expresada en el carnaval orureño en una fusión de música folclórica clásica, es así que se invita a todos los orureños que vengan a escuchar suites de diablada y morenada”.

El director de la Sinfónica, el maestro Jesús Elías Lucero, explicó: “La orquesta sinfónica fue fundada 1921, y es la única orquesta que ha subsistido al tiempo de manera particular, gracias a la tenacidad de intérpretes que se unieron por amor a la música, los instrumentos por su naturaleza interpretan música universal, por qué no trasladarlos para interpretar música nacional y exportarla”.

La actividad se realiza en conmemoración de los 236 años del grito libertario de Oruro en el Teatro Municipal, con la fusión de instrumentos clásicos en la interpretación de melodías tradicionales y representativas del Carnaval de Oruro a horas 20.00.

Presentan obras “Tania en Flor” y “Capricho”

El Espacio Simón I. Patiño presenta hoy dos obras poéticas “Tania en flor” y “Capricho”, de la autora Sulma Montero, en el Auditorio del mismo nombre a horas 19.30.

“Tania en flor” es un libro de poesías e ilustraciones que entra en su segunda edición. Lella Buzzachi dijo: “De los versos de Sulma Montero brota un reino fabuloso, quizás el mejor contrapunto a la vida de cada día, un reino que parece ser su misma alma. Ahí está su manera de acompañar las palabras con la originalidad que crea el milagro de la poesía”.

La flor no es un simple ornamento en su poesía, sino un símbolo, el recuerdo de un paraíso perdido, la cercanía a lo sagrado que emerge desde el origen para proteger sus versos.

El libro “Capricho” está realizado con la inspiración que resume el trabajo de nueve años de contemplación poética, sale a la luz editado por Plural y lo complementan flores ilustradas en sueños por su autora. Según Ioana Trica (Rumania): “Profunda y refinada, al parecer frágil, la poesía de Sulma Montero posee el sello de lo indescifrable. Es un encuentro de imágenes, de emociones, de fragmentos de vida que se abren como flores. Sus poemas nos recuerdan que la pureza ‘da luz a otra inocencia’ y nos conmueven con su entrega”.

“Capricho” es un libro “de rara belleza que ilumina y consagra un mundo puro e inaccesible, revelado sólo en la magia de un sueño”.

LA AUTORA

Sulma Montero nació en La Paz. Estudió Literatura, Diseño y Arte. Fue galardonada con el Premio Plurinacional Eduardo Abaroa, 2015. Creó el taller itinerante Pintando mi vida, con el que ganó la beca de la comisión al fomento de la cultura Herrmann y en el que trabaja haciendo arte junto a niños con capacidades diferentes, enfermedades terminales y trastornos emocionales.

PRODUCCIÓN INTELECTUAL

Ha publicado: “Mujer con muñecas”, “Infancia”, “Tania en flor” (poesía). “Estuche original” (relatos) y “Serena” (novela), preselección Premio Internacional de Literatura Independiente Dino Buzzati, Italia 2015.

La presentación se realizará hoy en el Auditorio del Espacio Patiño, ubicado en la Av. Ecuador 2503 esq. Belisario Salinas, Edificio Guayaquil, mezzanine, tel.2410329 int.227, el ingreso es libre.

jueves, 9 de febrero de 2017

Elwaky trae su versión de la leyenda del Zambo Salvito




El Zambo Salvito es el bandido por antonomasia en Bolivia y tras su ejecución se convirtió en una leyenda y metáfora del crimen y el castigo. Es por eso que Títeres Elwaky adaptó su leyenda para desmenuzar la relación entre delirio, pobreza y poder.

“Principalmente, nuestras anteriores obras estaban destinadas al público familiar, partiendo de los niños, pero nos dimos cuenta de que con los títeres podemos tocar temáticas más densas. Es por eso que agarramos al Zambo Salvito, ya que nos ayuda a tocar otros temas y a cuestionar la noción de criminalidad que existe en el país”, explicó Alexia Laredo, una de las responsables de la pieza.

Buscado, la leyenda del Zambo Salvito es la adaptación que el elenco cochabambino realizó tanto de la leyenda del bandido como de los datos históricos que se tiene del personaje.

La pieza combina la técnica del títere de guante —en el que los muñecos son manipulados por la mano del titiritero en un escenario alto— con actores.

La idea, asegura Laredo, es crear un juego escénico en el que se complemente la historia y, al mismo tiempo, suceda “una especie de complicidad con el público al revelar que, detrás de las marionetas, está un ser humano, al igual que detrás del bandido Zambo Salvito está una persona”.

Los autores no quieren simplemente contar la historia. También buscan cuestionar los conceptos que están en ella y que ahora forman parte de la mentalidad social de los bolivianos.

“Todos ‘sabemos’ que a Zambo nunca le enseñaron los límites entre el bien y el mal, lo legal y lo criminal. Pero no se toca el tema de la relación de las figuras de poder, quienes también tienen responsabilidad en muchas de las acciones del bandolero”, agregó la titiritera.

La pieza se presentará entre esta noche y el sábado a partir de las 19.30 en el Teatro de Cámara (Genaro Sanjinés casi esq. Indaburo). (09/02/2017)

Anna Pardo y Natalya Shakhmatova dos virtuosas de la música


Brillante presentación de Natalya y Anna.

La voz privilegiada de Anna Pardo y la excelente ejecución de la pianista Natalya Shakhmatova se unieron en singulares presentaciones para interpretar piezas musicales de famosos compositores internacionales, demostrando así que la música no tiene fronteras y que permite abrir las puertas para alcanzar sueños.

“Abriendo Puertas” así se denomina la gira de conciertos efectuados en Santa Cruz, Cochabamba y La Paz en las que ambas intérpretes deleitaron los oídos del público asistente a cada presentación con temas de grandes compositores como Rachmaninov, Dvorák, Tchaikovsky, Offenbach, Gounod, Chopin y J. Strauss, entre otros.

“El nombre de la gira se relaciona con las obras presentadas, porque abren puertas a diferentes países musicales, despiertan sentimientos y te permiten imaginar los personajes de las obras. El concierto comenzó con música de un compositor ruso que fue interpretado magistralmente por Anna”, comenta la pianista Shakhmatova.

Por su parte, la soprano afirma que es la primera vez que interpreta música del compositor ruso Sergei Rachmaninov y que no conocía estas hermosas canciones que le abrieron las puertas para descubrir el sentimiento que se imprime en cada una de las obras y que a sugerencia de Natalya fueron incluidos en estos conciertos.

“Anna egresó del instituto Eduardo Laredo de Cochabamba en las especialidades de canto y piano, yo fui su profesora de piano cuando eligió la segunda área. Ella se fue a estudiar al exterior y regresó al país como una profesional. Antes la relación era de maestra y alumna, pero ahora encontramos esta afinidad pianista- cantante que nos reunió para hacer un dúo en la gira por Bolivia”, recuerda Natalya.

La maestra recuerda que Anna siempre tuvo un talento musical para el piano y el canto. Tocó obras de compositores como Chopin que requerían un buen nivel de ejecución. Siempre deslumbró por sus aptitudes en ambos campos, pero a ella le pareció que tenía un timbre muy especial en su voz por lo que le sugirió cantar.

“Lo esencial para tocar piano es sentir que transmites el sonido a través de tus dedos y logras pasar a la gente esa emoción que vive contigo al interpretar esa música. Tener esa habilidad y formación con las herramientas necesarias en sonido y técnica para ser aplicados y, lo más importante, conocer a los compositores y escucharlos”, enfatiza la pianista.

UN SUEÑO REALIZADO

La soprano Anna Pardo Canedo es cochabambina y proviene de una familia que siempre estuvo ligada a la música, porque su padre tiene un grupo musical y sus hermanos ingresaron en el instituto Laredo en la especialidad de canto y trompeta. Sus padres promovieron el talento musical en ellos y cada uno descubrió su virtud.

“Siempre canté desde pequeña y fui elegida solista en el coro. Escogí tocar piano, porque quería ser una gran pianista. Sin embargo, lo del canto fue algo más natural, pero no fue hasta que mi primera profesora de piano, Bethi Matienzo, a tiempo de enseñarme a tocar me impulsó a cantar en los conciertos. Y en secundaria pude elegir piano con Nataya y a la vez canto clásico con Elizaveta Vorojeikina”, recuerda la soprano.

Anna cuenta que era buena para piano, pero había empezado un poco tarde, a los 9 años. Ella piensa que para tener un nivel óptimo internacionalmente debía hacerlo a más temprana edad. A diferencia del canto, cuya edad era perfecta para comenzar la carrera. Ganó el concurso de canto “Das Lied” del Goethe- Institut en La Paz, esa fue la puerta que se le abrió para aprender alemán y proseguir con sus estudios en un conservatorio.

“Soy la hija mayor y mi padre, músico de profesión, quería que estudie otra cosa, pero al ganar el concurso y viajar a Alemania pude postular al conservatorio Real de Gante (Bélgica), donde me gradué el 2011. Hice la especialidad en la Escuela Superior de Música Reina Sofia en Madrid y me destaqué como la mejor alumna en ambos centros de estudio”, recuerda Anna.

Al retornar a La Paz, luego de más de 12 años de ausencia, Anna se siente emocionada, porque aquí tuvo la oportunidad de alcanzar el sueño que cambió su vida. Gracias al trabajo, dedicación y amor se le abrieron puertas a nuevos retos. La artista asegura que no solo basta con el talento, sino que uno debe estar atento y preparado para su llegada.

“El sacrificio más grande que hice fue alejarme de mi familia para viajar a Alemania, ya que somos muy unidos, pero a Dios gracias no estuve sola, porque siempre tuve su apoyo y, en particular, del que luego se convertiría en mi esposo, con quien tengo un hijo de 2 años. Ahora mi próximo reto es combinar mi profesión con la maternidad, así como lo hizo mi mamá con nosotros”, enfatiza la soprano.

Ana Pardo tuvo varias presentaciones en escenarios europeos, donde fue solista bajo la dirección de destacados directores como Dirk Brossé, Michel Tilkin, James Halliday, Yannis Pouspourikas. Henk Soenen, Eric Lederhandler, Dick Javan der Harst, Sandra Lammens, entre otros, que conocen de su calidad interpretativa y la respetan.

SE VIENE "RUIZ X TANGO" EN EL CÍRCULO DE LA UNIÓN

Con una demostración de tango y milonga, ofrecida en la sede argentina, los artistas Ángeles Ruiz (boliviana) y Sebastián Ruiz (argentino) presentaron el espectáculo denominado "Ruiz x Tango + Mariana Novoa" que se efectuará el viernes 10 de febrero en el Patio del Círculo de la Unión.

El evento forma parte de una gira por diversos departamentos del país, organizada por la Embajada de la República Argentina y Piantao Tango.

La pareja de baile anunció que su actuación será acompañada por la imponente voz de la cantante argentina Mariana Novoa.

Durante la gira, los artistas también están impartiendo talleres para quienes deseen dar sus primeros pasos en el tango.

Concurso fotográfico Captura lo mejor del Carnaval Boliviano 2017

El concurso tiene el objetivo de capturar lo mejor del carnaval boliviano, es una iniciativa de la empresa Huawei y el Ministerio de Culturas, la pugna fotográfica se realizará desde el martes 7 de marzo al 13 del mismo mes.

Para participar en el concurso, cada participante deberá fotografiar los mejores momentos en el desarrollo de las entradas folklóricas, así como los trajes que se realizan cada año, las festividades previas y las posteriores como comadres y compadres, entierro del pepino y otras. Elena Álvarez, gerente de Marketing de Huawei Bolivia, dijo: “Como Huawei nos aliamos con el Ministerio de Culturas y Turismo, para potenciar el carnaval boliviano retratando las mejores imágenes”.

Para poder participar se debe descargar la aplicación de Bolivia te espera de la app store y cargar la mejor fotografía en una de las tres categorías: danza y trajes típicos, tradición del carnaval y carnaval compartido. Este concurso se desarrollará a través de redes sociales de Huawei Mobile Bolivia y del Ministerio de Culturas y Turismo.

La premiación se realizará por medio del mayor cúmulo de votos de las fotografías en el mismo minisite desde el martes 7 a horas 8:30 hasta el jueves 9 de marzo hasta las 22:30 horas. El ganador recibirá como premio un Huawei Mate 9 con cámara profesional Leica.

Sinfónik ofrecerá concierto para apoyar a O’e Cárdenas

En loable iniciativa, la Sinfónik brindará un concierto mañana, a horas 20:00, en la Iglesia San Miguel, en apoyo a O’e Cárdenas, quien sufre un cáncer en el brazo. El costo de los aportes es de Bs 50 y están a la venta en Supermercados Ketal de la calle 25 de Calacoto y en la Av. Arce.

Rita Calvo, directora Ejecutiva de la Sinfónik, dijo: La iniciativa nace cuando nos enteramos del caso del niño por los medios de comunicación; luego, el señor Victor Hugo Cárdenas nos comentó que es una enfermedad terrible y que su hijo O’e necesitaría todo el apoyo posible para enfrentar un largo proceso de curación.

Se consultó a los músicos y se decidió junto con el Director invitado Gastón Arce que debía apoyarse a esta familia boliviana. En el proceso se unieron instituciones como el Banco BCP y otros auspiciadores, entre ellos la familia Dueri, que hacen posible un lugar para los ensayos y la difusión del evento, refirió Calvo.

En el reportorio del concierto se ejecutarán piezas para violín y orquesta en La Menor bwv 1041, el Preludio y fuga en mi bemol mayor “Santa Ana” para órgano bwv 552, tres corales sagradas de Martín Lutero y para finalizar el concierto con dos violines y orquesta en re menor bwv 1043. La Sinfónik cuenta con la participación de 15 músicos profesionales destacados en el ámbito artístico.

Todo lo que se recaude será destinado íntegramente a la recuperación de O’e Cárdenas, quien necesita del apoyo y solidaridad del público paceño. Las entradas están a la venta en Ketal Supermercados de la calle 25 de Calacoto y en la Av. Arce. El aporte es de 50 bolivianos.

miércoles, 8 de febrero de 2017

Tarata inspira pinturas de más de 50 artistas



Más de 50 artistas plásticos de cuatro departamentos del interior del país e invitados de Perú y Suiza inspiraron sus pinturas en diferentes paisajes de la provincia colonial de Tarata.

El I Concurso de Pintura Osvaldo Sánchez Terrazas se llevó a cabo desde el 3 de febrero hasta ayer en Villa Recreo (Tarata).

El premio de 7 mil bolivianos fue entregado a Rosmery Mamani y las tres nominaciones a los artistas Dario Antezana, Remy daza y Rina Mamani. El jurado calificador estuvo compuesto por tres artistas de renombre y dos integrantes de la familia.

“Estos tres días, los artistas han ido pintando alrededor de la casa y además también en zonas aledañas”, indicó María Eugenia Sánchez.

Explicó que se trata de un primer concurso de muchos que realizará la familia Sánchez Terrazas con el objetivo de consolidar una muestra artística con las obras ganadoras.

Osvaldo Sánchez Terrazas nació en Tarata el 4 de febrero de 1924 y murió en la ciudad Cochabamba en mayo de 2012. En vida organizó diversas actividades culturales en Villa Recreo.


V Bienal Contextos lanza convocatoria abierta para artistas y no artistas



La V Bienal de Arte Contemporáneo Contextos invita a todos los artistas y no artistas a participar de su exposición 2017 con una fotografía de rostro, popularmente conocida como “selfie”.

“El tema no es otro que los contenidos surgidos de la necesidad de hacerse una selfie”, indica la convocatoria oficial.

Para participar, los interesados deberán mandar un máximo de dos fotografías impresas de 20x30 centímetros en físico y en digital.

En el caso de otras propuestas alternativas, consultar los curadores del evento, Ramiro Garavito y Douglas Rodrigo Rada, a través del correo: bienalcontextos@gmail.com.

Es requisito que todos los participantes residan en Bolivia.

“Se aceptarán todas las obras enviadas para la convocatoria, la curaduría se reserva el derecho de ampliación de las obras que se consideren pertinentes”, especifica el comunicado de la V Bienal Contextos.

El plazo de la convocatoria es hasta el 15 de agosto de 2017.

Las fotografías impresas deberán ser adjuntas a un CD que contenga la imagen en formato de impresión, jpeg o tiff. Las mismas deben ser enviadas o entregadas en el Centro Pedagógico y Cultural Simón I. Patiño, ubicado en la avenida Potosí #1450.

“Al participar, los artistas manifiestan su conformidad con las bases de la convocatoria y autorizan a los organizadores el uso de sus imágenes para fines promocionales y de exhibición, sin afectar sus derechos de autor. Cualquier imprevisto en la presente convocatoria quedará a criterio de los organizadores y miembros de la curaduría”, finaliza el documento.

La Bienal de Arte Contemporáneo Contextos se realiza con el objetivo de promover la producción y reflexión sobre el arte contemporáneo boliviano. Cada dos años se convoca a artistas de toda Bolivia para reflexionar sobre un tema vigente en el arte.


Arte, Pintura, Cultura, Teatro