martes, 21 de febrero de 2017

Dibujos muestran el cariño de una orureña por sus tradiciones


María Victoria Del Carpio Burgoa es una orureña que por cuestiones de la vida, radicó en diferentes países del mundo, donde siempre destacó que venía de la Capital del Folklore de Bolivia, resaltando su fastuoso Carnaval, pero siempre se quedaba con el sentimiento que podía hacer más, por ello recurrió a sus dotes artísticas del dibujo y creo una colección que muestra las facetas de la Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.

El hall de la Casa de la Cultura "Simón Iturri Patiño", sirve para exponer las 20 obras que realizó Del Carpio, "armada" con su lápiz y colores, creó una a una diferentes imágenes que muestran la fastuosidad de la festividad orureña.

"Es una rememoración histórica de todo lo que es el Carnaval desde sus orígenes, que se remonta al tiempo de los Urus, entonces hice una revisión bibliográfica de todo el material que existe, a partir de ello empecé con los orígenes del Carnaval, las leyendas de las cuatro plagas, del Chiru Chiru y una descripción general de las danzas", refirió Del Carpio.

Su formación como educadora, antes de realizar este trabajo, se ocupó de hacer una investigación exhaustiva del Carnaval de Oruro, sus orígenes y las especialidades que alberga la festividad, por ello la exposición se denomina "Un viaje en el tiempo", donde se muestra el inicio de la historia de la Obra Maestra hasta la actualidad.

Su ausencia por años en Santiago de Chile o en Madrid España, hicieron que pudiera presentarse como orureña y con quienes se encontraba, podía reflejar sus experiencias en el Carnaval, recuerdos que comienzan desde muy pequeña, cuando con toda la familia iban a ver la entrada, para después bailar en los caporales y en la morenada.

"Siempre me preguntaban del Carnaval y entonces todas experiencias que he tenido fuera del país, somos los ciudadanos de a pie, los que damos a conocer nuestra cultura, nuestras costumbres y lo que somos en el día a día", refirió Del Carpio.

Los dibujos a lápiz y colores fueron digitalizados en sus fondos, por Vladimir Choque Villcacuti.

Artistas pictóricos se reúnen en muestra conjunta

Una exposición reúne a un colectivo conformado por tres artistas de trayectoria y tres nóveles, quienes presentan 35 obras. “Visiones del Arte”; la muestra puede verse actualmente en la sala Arturo Borda de la Casa de la Cultura y estará disponible hasta el 10 de marzo.

En ocasión de las fiestas de carnaval, la Secretaría Municipal de Culturas presentó la exposición “Visiones del Arte”, que reúne a los artistas de trayectoria, Alberto Medina, Édgar Cruz y Eusebio Choque, con los jóvenes Vidal Cusi, Corina Aguilar y Freddy Huchani.

La muestra está disponible actualmente en el Salón Arturo Borda de la Casa de la Cultura y podrá verse hasta el 10 de marzo.

A través de 35 obras, los artistas expresan diferentes visiones que reflejan el estilo particular que posee cada uno. El objetivo de la muestra es promover las tradiciones bolivianas dentro del arte.

Lilia Lázaro, responsable de Salas de Exposición de la Casa de la Cultura, manifestó: “La temática es libre, cada artista tuvo la libertad de elegir la forma de expresar sus sentimientos, emociones, su visión, su realidad y su forma de vida”, manifestó.

Son seis creadores unidos por el lenguaje del arte y la tradición del carnaval.

Alberto Medina, al igual que Eusebio Choque y Édgar Cruz, son artistas de reconocida trayectoria que presentaron varias exposiciones en salas del país. Cuentan, además, con premios y reconocimientos.

Por su parte, Vidal Cussi fue ganador del Gran Premio del Salón de Artes Pedro Domingo Murillo, en varias ocasiones. Corina Aguilar es ganadora del premio en Pintura del Salón Municipal Pedro Domingo Murillo y Freddy Huchani obtuvo varios premios en el país.

Las miniaturas de Artesanías Rosa Boliviana precautelan nuestro folklore


En el salón de exposiciones de la Casa de la Cultura "Simón Iturri Patiño", se muestra el trabajo de Artesanías Rosa Boliviana, que todos los años realizan este tipo de exposición de vestimenta en miniatura, para resaltar la "grandiosidad" del Carnaval de Oruro, Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.

El propietario de Artesanías Rosa Boliviana, Rolando Sunavi, explicó que la muestra de trajes en miniatura es una pequeña parte de los que tienen en su tienda en la calle Soria Galvarro entre Adolfo Mier y Junín, donde la principal temática en la cultura boliviana y el Carnaval de Oruro.

"Lo que queremos es mostrar lo que tenemos y los turistas se lo lleven de obsequio y lo puedan lucir en algún lugar de su casa. Esta exposición surge como una iniciativa de preservar principalmente estas danzas, porque hoy en día el mayor problema que tiene Bolivia es que nos andan plagiando por todo el mundo, entonces creo que hay que dejar precedente, al fin y al cabo es Oruro el precursor de la cultura", remarcó Sunavi.

Este tipo de suvenir, donde se muestra un poquito de la cultura boliviana, sin lugar a dudas es una buena manera de promocionar la Obra Maestra, porque es lo que se busca con el trabajo de todos los artesanos de esta empresa orureña.

Su compromiso con la defensa del Carnaval de Oruro, hace que empiecen a ampliar su trabajo en el campo de las artesanías en miniatura, ingresando a los trajes en escala real, mismos que podrán ser lucidos en la próxima edición de esta festividad.

"Ahora vamos a emprender el hacer estos trabajos a escala natural, ya estamos iniciando con un proceso de caretas, que ya van a ser lucidas el próximo Carnaval de Oruro", refirió Sunavi.

La exposición comparte espacio con las demás muestras de otros artistas y artesanos, que también manejan la temática del Carnaval de Oruro y estará vigente hasta pasada la festividad.

El arte abstracto y su lenguaje visual propio

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hizo accesible y mostraba formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser solo ligero, parcial o completo. La abstracción existe con cierta graduación.

Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían, por ejemplo, el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.

Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.

Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

HISTORIA: SIGLO XIX

Tres grandes movimientos artísticos precedieron al arte abstracto: romanticismo, impresionismo y expresionismo.

Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas como James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, (“Nocturno en negro y oro: el cohete que cae”, 1872), dio más énfasis a la sensación visual que a la representación de los objetos.

Asimismo, un interés objetivo en lo que se ve aparece en cuadros de John Constable, J M W Turner, Camille Corot y la mayoría de los pintores de plen air de la escuela de Barbizon.

SIGLO XX

Paul Cézanne había comenzado como impresionista, pero su reconstrucción lógica de la realidad desde diferentes puntos espaciales, usando el color para crear módulos y planos, se convirtió en la base de un nuevo arte visual que más tarde desarrolló el cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso.

Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica, dibujando distorsiones y exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del XIX. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se vieron influidos principalmente por la obra de los postimpresionistas fueron decisivos para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX con obras como El grito y La entrada de Cristo a Bruselas.

El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del artemoderno.

A comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras “salvajes”, de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo. El crudo lenguaje de color tal como lo desarrollaron los fauves directamente influyó a otro pionero de la abstracción Vasili Kandinski.

Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fauvismo el movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX.

Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Las señoritas de Aviñón, de 1907, Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recordaban máscaras tribales africanas y sus nuevas creaciones cubistas.

El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies elementos de collage, papier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de collage con Kurt Schwitters, Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el desarrollo del movimiento llamado dadaismo.

Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas y norteamericanas se habían vuelto extremadamente activos conforme se esforzaron por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones del modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse mutuamente a través de libros de artistas, exposiciones y manifiestos de manera que muchas fuentes estaban abiertas a la experimentación y formaron la base de la diversidad de modos de abstracción.

MÚSICA

Algunos acercamientos al arte abstracta tenían conexiones con la música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma.

La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo. Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India, China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el “estado sin objeto” se vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto “interior”. Las formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad visible.

Abstracción lírica Cronológicamente, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en 1904, como el primer pintor abstracto. Pero la abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus verdaderas bases establecidas por Vasili Kandinski. Su obra ilustra la llamada abstracción lírica, llegó entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas europeos hicieron experimentos en esta línea.

OTRAS ABSTRACCIONES

Otras abstracciones Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros del grupo.

De Stijl pretendía reformar el medio del futuro. En Italia el futurismo, mezclado con la influencia Bauhaus, guió el camino hacia un arte abstracto con una paleta de color distintivamente cálida como en las obras de Manlio Rho y Mario Radice.

En el período de entreguerras (1918-1939), Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad.

El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de la guerra.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940. Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo período de interés por la geometría y la estructura, mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria.


Setenta jóvenes presentarán obras breves

Para cerrar el ciclo del Taller “Paso a Paso”, setenta jóvenes artistas presentarán desde hoy hasta el jueves 23, varias obras de corta duración en el Teatro de Cámara, a horas 19.30.

Desde hoy, jóvenes artistas pondrán en escena obras de 20 a 25 minutos de duración, resultado de los talleres que dicta el actor de teatro Daniel Gonzales, director de Talía Producciones.

A la fecha, Gonzales llevo a cabo más de 25 talleres de actuación y el evento llamado “Paso a paso es posible” se dará en su versión número 14, espacio propicio para que los estudiantes demuestren todo lo aprehendido en escena.

Gonzales explicó que las obras de teatro contienen temáticas sociales de la vivencia en el país y citó como ejemplo, el consumo de bebidas alcohólicas, drogas, violencia contra la mujer y los menores. Además obras del destacado escritor Antonio Paredes Candía, serán interpretadas por poseer temáticas significativas en la producción intelectual de la literatura folklórica.

Espacios culturales registrados en 33 ciudades

“Espaciario: Chacras de cultivo cultural de Bolivia”, libro donde se presenta un mapeo de 151 espacios culturales no estatales, que se encuentran en 33 ciudades distintas del país, fue el trabajo de un equipo de gestores. Lil Fredes, una de las investigadoras, habla del proyecto y las expectativas del equipo.

—¿Cómo surge la idea de hacer el Espaciario?

—Es una idea que data de hace muchos años. Varios gestores, artistas y actores culturales coincidían en la necesidad de tener datos sobre espacios culturales fuera de su ciudad de residencia para poder gestionar presentaciones o sinergias y fortalecer la circulación cultural.

Cuando nació TelArtes, en 2012, se presentó el contexto ideal para iniciar un primer mapeo. Allí se hizo un primer ejercicio, con datos de siete ciudades capitales y una intermedia.

Con el paso del tiempo y distintas experiencias compartidas con las redes latinoamericanas, en 2015 se plantea un mapeo más profundo y con mayor alcance, que obtuvo el apoyo de Hivos para su realización.

—¿Cuál fue el proceso de selección de los espacios?

—Se partió con una serie de criterios (espacios físicos, no estatales, con personería jurídica o al menos tres años de gestión, que realicen al menos 12 actividades al año, que permitan que terceros presenten propuestas, no lucrativos o que su objetivo principal sea el cultural). Partimos de las bases de datos de TelArtes, búsquedas exhaustivas en Internet y guías, datos relevados por otras instituciones o periodistas, recomendaciones de espacios realizadas en el taller de lanzamiento, un formulario publicado en redes sociales y la colaboración de actores culturales en las ciudades visitadas.

Al no pretender mapear la totalidad de espacios, partimos de esa base de datos y visitamos aquellos con los que pudimos consolidar una cita.

Asimismo, demuestra la importancia de impulsar o darle continuidad a investigaciones y estudios sobre el campo cultural.

domingo, 19 de febrero de 2017

Comuna convoca a los artistas a participar en feria dominical

Con la finalidad de fortalecer las actividades culturales en La Paz, la Secretaría Municipal de Culturas convoca a los artistas de distintas manifestaciones a participar en las ferias dominicales de El Prado y en las que se realizan en los diversos macrodistritos. Además, invita a inscribirse en el programa Cultura Viva Comunitaria y en el proyecto Habit–Arte.

El Alcalde Luis Revilla, tras el acto de firma de un acuerdo para que cinco casas del programa Barrios y Comunidades de Verdad sean espacios culturales, resaltó la transparencia de la convocatoria.

“De manera transparente y democráticamente se está convocando a los gestores culturales (artistas) para que realicen su actividad en los espacios públicos dedicados al ámbito artístico como la Feria Dominical de las Culturas y en estas casas comunales”.

El secretario municipal de Culturas, Andrés Zaratti, explicó que las propuestas para formar parte de cualquiera de las iniciativas serán recibidas hasta el 17 de marzo. Las características de las convocatorias se encuentran en el Facebook “La Paz Culturas.

Las convocatorias se encuentran dentro programa municipal de transparentación y de acceso ciudadano en las artes DemocratizArte.

El representante de Cultura Viva, Santo Callejas, resaltó el apoyo de la Comuna y destacó “que es el primer municipio del país que ha implementado el programa de Cultura Viva Comunitaria. El municipio designa recursos para que las organizaciones culturales puedan gestionar expresiones culturales”.

Arte, Pintura, Cultura, Teatro