martes, 23 de mayo de 2017

Única orquesta con composiciones originales tocará en Cochabamba



La orquesta Rodolfo Laruta y la Sonora Final los Andes presentará un concierto este 26 de mayo a las 21:00 en el Centro Alternativo Artístico Cultural La Troje.

El grupo que nació en junio de 2012 con profesores jóvenes y alumnos del Conservatorio Plurinacional de Música de La Paz, es un ensamble tipo Big Band compuesto por 20 músicos y es el único en Bolivia de este tipo que interpreta composiciones y arreglos originales.

Dirigida por el arreglista y compositor Juan Andrés Palacios y codirigida por Pablo Iturry, la Big Band recibió destacados invitados internacionales como la compositora turca Eda And, la coreógrafa Talía Falconi y los compositores Federico Valdez y Daniel Camelo.

La versatilidad de “La Laruta” le permitirá interpretar un repertorio variado, desde el jazz y la música contemporánea hasta la cumbia y la salsa entre composiciones y arreglos de piezas de otros autores. La entrada al concierto tendrá un costo de 40 bolivianos.

Wara Vargas llevó sus ángeles a Barcelona



En la serie La vida de los ángeles, la fotógrafa boliviana Wara Vargas Lara retrata a los personajes que lideran la danza de la diablada, buscando en ellos a la figura del ángel guardián. Las 15 imágenes forman parte de la muestra internacional Revela-T.

Esta exposición está dedicada al arte de la fotografía analógica que reúne a artistas de todo el mundo, quienes trabajaron bajo un concepto en común. Para esta, que es la quinta versión, el tema es Hidden, oculto en inglés.

“Es una gran experiencia de aprendizaje estar junto a obras hermosas realizadas con técnicas antiguas de fotografía”, manifestó Vargas Lara, quien es fotoperiodista de La Razón.

La muestra se desarrolla en Vilassar de Dalt, una pequeña localidad a pocos kilómetros al norte de Barcelona y estará abierta hasta el 28 de mayo.

Detalles de las instantáneas de Vargas y de cómo el público recibe la serie durante la exposición en Barcelona. Foto: Wara Vargas - La Razón

Paralelamente a la exhibición se organizan talleres, charlas y ponencias; proyecciones de documentales; una feria comercial de equipos y otras actividades, todas con el fin de evitar la desaparición de este arte.

La serie que Vargas Lara presenta es el resultado de dos años de trabajo. “Cuando era pequeña me impresionaba ver bailar a estos personajes, pensaba que eran ángeles de verdad. Mi madre me decía que todos tenemos un ángel que nos cuida. Me propuse mostrar que sí hay ángeles entre nosotros y fotografiarlos”.

Así retrató a los bailarines Sergio Gutiérrez, Jhonny López y Boris Camacho. “Los ángeles causan mucha atracción y cuando aquí en España saben que son personas que realmente usan estos trajes y conocen su historia, les atrae mucho la idea de venir a verlos al Carnaval de Oruro”, comentó. (23/05/2017)


La belleza femenina está plasmada en los dibujos de Richard Boris Huayta

Cerca de 14 obras muestran la magia del dibujo en sus diferentes técnicas y materiales, además de la belleza de la anatomía femenina, los trabajos son el resultado de la inspiración de Richard Boris Huayta Juaniquina, artista plástico que ayer por la noche inauguró una exhibición especial en el salón de exposiciones temporales de la Casa de la Cultura "Simón I. Patiño".

La muestra refleja la versatilidad artística de Richard Huayta a través de la técnica del dibujo que fue elaborada con diferentes materiales, como el lápiz, los pasteles, el carbón y el bolígrafo, muchos de ellos fusionados y con acabados muy interesantes.

La muestra fue inaugurada ayer por la noche con la presencia de autoridades de extensión Cultural de la Universidad Técnica de Oruro (UTO), además de artistas e invitados especiales. La exposición estará vigente hasta el 27 de mayo.

Orureño de nacimiento y egresado del Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA), mencionó que se propuso reflejar a través de sus obras lo que es la anatomía humana de la mujer, la mayoría de los retratos salidos de su imaginación o de algunas revistas y pinturas.

Indicó que para el dibujo, todas las técnicas empleadas tienen su grado de dificultad, por ejemplo en el bolígrafo, se deben efectuar los trazos en la dimensión deseada para darle el tono, el volumen y la proporción correspondiente, lo mismo con los pasteles, se debe tener un manejo especial para darle la profundidad y la sombras respectivas, cada trabajo tardó en realizarse entre tres a cuatro horas diarias por tres a cuatro días.

"Para hacer este tipo de dibujos, nosotros hacemos un estudio anatómico bastante profundo, comenzando desde la estructura ósea, seguimos con los músculos y terminamos en la piel, claro que ahora vemos un trabajo acabado de todo el cuerpo, pero debemos iniciar desde la estructura de la figura, luego complementamos con los tonos, las sombras y el volumen a cada figura para que no se vea plano", mencionó.

Añadió que en las clases, los docentes siempre recomiendan dominar la técnica del dibujo para incursionar en otros ámbitos artísticos como la pintura, que básicamente tiene las mismas características pero conlleva otro tipo de métodos para plasmar lo que uno desea en su obra de arte.

51 años de trayectoria Miranda muestra una nueva faceta de su arte a través de la acuarela

Los paisajes de diferentes sitios rurales del país se vieron reflejados a través de las pinturas en acuarela efectuadas por el artista Jaime Miranda Yucra, quien tiene una trayectoria de más de 51 años, las mismas que muestran una nueva faceta del pintor y que fueron expuestas a través de una muestra especial inaugurada en el hall de la Casa de la Cultura "Simón I. Patiño".

La inauguración se realizó a las 11:00 horas de ayer, con la presencia de autoridades de Extensión Cultural de la Universidad Técnica de Oruro (UTO), Gobernación, Asamblea Legislativa Departamental e invitados especiales.

Jimmy López Daza, presidente del Consejo Departamental de Culturas, señaló que el artista Jaime Miranda Yucra, muestra una nueva faceta de su carrera al exponer cuadros en la técnica de la acuarela con un detalle particular de mostrar la naturalidad de los paisajes rurales del país.

Indicó que los cuadros reflejan un recorrido por todas las regiones de Bolivia, y permite al espectador percibir los diferentes paisajes que se tienen, remarcó que es un homenaje merecido al artista que por más de 51 años mostró su arte en distintas etapas y de forma silenciosa.

El jefe de Extensión Cultural Universitaria, Maclovio Marconi, mencionó que el artista plástico debe dominar diferentes técnicas y esa es una de las particularidades de Jaime Miranda, quien muestra una soltura de trazos que expresa la composición de la naturaleza más allá de los detalles, aspecto que permite captar la naturalidad del paisaje en el momento en que se visita estos lugares.

"No estamos hablando de hiperrealismo, más bien es la intención de mostrar el colorido natural del paisaje y creemos que eso es digno de ponderar, puesto que son pocos artistas plásticos que van con la paleta y el material al sitio para poder arrancar las luces del momento, porque en el campo es permanente el cambio del paisaje por el astro solar", señaló.

Jaime Miranda Yucra indicó que estos paisajes son parte de sus viajes, donde tardó cerca de 30 minutos para captar el momento que está plasmado en las pinturas, lo cual es algo complicado porque se lo realiza a "vuelo de paso", según sus propias palabras.

"El pintor tiene que plasmar en realidad lo que en el momento ve en la naturaleza, si bien hay artistas hiperrealistas, ese trabajo se realiza en caballete, en cambio esta es una acuarela clásica que quiero mostrar al público y que el público asista para apreciar estas muestras", indicó.

La muestra estará vigente hasta el 31 de mayo en el hall de la Casa de la Cultura "Simón I. Patiño", ubicada en las calles Soria Galvarro entre Ayacucho y Cochabamba, son 20 pinturas que están en exhibición.

Teatro y danza en obra “Hermanas del Alba”

La obra en versión libre de danza y teatro de la pieza original de Federico García Lorca “La Casa de Bernarda Alba” será puesta por última vez por la compañía A ComPás Danzas Españolas Bolivia, nombrándola “Hermanas del Alba, hoy en el Teatro Municipal a horas 19.30.

La puesta en escena comienza en la calle Jaén esq. Indaburo y estará a cargo de casi una veintena de artistas de danza y teatro. Se trata de una representación que celebra ocho décadas de la muerte del poeta español.

La obra, dividida en cuatro cuadros, presenta el dilema de Alba, personaje a cargo de la represión social, económica y sicológica, representa la ideología española, el desprecio a la clase baja, el tema central es el enfrentamiento entre autoridad y libertad, o el conflicto entre la realidad y el deseo. “Los pobres son como los animales; parece que estuvieran hechos de otras sustancias”, señala una parte del libreto.

Bajo la dirección de Yadir Vásquez, el elenco estará conformado por Marta Monzón, actriz invitada, quien interpretará a Bernarda, Helena Bravo en el papel de Adela, Paola Cabrera interpretando a Martirio, Melissa Torres a Angustias, Ximena Vidaurre interpretando a Magdalena, Adriana Viscarra como Amelia, Kantuta Cavour en el papel de La Poncia y Carlos Heredia que será Pepe el Romano.

“Hermanas del Alba” será la obra que representará a Bolivia en el XI Festival Internacional de Teatro Mercosur que se realizará en octubre de la presente gestión en el Teatro Real la ciudad de Córdoba – Argentina, muestra artística que a logrado establecerse como un referente cultural en Latinoamérica y en diferentes países del mundo.

lunes, 22 de mayo de 2017

Marcela Mérida expone su lenguaje

“Esta mujer mitad y mitad, no teme ser habitada por presencias ajenas. No se queda en su pintura, va hacia la presencia que no inventa: La descubre”, dice Luís Mérida— asesor cultural— sobre la persona y la obra de Marcela Mérida.

Varios críticos están de acuerdo con que muchas de sus obras hablan de la cultura andina, más allá de eso, son una expresión de abstracción y realismo que se traducen en formas, colores y texturas de la positividad y la belleza de la creación que tanto la fascinan e inspiran a la hora de crear.

Marcela Mérida es pintora y ceramista que ha conseguido que su arte hable por sí mismo de la autenticidad y originalidad de un sistema de lenguajes plásticos. En sus 38 años de carrera artística, ha recibido varios premios y distinciones; además, ha realizado exposiciones importantes dentro y fuera del país.

Marcela estudió y se especializó en pintura y cerámica. También estudio Simbología Andina y realizó cursos de Profesorado Superior de Educación en Artes Plásticas en Argentina. Gran parte de su trayectoria la ha dedicado también a la enseñanza, trabajando con niños y adolescentes en la formación de promotores de cerámica en barrios marginales.

“Creo que tenía 12 años cuando pedí que me regalaran pinturas por primera vez, con la consciencia de que pintaría mi primera obra de arte: ‘un payaso’. Mis padres me cuentan que cuando me preguntaban qué quería ser, les decía que quería ser equilibrista, payaso o artista. Yo creo que siempre tuve la pasión y atracción por lo abstracto, subjetivo de lo que es la percepción del mundo. Desde entonces comencé a buscar y describir el mundo como yo lo veía desde el Arte”, dice Marcela, recordando cómo se enamoró de lo que hoy, con orgullo, le permite vivir y disfrutar.

“Soy una mujer afortunada” dice ella, que pese a la dificultad de gestionar arte en el país ha podido sostenerse con el trabajo que realiza.

Este 22 de mayo, Marcela realizará un “Open House” que se extiende hasta el sábado 27 de mayo, en su taller ubicado en la Aniceto Padilla entre Potosí y Recoleta, donde “Estaremos presentando nuestras piezas de cerámica en madera, obras acrílicas, reproducciones en lámparas, reproducción en cuadros, entre otros”.

La destreza adquirida por varios años en la práctica le permite contar con una amplia y rica gama de obras para exponer

Ballets obtienen certificación internacional



Con un espectáculo de primera en el teatro Gran Mariscal, el Estudio de Danza Amparo Silva y el Ballet Folclórico Municipal lograron su certificación ante el Consejo Internacional de Organizaciones de Festivales de Folclore y de las Artes Tradicionales (CIOFF).

El jurado conformado por Roberto Sardón, presidente de la CIOFF en Bolivia, la vicepresidenta Paola Rivero, y Edson Gil, miembro de la directiva, le dieron el sí a los nuevos miembros chuquisaqueños.

Esta acreditación permitirá a ambos ballets representar a Bolivia en diversos escenarios del mundo. Los grupos Wasiñan y Sobrevivencia los acompañaron con música en vivo, y la ovación del público ratificó el talento de los bailarines.

Los tres jurados expresaron su satisfacción por la calidad de las presentaciones. El presidente señaló que son importantes, además, para nutrir la calidad de los espectáculos de exportación. Rivero, por su parte, remarcó que la CIOFF se encuentra en 115 países, y hasta entonces, Gil Dance era el único acreditado de la Capital.

El despliegue de danzas del folclore nacional significó también un homenaje a los 208 del Primer Grito Libertario que se celebran este jueves.

La Bienal de Venecia ofrece una cara más esperanzadora y menos política que en anteriores ediciones.



En este mundo nuestro, tan lleno de conflictos, el arte sirve de testigo de aquello que nos hace humanos. Es el lugar definitivo para la reflexión, la expresión individual, la libertad y la formulación de las preguntas fundamentales”. ¿Suena un tanto naíf? Es el texto que recibe a los visitantes de Viva Arte Viva, la exposición general de la 57ª Bienal de Venecia, que se reparte entre el pabellón central de I Giardini y el antiguo Arsenal de la ciudad. Lo ha escrito su comisaria, la francesa Christine Macel. Conservadora del Centro Pompidou de París, ha escogido a 120 artistas de, literalmente, todas partes del mundo y los ha dividido en nueve pabellones transnacionales. De esta forma se distinguen de los espacios que gestionan los países como verdaderas embajadas artísticas en dura competencia por ofrecer la mejor imagen posible y, de paso, llevarse alguno de los premios.

Viva Arte Viva se divide así en el pabellón de los libros y los artistas, en el de los chamanes, el del tiempo y el infinito, los dolores y los gozos, el de los colores, el de las tradiciones y hasta el de la tierra. Macel ha pretendido una celebración del papel de los creadores en la sociedad y le ha salido una defensa sin complejos de lo que algunos llamarían buenismo y otros, pensamiento positivo, que buena falta nos hace.

Hay en su propuesta mucho de sentido comunitario, de elevación del tricotado a una de las bellas artes y de defensa de las manualidades, de lo provisional y lo nómada. Y poco, aparentemente, de la dictadura del curador como figura central del arte de las últimas décadas. Aunque luego no sea tan así.

Macel ha intervenido en la selección con mano dura y sin demasiadas concesiones: la mayor parte de los convocados son autores jóvenes, de fuera del circuito establecido. Hay polacos, sirios, chilenos, noruegos, argentinos, españoles, japoneses, eslovenos e incluso inuit. Hay vivos y muertos, mucho trabajo en equipo y abundantes descubrimientos. Y también alguna que otra estrella, como Philippe Parreno, Franz West u Olafur Eliasson, que esta semana supervisaba a un grupo de “solicitantes de asilo, refugiados y miembros del público” en el proyecto Green Light, en que los participantes fabrican lámparas de luz verde mientras reciben consejo legal o clases de idiomas.

Si es cierto que el trabajo de un curador en la bienal debe consistir en ofrecer una foto fija del arte en el tiempo preciso (los años impares) en que se celebra, entonces Macel lee un presente mucho más esperanzado y menos político que su predecesor, Okwui Enwezor, quien echó mano en 2015 de la dialéctica marxista con resultados algo sombríos.

Y tal vez tenga la curadora razones para el optimismo. La bienal abrió esta semana sus puertas por adelantado a un madrugador grupo de periodistas, críticos, directores de museos, artistas y galeristas antes de permitir el sábado la entrada el público (hasta el 26 de noviembre). Se pudo comprobar que en algunos temas coinciden la exposición general y un programa de los pabellones nacionales en el que, como es lógico, hay de todo. Y eso incluye la propuesta del austriaco, en el que Erwin Wurm ha puesto un camión de ocho ruedas de pie y pide al público que haga de estatua un minuto; la del estadounidense, al que se llega tras franquear una entrada rodeada por la basura a la obra de Mark Bradford, pintor negro que dibuja una América fea y asfixiante; o la del japonés, donde uno puede asomar la cabeza en mitad de un “bosque invertido”.

Se da en esta edición una curiosa casualidad. Una sucesión de pabellones reflexionan con brillantez sobre la misma idea del pabellón nacional, al fondo a la derecha de I Giardini, donde están los espacios fijos de los 30 países que se apuntaron a la Biennale en los años 30 y 40 (los demás se reparten como pueden por el resto de la ciudad). En ellos, se pone en cuestión tanto el sentido mismo del sistema de representación nacional como sus implicaciones en un plano bastante más explícito.

El de Canadá, por ejemplo, es una ruina a la que —mientras espera ser remodelada antes de 2018— le ha salido una fuga de agua con forma de géiser con la firma del artista Geoffrey Farmer. En el de Alemania, la joven Anne Imhof eleva el suelo del edificio, igual que sucede en el de Brasil, para albergar sus performances. Y si el suizo fantasea con la eterna renuncia de Giacometti a representar a su país en estas olimpiadas del arte, Francia ha convertido el suyo en un estudio de grabación obra de Xabier Veilhan por el que desfilará una impresionante lista de músicos experimentales escogidos por el artista Christian Marclay (León de Oro en la bienal de 2013 por su obra The Clock). “Todo el material que se genere será para que dispongan de él como deseen los intérpretes”, explicaba Marclay ayer con aire de paseante despistado.

Por lo demás, Venecia luce estos días como acostumbra en tales ocasiones: sigue tomada por su ración de famosos y los turistas, con yates multimillonarios atracados frente a las exposiciones. Pero en la inabarcable cantidad de actos paralelos a la bienal que se celebran en palazzos y fundaciones tal vez se encuentre la oportunidad de encontrar algo de todo eso que Macel espera del arte.

La OSN cierra el jueves el ciclo de las sinfonías de Beethoven con la ‘Novena



La música de Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770 -Viena, 1827) resuena a través de siglos y culturas con clamores que nos hablan del arte para todos y de que la música, a pesar de ser compleja, cuando es auténtica, perdura y no solo eso, conmueve. Suenan a pesar de los recortes presupuestarios para la cultura, de las concepciones utilitarias y elitistas del arte; y claro, de la ignorancia. Un pequeño ejemplo: ¿Qué pasó durante y después de los regímenes Reagan y la Dama de Hierro en Inglaterra? Las escuelas públicas tenían orquestas y los alumnos tocaban instrumentos sinfónicos. Eso fue quebrado y la globalización desde entonces ha forjado generaciones pragmáticas de oyentes y dirigentes que hoy en día se alejan del arte.

No es posible: nos han hecho creer que la música clásica, el arte abstracto y la literatura son artículos suntuarios para elegidos. Que en las escuelas quedan bandas —con el horroroso término “de guerra” cuando son incompletas— y no orquestas; y qué diferencia de sensibilidad se forja escuchando solamente bandas. Y a pesar de ello, está esa necesidad humana por el arte, que Beethoven supo comprender. Y claro, las orquestas sinfónicas siguen subexistiendo en todas partes del mundo, y no solamente acompañando rockstars, sino tocando las tres bes, y algunas emes, y otras haches también: Bruckner, Beethoven, Bramhs, Haydn, Mahler. Y por supuesto miles de anónimos compositores locales. Siempre al borde del colapso por la falta de apoyo gubernamental, como nuestra Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), que no obstante se las arregla para tocar el ciclo completo de las sinfonías de Beethoven, actividad que ciertamente viene ocurriendo hace más de un siglo en todo el mundo.

Escritos. Un fragmento de la partitura la ‘Novena Sinfonía’ retocada y dirigida por Gustav Mahler. Foto: pinterest.com

Beethoven nos dejó un mensaje imperecedero aquella noche del 22 de diciembre de 1808. Fue un invierno de aquellos (si no tenías calefacción, olvídate), imaginemos estar en el mítico Theater an der Wien —el lugar en el que Mozart estrenó La flauta mágica— con 2.800 personas expectantes (imaginemos: nuestro Teatro Municipal cabría enterito ahí dentro). ¿Qué pasó?, un músico dijo adiós a su carrera como concertista a causa de su sordera. Beethoven interpretó aquella noche nada menos que cuatro horas de sus más recientes creaciones; ojo, en un teatro considerado como popular. Fue sin duda alguna un acontecimiento magnífico: el Cuarto concierto para piano, La quinta, bendecida luego por el Sanctus de la misa en do mayor, La sexta, y para rematar: La Fantasía Coral (para piano, orquesta y coro). La gente aguantó semejante festín sonoro.

La música —y no solamente “la popular”— es para todos, nos sigue susurrando el sordo de Bonn; quien en este mismo teatro se atrevió a estrenar, para el pueblo y no la aristocracia, su monumental Tercera, el Tercer concierto para piano y Leonora. No creo que el público de aquellos conciertos estuviera formado en apreciación musical y menos en análisis formal y armónico. Beethoven no produjo música fácil, sencillamente creó para su audiencia un pensamiento musical auténtico. Pensamiento basado en el concepto de un tema que engloba varias ideas musicales que unifican toda la obra sobre la base de sus transformaciones y que, además, genera incluso los contrastes necesarios para renovar la percepción de la estructura musical.

Una página del manuscrito de la primera página del IV movimiento de la ‘Novena’. Foto: pinterest.com

Durante este tiempo que se extendió por casi 20 años el compositor estuvo gestando su Novena hasta que un año antes de que Bolivia naciese como república, el 7 de mayo de 1824, ya avejentado, la estrenó en otro escenario imponente: el Kärntnertortheater de Viena, con un aforo de 2.400 butacas. Lleno total. Otra vez los esquemas saltaron por los aires: era inconcebible que una sinfonía durara más de una hora y para colmo concluyera con coro mixto y cuatro solistas vocales.

El malhumorado Beethoven volvía a un teatro después de una ausencia de ocho años para dirigir la obra. El concertino de la orquesta Michael Umlauf se hizo cargo advirtiendo a los músicos que no siguieran al maestro. Las dificultades técnicas fueron enormes, la orquesta del Kärntnertortheater tuvo que ser reforzada y fue necesario un coro de 90 personas para lograr un balance adecuado. Los ensayos —y ¿cuándo no?— fueron insuficientes y cuenta la crítica de la época que los solistas al no poder cantar sus partes se callaban, que no sonaban matices, que los músicos eran débiles... Al final nada de eso importó. La contralto solista Carolyn Unger tocó el hombro del maestro, lo giró tiernamente y le mostró el sostenido y atronador aplauso del público fascinado.

Desde entonces la obra fue el centro de la polémica. Verdi dijo después: “Todo iba bien hasta el cuarto movimiento”; Wagner y Mahler consideraban insuficiente la orquestación original y sin dudarlo aumentaron instrumentos y notas. No es un oratorio, no es una misa, no es una cantata ni una ópera, es una estructura sinfónica autónoma, altamente unitaria y además de ser buena música es un manifiesto por la igualdad y hermandad de los hombres: “Alle Menschen werden Brüder” (todos los hombres serán hermanos) dice el famoso verso del poema de Schiller Oda a la Alegría que se escucha en el IV movimiento. Ideal insoslayable para un Beethoven que fue testigo del siglo XIX, una época turbulenta, de ideas libertarias, de revoluciones, de atrocidades de la guerra, de incomprensión y de infranqueables diferencias entre clases sociales.

El artista boliviano Sol Mateo presenta en la Bienal de Venecia la obra ‘Mutación Genética del Colonialismo’



Mucho ha cambiado el colonialismo después de los 500 años que siempre se citan en los discursos sobre la conquista de América. Su evolución, sus nuevas formas de actuar, los nuevos colonizadores, sus víctimas, sus resultados... todo esto forma parte de la obra que el artista visual Sol Mateo propone en su participación en la Bienal Internacional de Arte de Venecia 2017, que por primera vez en su historia cuenta con un Pabellón exclusivo de Bolivia.

Sol Mateo es un viejo lobo de mar en lo que a eventos importantes de arte contemporáneo se refiere. Participó en la Bienal de Sao Paulo, Brasil (1994); de Cuenca, Ecuador (1996), del Mercosur, Brasil (1997 y 2005); de La Habana, Cuba (1997), Siart, Bolivia (2001, 2003, 2009, 2013 y 2016); en las ferias internacionales Arco, Madrid (1998); Estampa, Madrid (2000 y 2003) y BA Art (2006), entre muchos otros eventos. Tampoco es su primera vez en Venecia: ya se presentó en 1997.

“Estuve antes en representación de Bolivia, pero fue algo muy diferente: conseguí con mis medios el pasaje aéreo, ofrecí a un medio un reportaje exclusivo para costear algunos gastos y me fui solo. Cuando salieron las notas de la prensa especializada, ese año se destacó mi trabajo en un apartado dedicado a las voces de la periferia; con un exquisito comentario que demostró que, a pesar de haber ido solito, la presencia fue buena”, contó el artista.

En esta oportunidad se ha logrado que haya un soporte curatorial y estructural mucho más grande, pero que aún ha dependido de la gestión de los artistas. “A Jannis Markopoulos —el artista griego que también expone en el Pabellón Bolivia— lo conocí en Berlín y empezamos a trabajar en una coproducción, por ejemplo, en el Siart, donde produje su obra”. Para esto se hizo el contacto con los artesanos que trabajan en el lago Titicaca con las balsas de totora.

A raíz de este contacto, entró en juego la mirada curatorial del director del Museo Nacional de Arte (MNA), José Bedoya. Los tres empezaron a estudiar la estructura que proponía la nueva curadora de la bienal, Christine Macel. “Sabíamos que si bien no se trata de un guion cerrado, había una idea clara de lo que ella quería en su propuesta Viva Arte Viva. Entendimos cuál era la filosofía de la curadora y encajamos perfectamente”.

Poco a poco se fue armando el proyecto y surgió así la propuesta de Bedoya denominada Esencia. “La sociedad de hoy ha ganado impulso a través del uso expandido y democratizado de medios tecnológicos, que no solo han hecho posible una conexión continua, sino que también han destruido definitivamente muros, fronteras y cualquier forma de atrapamiento. La nueva faceta social abre espacios de conocimiento e intercambio en los que el poder establecido es constantemente cuestionado, las propuestas se construyen a partir de las bases y las cuestiones humanas se comparten e ironizan. Es en esta área donde se pone permanentemente en juego lo esencial, lo que nos hace únicos y, al mismo tiempo, partícipes de una esencia común”, expresa Bedoya en su texto curatorial.Al concepto se fueron uniendo nuevos aliados, incluyendo al entonces ministro de Culturas Marko Machicao, que posibilitó el apoyo oficial —entre otros colaboradores, como la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia (FCBCB)— a la participación del país, por primera vez en un pabellón propio.

La propuesta de Sol Mateo se denomina Mutación genética del colonialismo. “Debemos entender que el colonialismo es un fenómeno dinámico, que es constante; no se ha mantenido, ni se puede mantener estancado desde hace 500 años. Ahora yo veo que el proceso es diferente; como que se están colonizando las mentes, estamos siendo colonizados como si sufriéramos una lobotomía. La televisión está fagocitando a los seres humanos, mientras la vida virtual sustituye a la realidad; lo que estamos viviendo actualmente es un simulacro”.

Por eso la obra de Sol Mateo es una suerte de diagnóstico de nuestros tiempos, que muestra un capitalismo devorador que actúa como el dios romano Saturno —el Cronos griego— que devora a sus hijos.

Para proponer esta reflexión de forma plástica, el artista ha propuesto una instalación escultórica con elementos muy coloridos “que pueden encajar en un neo pop: se utilizó neón, elementos visuales que familiarizan con el “like” de Facebook, para hablar de la perversidad de las redes sociales y el internet”, agrega Sol Mateo. La obra se ha producido en Berlín por cuestiones logísticas y se ha montado en Venecia en cuatro días.

Para Bedoya, “Sol Mateo actualiza el concepto de colonización a través del cuestionamiento de la tecnología y el capital como representación gráfica de la colonización actual. Uno de los desafíos de la sociedad contemporánea es la comprensión de la identidad, que ya no es un concepto estático, sino un espacio en movimiento continuo; un instrumento utilizado para abordar eficazmente las actuales ‘asimetrías insuperables’ del mundo contemporáneo. La intrusión y el asombro parecen ser parte de nuestra vida cotidiana. Rechazamos la intrusión de la tecnología en nuestras vidas, y al mismo tiempo sentimos que estamos más conectados que nunca. En ausencia de grandes historias, la identidad contemporánea es volátil, desgarrada, cambiada, adaptada”.

La obra de Sol Mateo junto a las de José Ballivián (Bolivia) y Jannis Markopoulos se podrá ver en Venecia hasta el 26 de noviembre.

Solsticio de Invierno de la UTO ya cuenta con programa definido

Extensión Cultural de la Universidad Técnica de Oruro (UTO), desde hace algo más de tres décadas organiza el Festival del Solsticio de Invierno, que encierra un número importante de actividades culturales que se desarrollan por un mes entero, y ya cuenta con un programa oficial que se va difundiendo de manera abierta.

Este Festival del Solsticio de Invierno será la trigésimo tercera edición, e iniciará el viernes 2 de junio próximo y concluirá el lunes 3 de julio, después de cumplir con más de 60 actividades que se desarrollarán prácticamente todos los días.

El 2 de junio se tiene programada la inauguración, como ya es característico en las recientes gestiones, con un encuentro artístico en la plaza "Manuel de Castro y Padilla", donde habrá danza, pintura, música y otras expresiones que se verán a lo largo del mes.

Lo destacado de los recitales y conciertos de música, el Festival del Solsticio de Invierno 2017, se engalanará con la presencia de grupos y artistas de la talla de Yuri Ortuño, el grupo Bonanza, Wara, Llajtaymanta, Raymi Bolivia, y otras agrupaciones de diferentes géneros que le cantarán a la ciudad de Oruro.

También se contará con magnificas presentaciones de teatro, junto a los elencos de Carpediem y el Colectivo Cultural Urus Delirium.

No podía faltar el ciclo de cine boliviano, junto a la productora Ukamau, con magnificas películas que lograron reflejar la realidad de un país, con filmes como "Insurgentes", "Nación Clandestina", "Yawar Mallku" y "Coraje de un pueblo".

Las exposiciones de artistas plásticos, talleres, coloquios, concursos y la infaltable "Noches de Museos", también serán un atractivo que en está ocasión se desarrollará el jueves 8 de junio, donde se espera la participación de todas las entidades que cuentan con un espacio museográfico en la ciudad de Oruro.

Pero la fecha más importante será el miércoles 21 de junio, donde en todo el mundo se celebrará el Solsticio de Invierno, y de manera muy particular junto a Extensión Cultural de la UTO y el Centro Cultural Sajama, en el cerro Aceruni, en la zona Sudoeste de la ciudad de Oruro.

Natalio Zambrana es el maestro ceramista autodidacta

Se puede decir que uno de los artistas plásticos más entusiastas de la ciudad de Oruro, es el reconocido ceramista autodidacta, Natalio Zambrana, que si bien él tiene más de 70 años, continúa aprendiendo y se dedica a este arte en pleno, cerca de una quincena de años, pero la calidad de sus obras son reconocidas a nivel nacional y participando recientemente en un encuentro internacional de ceramistas.

Esta semana inauguró una exposición en solitario en el salón "Valerio Calles" de la Asociación Boliviana de Artistas Plásticos (ABAP), sorprendiendo por su talento, y LA PATRIA (LP) aprovechó para conocer un poco de su vida.

LP: ¿Es difícil el arte de la cerámica?

Natalio: Es bastante difícil, porque en Oruro muy pocas personas la practican, teniendo materia prima, arcilla, que en Oruro tenemos a montón, siendo la mejor de Sillota en el Puente Español y en el río de Sepulturas. Actualmente sólo somos dos que manejamos la arcilla, el profesor Basilio Roque y mi persona, sin dejar de recordar a un amigo que nos dejó, Mario Crispín; los demás no ejercen, porque es muy sacrificado manejar la arcilla, al menos los niños se ensucian, se incomodan y no practican.

LP: ¿Cuándo empezó a manejar la arcilla?

Natalio: Cuando era niño yo aprendí, pero lo he dejado por falta de academia, por falta de escuela, tuve que esperar a encontrarme en la normal rural y ahí conocí a un profesor de apellido Quiroz, él nos enseñó en artes plásticas, nos dio arcilla, yo hice un zapato viejo y le impresionó al profesor y el empezó a apoyarme. Individualmente tuve que seguir trabajando como funcionario del Instituto Boliviano de Turismo, entonces en esas épocas hacía algunas exposiciones, pero fue después de dejar ese trabajo que me dediqué en pleno por más de 15 años, impulsado por el profesor Jorge Estévez, y superándome día a día.

LP: ¿Tiene una familia llena de artistas?

Natalio: Realmente, gracias al empuje que me enseñaron a mí desde pequeño, ellos me resultaron artistas, Wilson, Ramiro, Reynaldo, Milton y Sandra, entonces yo a mi hijo mayor, a Ramiro, desde que era pequeño le enseñé, porque alcanzar al niño cualquier cosa, un juguete, una pelota, un pedazo de papel y un bolígrafo, el niño desde esa edad busca su vocación, gracias a eso, Ramiro aparte de ser uno de los mejores caricaturistas de Oruro, es un amigo, es alguien en quien puedo apoyarme, lo mismo con Wilson y el resto de mi familia, siempre somos humildes y gracias a su apoyo llegué donde estoy.

LP: ¿Cuándo dejará la arcilla?

Natalio: Siendo artista, creo que me falta mucho para ser reconocido a nivel nacional, por lo que mi meta es seguir, llegar a lo máximo, yo admiro a tantos buenos ceramistas que existen en todo el planeta, de donde puedo seguir aprendiendo. Es decir nunca dejaré de hacer ceramica.

“Deja Vú” reflexiona sobre violencia

Bajo la dirección de Freddy Chipana y Erika Andia, el elenco teatral compuesto por mujeres denominado “Kory Warmis” retorna a las tablas con la obra “Deja Vú” – “El corazón también recuerda”, el martes 23 y miércoles 24 en la Casa de la Cultura a horas 19.30.

Esta pieza teatral reflexiona sobre la violencia como un hecho repetitivo y naturalizado en la sociedad.

“La violencia todos la hemos vivido en algún momento, en el grupo (de teatro) hemos reflexionado y es nuestra forma de dar nuestra palabra respecto a que la violencia no debería existir. ‘Deja Vú’ se compone de pequeños golpes al corazón para reflexionar sobre este tema”, afirmó Erika Andia.

El espectáculo es una radiografía de nuestra sociedad pues, “...son situaciones y escenas en las que nos vamos a reconocer. Tocamos la violencia a la mujer, al hombre, a los niños, ancianos y jóvenes” , agregó.

ELENCO

Kory Warmis es un grupo de 24 personas entre las que se encuentran mujeres, niños, niñas y jóvenes. La mayoría son gremialistas de la ciudad de El Alto. Para este colectivo, el teatro es una parte muy importante de sus vidas, pues le dedican mucho esfuerzo y tiempo, según indicó Andia.

“Integrantes de Kory Warmis se dieron la oportunidad de hacer arte y me parece lindo. El grupo está convencido que a través del teatro podemos cambiar la sociedad”, concluyó la reconocida actriz.

En el Teatro Municipal VII Encuentro de los Artistas de la Época de Oro de Bolivia

Este miércoles 24 y jueves 25 de mayo, el Teatro Municipal “Alberto Saavedra Pérez” será escenario del VII Encuentro de ARTEPORBOL (Artistas Unidos Época de Oro de Bolivia). Serán dos noches románticas en homenaje a Día de la Madre, a partir de las 19:30 horas.

“Esta séptima versión de nuestro encuentro tendrá una característica muy especial, ya que se presentarán las voces masculinas que fueron destacadas en diferentes épocas y que a la fecha siguen activos, como Víctor Patón, Ernesto Ruiz, Juvenal Kaiser Paredes (primera voz de los Kusis), Gover Nogales (voz destacada de Los Ruphay) y Pío Tarifa (otra de las voces privilegiadas del famoso Cuarteto Indio), comentó Techy Suárez, presidenta de ARTEPORBOL.

Con el fin de mantener viva la música y el arte de ayer también participarán las cantantes Norma Villegas, Margot Tovar, Miryam Bey, Lidia Vélez, Nora Camacho del “Dúo Las Imillas” y Techy Suárez, además del Trío Universo de los años 60 con música romántica y Los Kollas con canciones de su reciente álbum. También se tendrá el acompañamiento de Rudy Galindo del Trío Souvenir y el Ballet Sendas Bolivianas.

En este séptimo encuentro también se hará entrega de la Medalla al Mérito a los integrantes de la Asociación de los años 40-50-60, todo bajo la coordinación de Jaime Montaño. En la presentación estará Waldo Pinto, destacado comunicador de la “Época de Oro”.

Última función en La Paz de “Hermanas del Alba”

La Compañía A ComPás Danzas Españolas Bolivia, recordando los 80 años de la muerte de Federico García Lorca, presenta la obra “Hermanas del Alba” en su única y última función en La Paz este martes 23 de mayo en el Teatro Municipal “Alberto Saavedra Pérez”.

Diferente e innovadora, la obra es una versión libre para danza teatro sobre el original de Federico García Lorca “La Casa de Bernarda Alba”. La dirección general y artística está a cargo del maestro Yadir Vásquez y cuenta con la actuación especial de Marta Monzón como actriz invitada.

La obra comenzará a las 19:30 horas en la Cruz Verde de la calle Jaén, para acompañar a Bernarda y sus hijas en el cortejo por la muerte de su esposo hasta el Teatro Municipal.

Desde su estreno en La Paz, en septiembre de 2016, Hermanas del Alba ha recibido elogiosos comentarios. El tema central de la obra es el enfrentamiento entre autoridad y libertad o el conflicto entre la realidad y el deseo. Podría hablarse de rebeldía contra represión, de naturaleza contra tradición...

Mauricio Soria “Aprecio los programas familiares con contenido en valores y de conciencia ciudadana”

LG: ¿CADA CUÁNTO VES TELEVISIÓN Y QUÉ PROGRAMA TE GUSTA MÁS?

M: Veo televisión una a dos horas diarias, no tengo un programa favorito, pero aprecio los programas familiares con contenido en valores y de conciencia ciudadana.

LG: ¿QUÉ RESCATAS DE LA TELEVISIÓN BOLIVIANA?

M: Rescato la iniciativa de crear nuevos programas que entretengan de manera sana a la sociedad en su conjunto, tanto cultural como artísticamente.

LG: ¿Y QUÉ LE FALTA?

M: A la televisión boliviana le falta que las autoridades correspondientes hagan un seguimiento y control de la calidad de la producción de programas nacionales e internacionales antes de ser emitidos en nuestra región, y la creación de nuevas normas que velen por mantener las buenas costumbres en nuestra sociedad, sobre todo por los televidentes menores de edad que llegan a ser el sector más vulnerable de ciertos programas de “TV basura”.

LG: ¿A QUÉ PERIODISTA DE LA TV BOLIVIANA ADMIRAS?

M: Aprecio el trabajo de muchos periodistas, pero admirar… creo que actualmente no…

LG: SI TUVIERAS LA POSIBILIDAD DE IR A TOMAR UN CAFÉ Y CHARLAR CON UN/A PRESENTADOR/A DE TELEVISIÓN, ¿A QUIÉN INVITARÍAS?

M: A Ismael Cala.

LG: ¿DIBUJOS ANIMADOS QUE TE GUSTEN DE HOY O DE ANTES?

M: Con temor a que me digan anticuado, dibujos de ahora… nada… (sonríe), pero de los antigüitos por ejemplo: Los Picapiedra, Tom y Jerry, todo de Walt Disney… y, por supuesto, Los Simpsons, pero los primeros capítulos, actualmente no me gustan para nada.

LG: Y DE LA RADIO, ¿QUÉ ESCUCHAS?, ¿ALGUNA EMISORA O PROGRAMA EN ESPECIAL?

M: Sólo cuando ando en el coche escucho emisoras de clásicos en inglés y español, que es la música que más me gusta, como la 100.3, 102.7 acá en Cochabamba. Cuando hay la oportunidad escucho el noticiero de Radio Centro y el deportivo de Oscar Galdo.

LG: ¿UN BUEN CONDUCTOR DE RADIO?

M: Boris Blacutt.

LG: IMAGINEMOS QUE ESTÁS EN LA TV O EN LA RADIO, ¿QUÉ TIPO DE PROGRAMA HARÍAS?

M: Sueño con hacer un programa de entretenimiento familiar con varios sectores dedicados a la cultura, al arte, al turismo, a la comedia sana… espero hacerlo pronto…

LG: ¿CUÁNDO FUE LA ÚLTIMA VEZ QUE FUISTE AL TEATRO Y QUÉ OBRA VISTE?

M: Bueno, paso mucho tiempo en el teatro debido a las presentaciones con el elenco (de Champagne Show), lo que hace muy difícil darme tiempo de ver otras obras, pero hace unos meses vi una muy linda, un musical en el teatro Achá… “Romeo y Julieta”.

LG: DE LAS PELÍCULAS BOLIVIANAS QUE VISTE, ¿CUÁL TE GUSTÓ?

M: Me gustan varias, pero me quedo con “¿Quién mató a la llamita blanca?”.

LG: ¿UN ACTOR O ACTRIZ BOLIVIAN@ (CINE O TEATRO) QUE TE AGRADE?

M: Jenny Serrano.

LG: ¿GRUPO NACIONAL PREFERIDO (CUALQUIER GÉNERO)?

M: Amaru.

LG: DE L@S CANTANTES BOLIVIAN@S, ¿QUÉ VOZ TE AGRADA?

M: La de Yalo Cuéllar.

LG: ¿QUÉ DANZA FOLCLÓRICA TE SALE MEJOR BAILANDO Y CUÁL NO APRENDISTE?

M: Creo que “Los potolos” me sale medio bien, aunque para bailar tengo dos píes izquierdos (sonríe), la danza que no puedo y de verdad no me nace aprender es caporales.

LG: ¿QUÉ OTRO TALENTO TE HUBIESE GUSTADO TENER, APARTE DEL QUE YA POSEES PARA LA ACTUACIÓN Y LA MÚSICA?

M: El dibujo… desde niño me encanta dibujar, pero nunca me di la oportunidad.

LG: ¿QUÉ SÚPER HÉROE DE LA TV O DEL CINE TE GUSTARÍA SER?

M: Me gustaría ser Hulk… para que cada vez que me hagan renegar, pueda desatar descontroladamente mi bronca, sería una buena terapia… para evitar el estrés.

LG: ¿QUÉ HARÍAS EN LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN SI FUERAS INVISIBLE POR UN DÍA?

M: Sería algo contraproducente, pues el chiste de los medios de comunicación es que te vean, pero si el fin fuera poder estar con la grabadora en un lugar donde no puedan verme, de una me meto al palacio de gobierno.

NOMBRE: Mauricio Daniel Soria Galvarro Ferrufino.

FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO: 21 de abril en Cochabamba.

ESTADO CIVIL: Casado.

Estudios: Actuación, canto, técnica vocal, lectura musical, piano, guitarra e ingeniería civil.

HINCHA DE: The Strongest.

¿A QUÉ SE DEDICA HOY? Actualmente es parte de la SIT-COM “Qué familia los Serrano”. Como actor, es presentador en un programa familiar de televisión local en Cochabamba y director musical y actor del elenco “Champagne Show”. También es director del coro “Club gente grande” de COMTECO y hace presentaciones en diferentes escenarios del país como cantante solista y músico.

“El corazón también recuerda” Las Kory Warmis estrenan “Deja Vu”

El elenco teatral Kory Warmis retorna a las tablas con la obra “Deja Vu – El corazón también recuerda”, que será estrenada este martes 23 y miércoles 24 de mayo, a las 19:30 horas, en la Casa de la Cultura Modesta Sanjinés.

Esta pieza teatral reflexiona sobre la violencia como un hecho repetitivo y naturalizado en la sociedad. “Consideramos que a través del arte podemos cambiar la sociedad y hacer reflexionar sobre estos temas que son el pan de cada día y que se han naturalizado a través de los medios que no manejan de manera responsable la información”, dice Erika Andia, directora del elenco teatral, compuesto por 24 mujeres gremialistas que combinan el comercio con la actuación.

La obra toca nuevamente el tema de la violencia, pero “no sólo nos hemos enfocado en la violencia hacia la mujer sino también en la violencia hacia los niños, los ancianos y los hombres. Para esta nueva obra hemos invitado al director Freddy Chipana, quien dirige y ha escrito el texto de la obra Deja Vu”, cuenta Andia.

Las Kory Warmis vienen trabajando desde el año 2015, llevando sus obras teatrales a diferentes barrios de la ciudad, tocando el tema de la violencia hacia la mujer. Para mayores informes y funciones para colegios pueden comunicarse con el 72502960.

viernes, 19 de mayo de 2017

Artistas de varios países exhiben en La Paz lo último del tatuaje


Artistas de Argentina, Bolivia, Colombia, Chile y Perú exhiben desde hoy sus tatuajes y modificaciones corporales en una convención en La Paz, donde también se seleccionará a los cuatro bolivianos que competirán en el Panamericano de Tatuajes que tendrá lugar en octubre en Chile.

El organizador de esta I Convención de Arte Corporal Ajayu Tattoo, Juanjo "Tatuarte", dijo a Efe que hay 200 artistas seleccionados para la exhibición y la competencia.

La convención reunió al menos a cuarenta invitados especiales de Chile, Colombia, Argentina y Perú, entre otros países, que mostrarán su trabajo a los bolivianos en los tres días que durará la muestra.

Este año será la primera vez que Bolivia participará en el evento internacional de Chile, que reúne a los mejores tatuadores del mundo y que ha sido considerado como el "mundial" de este arte.

El organizador de Ajayu contó que existen siete categorías de diferentes estilos en la competición y que los mejores se elegirán entre los diseños que se hagan a los curiosos que se acerquen a la convención y decidan tatuarse.

"Todas las personas que vienen a visitarnos, aparte de tatuarse, son parte del lienzo del artista", dijo Juanjo "Tatuarte".

Entre los invitados especiales está el colombiano Caim Mortis, más conocido como "El Diablo", que formará parte del jurado que elegirá a los cuatro representantes de Bolivia para participar en la competición internacional de Chile.

Mortis llegó a la convención como representación de lo que es la modificación corporal, ya que cuenta con un rostro peculiar en el que se ha operado la nariz para que se asemeje a la de un felino, cuenta con cuatro cuernos en la frente, orejas operadas y tatuajes en todo el rostro.

"Parece que va a estar bonito y esperamos que venga la gente a conocer un poco más de tatuaje y de modificación corporal y que apoyen al talento boliviano", expresó "El Diablo" a Efe, antes de posar con varios asistentes.

A esta curiosa muestra de arte se acercaron en el primer día personas como Ivana que se atrevió con un tatuaje de una gran cara en su antebrazo, a pesar de que no es el primero que se hace.
Y artistas como Iván Cárdenas, dueño de Pepe's Tatoo, un tatuador boliviano que dijo que experiencias como esta le permiten conocer y compartir con otros compañeros.

"Igual conoces a un tatuador de Chile y puedes ir allí a conocer lo que hace", relató Cárdenas, que dijo que él no va a participar en la competición del evento porque prefiere mostrar su arte.

En la convención, además de las decenas de pequeñas cabinas donde tatuadores elaboran sus muestras permanentes en el cuerpo de los asistentes, también se puede contemplar cuadros de arte urbano, ropa, todo el material para el tatuador y piercings.

La primera Bienal de Dibujo de institutos de arte será en Oruro

El próximo viernes 26 de mayo, la plaza 10 de Febrero se convertirá en un taller abierto para más de 70 artistas plásticos que llegarán de diferentes regiones del país, para participar de la primera Bienal de Dibujo, donde participarán exclusivamente estudiantes de institutos de formación artística de toda Bolivia.

La organización de la actividad está a cargo del Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA), quienes empezaron a promocionar la actividad desde diciembre de la gestión pasada, por lo que se espera el arribo de un buen número de estudiantes de las artes plásticas.

"El Instituto Superior de Bellas Artes, va a realizar en Oruro la primera bienal de dibujo a nivel de instituciones de formación artística del país, esta convocatoria ha llegado a las manos de los representantes de estas instituciones en diciembre pasado y ahora estamos esperando su llegada para el viernes 26 (de mayo)", refirió el rector del ISBA, Finelez Llanque Conde.

La característica de esta bienal es diferente a otros certámenes similares, porque no se recibirán obras hechas, sino, que los artistas lleguen a trabajar a vista de todas las personas y un jurado calificador reconocido a nivel nacional.

"Será una dinámica de taller abierto, porque vamos a tomar la plaza (10 de Febrero), ya tenemos el permiso correspondiente de la Alcaldía desde las 9 de la mañana, hasta las 4 de la tarde, cuando los artistas terminen su trabajo", explicó Llanque.

Para esta bienal, los participantes podrán utilizar cualquier material para hacer dibujos, como el lápiz grafito, sanguínea, sepia, carbón, crayones, tinta, plumillas, cañas, entre otros; en un soporte de dimensiones mínimas de 70x50 centímetros y máximas de 100x70 centímetros, que puede ser cartón, cartulina dúplex, papel kanson, marquilla, y otros soportes adecuados.

Sobre la temática, se determinó que sea "La realidad nacional", donde se puede tomar diferentes campos, como el minero, campesino, la educación entre otros, además que por la cercanía de la fecha, las madres bolivianas, pueden ser incluidas en sus obras.

Espacio Compartido, Revista electrónica

El Espacio Simón I. Patiño presentará hoy, a las 19,30 horas, la tercera versión de la revista digital Espacio Compartido, cuyo contenido está dirigido a informar sobre la actividad de los centros culturales de las ciudades de La Paz y El Alto.

La periodicidad de la revista es semestral. En esta edición, los lectores podrán disfrutar, entre otros, de un artículo sobre centros culturales de la ciudad de El Alto, un texto de la dramaturga Laura Derpic y uno preparado por el escritor Oscar Martínez, informó la directora del Espacio Simón I. Patiño, Michela Pentimalli.

DIÁLOGO CONSTANTE

El propósito de la revista es buscar un diálogo constante, la posibilidad de interactuar con los lectores para conocer sus inquietudes, recibir sus aportes y darles opciones para visitar los varios espacios culturales que se encuentran en La Paz y El Alto, destacó Pentimalli.

Las personas que deseen conocer más acerca de las actividades culturales y leer textos de destacados escritores, pueden acceder a los dos primeros números de la revista,a través de los siguientes links: https://issuu.com/simoni.patino-lapaz/docs/revista_1_ago-oct_publicar_web_https://issuu.com/simoni.patino-lapaz/docs/espacio_compartido_n___2__publicar_.

El Auditorio del Espacio Patiño está ubicado en Sopocachi, Avenida Ecuador 2503, esquina Belisario Salinas, edificio Guayaquil, mezzanine. El ingreso al evento es libre.

Retratos íntimos Exposición de dibujo de Marcos Loayza

La muestra, según describe su autor, es una mirada muy íntima de los tiempos actuales y esa es la razón por la que Marcos Loayza, director de cine y arquitecto paceño, expone la muestra denominada “Posverdad” en el Centro Cultural de la República Brasil, hasta el mes de junio.

EL DIBUJO PARTE DE LA VIDA

Loayza explicó que el dibujo fue siempre parte de su vida y dijo “ Dibujo desde hace mucho tiempo, es como la escritura, la poesía y agradezco a la vida que no deje de dibujar pues es una forma de razonar, pero a través de otros mecanismos(..) Actualmente el dibujo no es una materia, todo se ha unificado, a mí me ayuda porque es una herramienta que afirma. El cine es narrativo si bien las imágenes son poderosas, es la concatenación de ellas ayudan a crear una historia, en cambio con un dibujo tienes más de cien palabras, en una imagen; son cosas muy diferentes con un carácter desigual y respeto cada uno de esos lenguajes” afirmó Loayza.

PENSAMIENTO VISUAL

La muestra es una poderosa expresión visual, que llama a la reflexión sobre el tiempo actual.

El cuerpo humano, tiene sus propias extensiones, las manos, la mirada, la percepción de lo que es la soledad del hombre y esta muestra es una mirada muy íntima de los tiempos que estamos viviendo, pues el dibujo es la traducción del pensamiento. El siglo XX acabó y era un tiempo de utopías, al finalizar el mismo se pensó que nunca más íbamos a caer en las mismas cosas, me refiero a las guerras, a los populismos, a los abusos de poder, pero la realidad es otra, dijo Loayza.

VALORES DIFERENTES

Según el artista y cineasta, en la actualidad el mentir es una virtud y se siente un profundo descontento en toda la humanidad, ése sentimiento es lo que muestra exterioriza, términos de descontento, profunda desilusión y desesperanza.

El nombre de la exposición “Posverdad “ (mentira, estafa o falsedad) es un término que define el tiempo actual, explica Loayza porque el año pasado el New York Times dijo que fue la palabra que más se usó y la exposición trata de plasmar ese tema, es decir es una crónica de este tiempo, concluyó Loayza.

La muestra estará abierta antes y durante la larga Noche de museos en el Centro Cultural Brasil ubicado en la Avenida Arce frente al Centro Boliviano Americano.

Tabú arte y cultura ofrece comedia el fin de semana

La agrupación potosina “Tabú arte & cultura” presentará una comedia, la última de su repertorio, los días sábado 19 y domingo 20 de mayo, en el teatro IV Centenario.

La obra titula “Se llama Ángel pero es un demonio” y será presentada en las funciones de tanda a las 19:00 y las entradas serán vendidas en las boleterías del teatro. Las funciones de matiné ya no tienen espacio.

Gonzalo López, Joaquín Rodríguez, Daniel López, Mijael Holguín, Judy Ugarte, Diana Céspedes y Soraya Conde, son los actores que presentan la obra del estilo comedia y con muchos actos de enredo, engaño y risas.

La obra fue estrenada en las ciudades de Tarija, Villamontes, Yacuiba y Bermejo a principios de mayo y ahora viene a Potosí para mostrar el drama a la población que gusta de la comedia.

Gonzalo López, miembro de la agrupación, relata que la historia está referida a la amistad de cuatro amigos que se ayudan para que uno reconquiste el amor de su pareja, generando una serie de complicaciones y aprietos.

La obra volverá a exhibirse en Tarija del 2 al 4 de junio y luego será en Sucre del 16 al 18 en el teatro 3 de Febrero.

Otro proyecto del grupo es la presentación de cortes cómicos con artistas del país, entre ellos David Santalla.

jueves, 18 de mayo de 2017

Para reflexionar sobre la violencia Grupo teatral Mujeres de Oro presentará obra “Deja Vu”

El elenco teatral compuesto por mujeres de oro, más conocidas como las Kory Warmis, retorna a las tablas con la obra “Deja Vu – El corazón también recuerda”. Esta pieza teatral reflexiona sobre la violencia como un hecho repetitivo y naturalizado en la sociedad; la misma se presentará el próximo martes 23 y miércoles 24 en la Casa de la Cultura a las 19.30 horas.

Bajo la dirección de Freddy Chipana y Erika Andia, el elenco teatral compuesto por mujeres de oro, más conocidas como las Kory Warmis, retorna a las tablas con la obra “Deja Vu – El corazón también recuerda”. Esta pieza teatral reflexiona sobre la violencia como un hecho repetitivo y naturalizado en la sociedad.

GOLPES EN EL CORAZÓN

“La violencia todos la hemos vivido en algún momento, en el grupo todos hemos reflexionado y es nuestra forma de dar nuestra palabra: la violencia no debería existir. Deja Vu se compone de pequeños golpes al corazón para reflexionar sobre este tema”, afirma Erika Andia.

El espectáculo es una radiografía de nuestra sociedad pues: “son situaciones y escenas en las que nos vamos a reconocer. Tocamos la violencia a la mujer, al hombre, a los niños, ancianos y jóvenes” afirmó.

ELENCO

Kory Warmis es un grupo de 24 personas entre las que se encuentran mujeres, niños, niñas y jóvenes cuyas edades oscilan entre los 9 y 70 años. La mayoría son gremialistas de la ciudad de El Alto. Para este colectivo, el teatro es una parte muy importante de sus vidas, pues le dedican mucho esfuerzo y tiempo.

La obra con un profundo contenido crítico que además llama a la reflexión, se presentará el martes 23 y miércoles 24 en la Casa de la Cultura a las 19.30, el ingreso general tiene un valor de Bs 20. También se realizarán funciones para colegios a las 16.30 y la entrada para los estudiantes tiene un precio de Bs 10.

Unidades educativas, universidades e instituciones interesadas en las funciones pueden comunicarse con el 72502960.

Centro Cultural UPB prepara música y arte para Larga Noche de Museos

Por segundo año consecutivo, el Centro Cultural de la Universidad Privada Boliviana (UPB) será parte de la Larga Noche de Museos, el sábado 20 de mayo en la ciudad de La Paz. Este primer punto cultural de la zona Sur abrirá sus puertas al público a partir de las 15.00 horas con espacios artísticos, de entretenimiento y un show de comedia musical.

El Centro Cultural UPB está ubicado en la avenida Hernando Siles, esquina calle 5 de la zona de Obrajes, en el edificio de postgrado de la Universidad. La encargada del lugar, Rita Calvo, invitó a las familias paceñas a ser parte de todas las actividades programadas hasta las 22.00 horas.

PROPUESTA ARTÍSTICA

La Galería de Arte de la UPB será el lugar donde se podrá visitar la exposición de fotografías del reconocido fotógrafo arquitecto Sergio Bretel. La muestra ha sido denominada “Delicate” y está compuesta por 26 imágenes –de formato pequeño– tomadas en ciudades de Europa y América.

“El formato pequeño ayuda al espectador a tener una relación más cercana con cada fotografía, a través de una observación más íntima, una mirada delicada y subjetiva”, señaló Bretel.

CERÁMICA

En otra área del Centro Cultural, la ceramista Isabel Garrón expondrá algunos de sus creaciones, pero además realizará una demostración en vivo de su forma de trabajo, para enseñar al público asistente a crear obras de arte y permitirle tener contacto con la arcilla.

TALLER DE ARTE INFANTIL

Los niños también tendrán espacios de entretenimiento, puesto que con el auspicio de Stabilo se abrirá un taller de arte infantil donde podrán tener experiencias creativas sobre papel (dibujos, pinturas y collage) con guías y material de primera calidad. Además, gracias al centro de estimulación temprana Wawas Gym los pequeños dispondrán de juegos didácticos y disfrutarán de la actuación de un cuentacuentos. “Invitamos a los niños de los hogares y los colegios de Obrajes y la zona Sur a ser parte de la noche de museos en la UPB”, señaló Calvo.

MÚSICA

El espectáculo central para toda la familia estará a cargo del destacado y singular grupo de música y comedia, Mentes Ociosas, que empezará su actuación a las 19.00 horas, en el auditorio del Centro Cultural UPB, explicó.

A la muestra cultural se adhiere la Embajada de Italia, con videos documentales del arte italiano, que serán proyectados durante la tarde y la noche del sábado, y una exposición histórica del Tratado de Roma. También el Instituto Dante Alighieri brindará “miniclases” del idioma italiano.

miércoles, 17 de mayo de 2017

Erika Ewel llevará su obra a la Bienal de Arte Textil de Uruguay

"Fui seleccionada para la Bienal de Arte Textil Contemporáneo Uruguay 2017”, anuncia orgullosa la artista boliviana Erika Ewel, quien fue seleccionada para representar al país en este encuentro internacional.

La VII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo se realizará en octubre en la ciudad uruguaya de Montevideo. Este año, el encuentro tendrá como país invitado a España
Los artistas fueron seleccionados por un jurado internacional de alta trayectoria y reconocimiento, como Beatrijz Sterk (Holanda), Silke (Argentina), Lin Lecheng (China), Hiroko Watanabe (Japón), Biret Tavman (Turquía), Máximo Laura (Perú) y Enrique Aguerre (Uruguay), entre otros.

En el marco de la VII Bienal se ofrecerán talleres y conferencias especializadas. Para el año 2017 la organización celebrará 20 años de labores ininterrumpidas, por tal motivo se entregarán algunos reconocimientos a aquellas personas que a lo largo de este tiempo han colaborado desinteresadamente con las Bienales WTA y con los diferentes eventos desarrollados alrededor del mundo.

Ewel nació en 1970 en Santa Cruz. Vive y trabaja en La Paz. Es artista visual. Estudió Bellas Artes en la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil, se lee en el portal www.kioskogaleria.com.

La artista obtuvo una maestría en pintura en la Academia de San Carlos de México. Representó a Bolivia en bienales internacionales de arte, como en la IX Bienal de Cuenca (Ecuador), la Bienal del Mercosur, en Porto Alegre (Brasil), en su primera, segunda y tercera versión, y la II Bienal de Estandartes (México).

Durante su carrera artística, Ewel participó en la exposición Bolivia más allá del tiempo, en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile. Ha presentado varias exposiciones individuales, como Doll Papers, en el Espacio de Arte NoTa; La Mujer Rota, en la Galería Artespacio CAF; y Agua Viva, en el Museo Nacional de Arte de La Paz. También ha recibido diferentes premios del Salón Municipal Pedro Domingo Murillo, 2000, 2004, 2005 y el Gran Premio del Salón Internacional de Arte SIART 2001.

En abril del año pasado, la artista presentó La rosa escrita, una exposición que reúne dibujos, poemas, pinturas y transparencias. En marzo de este año, Ewel presentó la muestra titulada Cotton.

Caim Mortis tienta con el arte corporal



Caim Mortis, el Diablo Colombiano, acompañó a La Razón en una charla por las calles paceñas. Las miradas y gestos de cariño no se hicieron esperar por parte de muchos de los transeúntes.

— ¿Recuerda el primer tatuaje?

— Me hice el primer tatuaje cuando tenía 13 años. Pero, no era uno muy bueno, para nada. Cuando cumplí los 18 años comencé con los trabajos profesionales, ese sí fue bien hecho. Así nació mi pasión por el mundo del arte corporal: cuando ves un brazo así de bonito, después quieres ver que el otro esté igual de atractivo. Eso me ha llevado a todo lo que soy ahora.

— ¿Tuvo problemas cuando comenzó a tatuarse?

— Con los tatuajes no tanto, porque al principio no estaban en lugares muy visibles. Pero cuando comencé con la modificación corporal tuve muchos problemas con mi familia, con la sociedad. De hecho, puedo decir que es un poco complicado estar como estoy yo.

— ¿Continúa esa situación?

— Todavía enfrento ese problema. Aquí mismo (La Paz), para venir quisimos tomar un taxi, pero el conductor no nos quería llevar. En Latinoamérica la gente todavía tiene muchos prejuicios, aunque ya se está comenzando a ver al tatuaje como lo que es: un arte corporal.

— Con un arte permanente, sin retorno. ¿Cómo se ve usted de viejo, por ejemplo?

— Bueno, creo que ya estoy viejo (risas). Cuando esté un poco más viejo me veré más tatuado y más modificado. Esto es mi vida, es mi pasión, yo vivo de esto. Espero poder tener siempre un espacio en mi cuerpo para poder hacer algo completamente diferente.

— ¿Hay alguna diferencia entre Caim el Diablo Colombiano y la persona privada?

— Creo que no. Soy el mismo siempre: Caim el Diablo Colombiano soy yo y la persona privada también. Las personas que me conocen saben que no estoy actuando ni fingiendo. Soy así con toda la gente. El hecho de que mi apariencia y estética corporal sean un poco diferentes no me hace mejor o peor persona. Eso sí, puedo ser más bello.

— ¿Qué le llevó a la modificación corporal?

— Llegó el punto en el que quería cambiar, no quería tener la misma apariencia, por tanto comencé a modificarme. Pero esto no es algo nuevo: nuestros antepasados se expandían, se alargaban el cuello, introducían huesos humanos o piedras en sus cuerpos para parecerse a sus dioses. Es algo ancestral y es una cultura. No es fácil estar modificado. No es un juego y debes pensarla muy bien. Si lo haces, puedes tener problemas con la sociedad y tu familia.

— ¿Qué tipo de problemas?

— En mi familia hay muchas personas que ya no me hablan por mi apariencia. Como que se avergüenzan de ser “la tía del diablo”, porque la gente me conoce así.

— ¿Cómo nació el apodo?

— Me dicen el Diablo, pero yo no quiero parecerme al diablo. Mis modificaciones son representación de los animales: la nariz por los felinos, los ojos por los caballos. Los cuernos también, hay animales que los tienen y no por ello son satánicos.

— ¿Cuántas modificaciones corporales se realizó?

— En la frente he tenido los cuernos más grandes del mundo, que es por lo que se me conoce en el mundo de la modificación corporal. De hecho estoy catalogado entre los máximos exponentes. He tenido 22 cirugías: expandí mi frente, tengo cuatro cuernos a cada lado, me tatué los ojos, la nariz, las orejas, la lengua...

— ¿Hay algún tatuaje o modificación qué quisiera revertir?

— No, creo que quiero más modificaciones y tatuajes. Quizá el primero que me hice a los 13 años, porque era horroroso.

— ¿Qué satisfacciones le ha dado el arte corporal?

— Una gran satisfacción personal. El hecho de querer tener la nariz que tengo es especial. Si tuviera otra nariz, igual me la modificaría. Estoy completamente satisfecho con lo que soy y quiero más. Es algo muy adictivo. Y más aún si el artista se logra expresar a través de tu cuerpo.

— ¿Qué problemas corporales experimentó?

— Cuando modificas tu cuerpo ya nada es igual. No siento mucho la sal y el azúcar por los cambios a mi lengua. Mis orejas tienen dificultades para registrar algunos sonidos. No es un juego ni es una moda: tienes que pensarlo muy bien y ser consciente que no se revierte.

— ¿Actualmente hay mayor aceptación a este arte?

— La gente está comenzando a ver más allá de sus narices. También ayuda el hecho de que en Latinoamérica tenemos artistas que hacen un gran trabajo.

— ¿No le molesta que todos quieran sacarle fotos?

— Es algo normal en mi vida. Cuando salgo a la calle, pues a veces me olvido de mi apariencia, pero las personas me reconocen y quieren fotos. Y aunque estoy muy cansado acepto, de lo contrario es una grosería.

Convención para el arte corporal

Caim es uno de los artistas internacionales que participará en la convención Ajayu Tatoo, que se realizará entre el viernes 19 y domingo 21 de mayo en el Real Plaza Hotel (Arce 2177).

El organizador, el artista Juanjo Tatoo, indicó que el objetivo del evento es mostrar que la modificación corporal es un arte con diferente lienzo.

Por eso, durante los tres días más de 200 expositores mostrarán y aplicarán sus trabajos entre las 10.00 y las 22.00.

Asimismo, se realizará un concurso en diferentes categorías. De allí se escogerá a los cuatro tatuadores que representarán a Bolivia en el Panamericano de Tatuajes, que se llevará a cabo en octubre, en Chile.

Perfil

Nombre: Caim Mortis

Profesión: Artista

Nació: 19-12-1970 en Bogotá, Colombia

Trayectoria

Obtuvo su primer tatuaje a los 13 años. Actualmente tiene el 70% de su cuerpo marcado, incluyendo los ojos. Vive entre Colombia y México. Es tatuador, DJ, actor y orfebre. Este año trabajó en la película de terror La habitación de Karla.


Ex alumnas del Centro ""Ramiro Condarco" inauguraron una novedosa exposición

Las ex alumnas del Centro "Ramiro Condarco", inauguraron ayer por la mañana una exposición de manualidades. Estas féminas concluyeron sus estudios semanas atrás, y decidieron exhibir todo lo aprendido.

La exposición, se realiza en el hall del Palais Concert, y tendrá una duración de cinco días, hasta el sábado 20 de mayo, para que la población pueda asistir a la misma y adquirir productos de "bisutería", de goma Eva y en la técnica de Art Soft.

"Estoy acompañando a cinco de mis ex alumnas, que han pasado por el Centro Ramiro Condarco, y a las que no puedo abandonar, ellas han decidido presentar esta su exposición, con la finalidad de mostrar a la población orureña, todo lo que han aprendido en el tiempo que han formado parte del centro capacitándose, tenemos en esta muestra varios trabajos de bisutería, en goma Eva y arte soft, todo esto ha sido parte de su capacitación de dos años, que la han realizado en un lapso de cuatro semestres, que se traducen en dos años para alcanzar el grado de capacitación como técnico medio", manifestó la capacitadora del Centro "Ramiro Condarco", Lourdes Taquichiri Vásquez.

La capacitadora dijo que los trabajos que realizan las estudiantes de este centro, requieren mucha paciencia y dedicación, ya que por la complejidad de los materiales, y el objetivo de alcanzar a elaborar un producto de muy buena calidad, al margen de la habilidad, las alumnas deben aprender a perfeccionar las técnicas, mediante la práctica continua.

Además mencionó que la técnica de arte soft, es una de las más innovadoras que está siendo enseñada por el centro, esta técnica se trabaja con tela, para la elaboración de muñecos y de "souvenirs" para nacimientos.

"Queremos invitar a la población a que puedan apreciar estos productos, elaborados hábilmente y además puedan adquirirlos a precios muy económicos, que van desde 2 bolivianos", agregó Taquichiri.

Para la inscripción a los cursos en el Centro "Ramiro Condarco", se están habilitando nuevas plazas, por lo que las personas mayores de 15 años que estén interesadas, en la capacitación en manualidades, pueden pasar por las oficinas del centro, ubicado en las calles Arica y Junín, ya que la enseñanza es totalmente gratuita.

Solsticio de Invierno tendrá 30 días de intensa actividad cultural

La Universidad Técnica de Oruro (UTO) a través de Extensión Cultural va moldeando paulatinamente la cartelera de una nueva versión del festival "Solsticio de Invierno", donde se tendrán 30 días de intensa actividad cultural entre exposiciones, presentaciones, recitales cursos y mucho más, el evento se desarrollará durante todo junio.

Según las autoridades de Extensión Cultural de la universidad serán cerca de 100 actividades culturales que se iniciarán el 2 de junio y se extenderán hasta el último día de este mes en la XXXIII versión de esta actividad.

El calendario cultural que se va elaborando en este evento característico de esta temporada, conlleva diferentes actividades como: ferias, exposiciones artísticas, presentaciones de libro, recitales de gala, conversatorios, poesía, presentación de payasos, entre otros.

Entre las principales actividades se tiene previsto realizar el VI festival de declamación en idiomas nativos como el aymara, quechua y uru chipaya, también una nueva versión del Festival del mariachi que será reeditado esta gestión, una presentación de los mejores payasos de Oruro y del interior del país.

En cuanto a las presentaciones musicales se tiene confirmada la participación de artistas de renombre nacional e internacional como Yuri Ortuño, Bonanza, los Chascas, también se tendrán agrupaciones locales de mucho prestigio como los Vagos nueva Generación, quienes junto a los Ovnis de Huanuni estarán en la apertura del festival e dos de junio.

También se tiene comprometida la presencia de otras agrupaciones como el trío "Los amantes del recuerdo", grupo Raymi Bolivia, 100% Yara, Llajtaymanta, entre otros.

Las actividades se efectuarán en diferentes horarios y escenarios para cumplir con toda la agenda programada y lo que se espera es el apoyo masivo de toda la ciudadanía.

Música de antaño: “ La Vitrola y el Tranvía” en el espacio Simón I. Patiño

La música fue una característica que acompañó las tardes en el barrio de Sopocachi, por esta razón en el Auditorio del Espacio Simón I. Patiño se realizará la conferencia-audición La vitrola del tranvía, música de antaño recorriendo Sopocachi, para rememorar, esos años, la misma cargo de Ajayus de Antaño; el evento se llevará a cabo hoy, en horas 19.30.

LA VITROLA Y EL TRANVÍA

A través de la audición de la música característica de la época de antaño, que resonaba en las vitrolas del barrio de Sopocachi; se realizará una travesía por el paisaje musical de Bolivia, con la escucha de discos de 78rpm de música boliviana digitalizada.

Los frágiles discos de vitrola y las fotografías en blanco y negro, –pertenecientes a los ancianos–, se reunieron para transportar a los oyentes en un viaje al pasado, a través del tranvía del tiempo, hasta la primera mitad del siglo XX.

El rescate del registro visual y musical tiene el fin de mantener vivo el recuerdo de los antepasados, a través de los ajayus (espíritus) de antaño, que habitan en los discos, en las fotografías y en la memoria.

AJAYUS DE ANTAÑO

Ajayus de antaño es el nombre del proyecto de Fernando Hurtado (antropólogo) e Isaac Rivera (comunicador social), dos jóvenes que buscan rescatar y difundir la música boliviana grabada entre 1910 y 1950. Para ello, asumieron el reto de digitalizar el material y subirlo a internet para su descarga gratuita. Esto se traduce en un registro único sobre la historia fonográfica nacional.

El Auditorio del Espacio Patiño será el lugar donde se realizará este singular evento el mismo, está ubicado en Sopocachi, en la Avenida Ecuador Nº 2503 esquina Belisario Salinas, edificio Guayaquil, mezzanine. La entrada es libre para todos quienes quieran recordar y apreciar la música de tiempos pasados.

El Alto recibirá muestra fotográfica de Arando

La exposición fotográfica del fotoperiodista Félix Arando Vargas será llevada a la ciudad de El Alto. El anuncio lo hizo la ministra de Culturas y Turismo, Wilma Alanoca Mamani, quien destacó la importancia del registro de imágenes.

Félix Arando Vargas lleva más de tres décadas captando sobre todo imágenes de la lucha del movimiento sindical y obrero en Bolivia.
Es conocido como ‘Pajarito’, fotógrafo de la Central Obrera Boliviana (COB).

Arando seleccionó 24 fotografías que estuvieron en exposición hasta ayer en la Galería del Ministerio de Culturas.
El cierre de la muestra contó con la presencia de varias personalidades de la COB, como Adrián Quelca, en representación de Guido Mitma y otros.

Asistió también la secretaria ejecutiva del sindicato de trabajadores de Comunicación Comunitaria de la ciudad de El Alto, Eleuteria Ortiz, quien entregó un reconocimiento especial a Félix Arando por sus tres décadas de registro fotográfico.

La ocasión fue propicia para que la ministra Alanoca resalte la importancia de la imagen y del archivo que posee Arando, cuyo trabajo ayuda a fundamentar la historia del país y de los movimientos sindicales.

“El proceso de cambio nació hace décadas, el pueblo luchó por la dignidad, por la igualdad, y por ese motivo gestionaremos un espacio más grande y abierto para que todos y todas puedan apreciar las fotografías”, dijo.

“Yo tengo 27 años de servicio, y siempre él nos acompañó. Una fotografía refleja un espacio importante de la vivencia del ser humano, algo que se quiere preservar”, dijo Adrián Quelca, de la COB, y agradeció la presencia de los asistentes.

"Cima de Plata" presentará obras

El ballet folclórico oficial de la Gobernación de Potosí “Cima de Plata” prepara dos acontecimientos culturales y de danza como actividades del programa anual institucional y conmemorando el noveno aniversario de la agrupación cultural.

Una de las principales actividades de la agrupación es la presentación de obras con la participación de agrupaciones del país en el llamado “Danzando Historias”.

El director del ballet Cima de Plata, Marcos Villafuerte, informó que en esta versión participarán agrupaciones de varias ciudades. Estará el ballet Municipal de la ciudad de Tupiza, primera vez que asiste al acontecimiento cultural; también estará el ballet Cidebol, de La Paz; el Estudio de Danza Edson Ontiveros, de Cochabamba; y el ballet Municipal, de Sucre. Se espera la confirmación de un grupo de la ciudad de El Alto.

Explicó que esta actividad se desarrollará el sábado 27 de mayo en el teatro IV Centenario con la asistencia de 15 bailarines por cada delegación un sistema de iluminación y sonido espectacular.

También se refirió al desfile de la elegancia del traje de la chola potosina de ayer y hoy, que se desarrollará el viernes 26 de mayo en el patio de la Casa Nacional de Moneda a partir de las 18:30.

Anunció que esta actividad pretende mostrar sobre la pasarela la diversidad de cambios de los estilos del traje tradicional de la chola potosina en diferentes épocas.

Cima de Plata también abrirá cursos de danza durante las vacaciones de invierno y en julio la presentación del acontecimiento “La danza no tiene edad”, con elencos infantiles y de adultos de varias agrupaciones del país.

Vuelve a escena Chillán, la silla del sol

El elenco Cinco Palmas Teatro interpretará esta obra, que narra la estadía del Mariscal Andrés Santa Cruz durante su confinamiento en esa población chilena por casi dos años. La presentación será el 3 y 4 de junio en el Teatro Municipal.

Chillán, la silla del Sol, bajo la dirección de Carlos Cordero, cuenta con la interpretación del elenco Cinco Palmas Teatro, integrado por José Marcelo Quiroga, Fernando Botello, Luis Caballero y Daniela Lema, junto con la actriz invitada Natalia Jofre y la dirección artística de Fernando Arze.

La obra, ya estrenada en abril en el Teatro Nuna, busca recuperar un pasaje de la historia que poco y pocos conocen: el encierro del expresidente boliviano en un pueblo del sur de Chile.

En la trama, a Santa Cruz le han sido confiscados el papel y la tinta, y tiene la imperiosa necesidad de escribir sobre las condiciones de su exilio. Pedirá los elementos de escritura a Aurora, la mujer que le atiende en su prisión; a Fermín, un hermano de una orden religiosa, y al profesor Domeyko. La disputa por papel y tinta refleja la necesidad de libertad y comunicación.

La Novena Sinfonía de Beethoven, hoy a las 20

La Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) cierra el ciclo de interpretaciones de las sinfonías de Ludwig van Beethoven con la magistral Novena Sinfonía, cuyo cuarto movimiento es conocido como el Himno a la Alegría. Hoy y mañana en el Centro Sinfónico, desde las 20.00.

El ciclo de sinfonías de Beethoven rinde homenaje al gran compositor alemán al recordarse, este año, los 190 de su fallecimiento.
Christian Asturizaga, director de la OSN, explicó que cerrar la secuencia de conciertos con la Novena representa un reto muy grande y exigente. “No es fácil interpretar sobre todo esta sinfonía, es un trabajo de sincronización no solo melódica, sino también del sentimiento que debe transmitirse a través de los instrumentos y de las voces”, dijo.

La obra de Beethoven requiere, además de la interpretación instrumental, el complemento coral.

La presentación tendrá un despliegue de más de 100 músicos en escena, entre la Sociedad Coral Boliviana, solistas y la OSN.

Beethoven compuso nueve sinfonías a lo largo de su trayectoria musical. Entre ellas se destacan la Tercera, llamada Heroica; la Quinta y la Novena.

martes, 16 de mayo de 2017

Las fotografías de Sergio Bretel en la Galería de Arte de la UPB

Fotografías de autoría del talentoso y conocido fotógrafo y arquitecto peruano-boliviano, Sergio Bretel, tomadas en importantes ciudades de Europa y América en los últimos dos últimos, se exponen a partir de este miércoles 17 de mayo en la Galería de Arte del Centro Cultural de la Universidad Privada Boliviana (UPB).

La muestra ha sido denominada “Delicate” y está compuesta por 26 fotografías de formato pequeño, todas acompañadas por poemas que explican la relación y el porqué de las composiciones gráficas. La exposición será hasta el 10 de junio.

La Galería de Arte UPB está ubicada en la Av. Hernando Siles, esquina calle 5 de la zona de Obrajes, Edificio de Posgrado de la Universidad.

“El formato pequeño ayuda al espectador a tener una relación más cercana con cada fotografía, a través de una observación más íntima, una mirada delicada e íntima”, señala Bretel.

Explica que cada una de las fotografías representa una extracción de pequeños fragmentos de memoria que buscan remitir al espectador a un recuerdo.

En las imágenes podrán encontrar sensualidad, geometría y un orden que permite entender el conjunto de la composición, indica el artista. Explica que la serie de fotografías elegidas para la exposición fueron tomadas en diferentes momentos, en ciudades como Berlín, Roma, Buenos Aires, Miami y La Paz.

Sergio Bretel encuentra su inspiración en todo lo nuevo que ve diariamente, y desde hace algunos años ha dedicado su tiempo, también a la investigación de la fotografía abstracta.

El fotógrafo
Aunque nació en Lima – Perú en 1977, Sergio Bretel tiene nacionalidad boliviana. Estudió arquitectura en la Universidad Mayor de San Andrés de La Paz y se licenció el año 2002. Ingresó al mundo de la fotografía muy joven, a los 15 años, cuando obtuvo su primera cámara. Lleva trabajando en las dos ramas desde el año 1995.

El 2017 expuso la muestra fotográfica “inmanencias Metálicas” en el Museo de Arte Contemporáneo - MAC en Santa Cruz. El 2016 realizó las exposiciones individuales “F-Lux” en la Galería de Arte “BLANCO” y “Dicotomías - Dichotomie” en la Alianza Francesa, ambas en la ciudad de La Paz.

El 2015 participó de la muestra colectiva “Artvenice Biennale 3!”, en Venecia, Italia, y el 2015 en la exposición colectiva “Buenos Aires Photo 2014” en el Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires, Argentina. Bretel es el artista fotógrafo de Tundra Gallery y de la Asociación Artística Artesur (Bolivia - Perú).


Waka wakas se roban la atención de Venecia



El boliviano José Ballivián exhibe dos waka wakas incompletos para mostrar la constante construcción de las tradiciones indígenas en las que replantea alternativas fluidas e incluso híbridas de la identidad étnica, en contraposición a una identidad indígena que se ha globalizado de forma monolítica y atrapada en el tiempo. De esa manera, el artista seduce a la Bienal de Venecia, bajo el lema "Viva Arte Viva”.

Por primera vez, Bolivia tiene su propio pabellón en este encuentro, abierto hasta el 26 de noviembre. En ese espacio, el país tiene como representantes a los artistas José Ballivián, Sol Mateo y el invitado internacional Jannis Markopoulos (Grecia) que presenta "Esencia", una propuesta artística que cuestiona "lo occidental”.

Mateo debate el mundo globalizado desde una mirada local, jugando con símbolos cibernéticos vigentes, mostrando así el poder inadvertido de las redes sociales en la vida de la gente.

Wendy Carretero y su enorme pasión por las manualidades

Es difícil decir hoy en día que las manualidades y las artesanías no pueden ser consideradas como arte, porque las personas que las realizan, ponen la misma pasión o tal vez un poco más que los pintores y escultores que exponen en las galerías, además que cada trabajo muestra la creatividad, como la que demuestra en este caso, Wendy Carretero, que demuestra cada que puede su habilidad.

Después de una exitosa participación en un taller en la Casa de la Cultura "Simón Iturri Patiño", LA PATRIA pudo hablar de su trabajo y cómo ingresa a este mundo artístico:

LA PATRIA (LP): ¿Cómo ingresas al mundo de las manualidades?

Wendy: Comencé con el diseño y la elaboración del cotillón, para los festejos del primer año de mis hijitos, esto para el 18 de agosto del 2011, aprovechando la habilidad de hacer maquetismo, gracias a la profesión de arquitectura que estudié.

LP: ¿Recomendarías este arte a las demás personas?

Wendy: Sí, recomendaría, ya que tiene muchas ventajas, como ser una actividad lucrativa, como también es una especie de terapia para el estrés por ser algo terapéutica, cuando las personas se dedican a este trabajo.

LP: ¿Por qué empezaste a dictar cursos?

Wendy: Porque como mamá de gemelos, aún no podía ejercer mi carrera, debido a que lleva más horas de dedicación y debía ver alguna actividad con la que no descuide de mis niños, pero a la vez sea cómodo y lucrativo. Comencé a dictar cursos en casa a niñas de mi barrio, luego me invitaron a ser parte del programa de mujeres emprendedoras, como capacitadora, también a centros de madres en la localidad de Huanuni, por último en el museo "Simón I. Patiño". Desde hace cuatro años y gracias a esta última acción me invitaron a formar parte del programa "Diario de Familia" en el canal universitario y "Vida Nueva" en el canal CEA COM.

LP: ¿Qué opinas de las personas que no consideran la artesanía como un arte?

Wendy: Tal vez existen personas que no consideran la artesanía como arte, porque quizá no tuvieron oportunidad de realizar alguna, porque al realizarlas, una persona pone todo de sí misma, las manos, la mente y hasta corazón, ya que son realizadas con bastante sentimiento.

LP: ¿Cuándo dejarás de realizar este tipo de trabajo?

Wendy: Dejar las manualidades y enseñar es difícil, es un don dado por Dios, es muy buena terapia, tanto para el estrés y es una verdadera pasión este arte, yo creo que nunca dejaré de hacer arte.



Cuenta regresiva para el "Oruro Salsa-Bachata Festival"

Faltan muy pocas horas para que la Capital del Folklore de Bolivia, sea el anfitrión de un encuentro de danza muy importante en el país, como es la segunda versión del "Oruro Salsa-Bachata Festival", donde participarán los mejores exponentes de este género de danza a nivel nacional e internacional. El festival se desarrollará el viernes 19 y sábado 20 de mayo.

La principal organizadora, es la directora del Centro de Danzas Pies de Fuego, Verónica Valda, conocida a nivel nacional por su versatilidad en escenario, donde siempre destacó con sus participaciones en pareja, con este estilo de baile. "Es un festival que por segundo año consecutivo estamos realizando, va a contar con profesores de Cochabamba, La Paz, Sucre, llega un profesor de Brasil, dos de Argentina y esta también un profesor orureño que retornó de Estados Unidos, estuvo bastantes años viviendo allá y todos ellos se reunirán para dictar talleres, ya sea a la ciudadanía o a todos los que llegarán de otras regiones", refirió Valda.

La actividad contará con la presencia de profesores de danza de la talla de Hugo Arraya (Argentina), Emanuel (Brasil), Kevin Sanz (Argentina), Jorge Herbas (Cochabamba), Anai Madinaceli (Sucre), Damián Guarachi (La Paz), además de Daniel Torrez (Oruro) y la misma Verónica Valda.

Durante los dos días, estos expertos desarrollarán diferentes talleres para los interesados, además de realizar demostraciones y ser parte del jurado de la Competencia Nacional de Salsa y Bachata Pro-Am (Profesional y Amateur), donde las mejores parejas del país pondrán en juego su reputación.

ABAP cuenta con nuevos estatutos nacionales

El trabajo fue de tres días en la ciudad de Potosí, donde los representantes de las diferentes filiales de la Asociación Boliviana de Artistas Plásticos (ABAP), aprobaron un nuevo estatuto orgánico emanado de un congreso nacional, que ahora rige los destinos de esta institución, a partir de su promulgación que se realizó el reciente domingo.

Para el presidente de la ABAP, Sergio Fernández, el congreso que se desarrolló en Potosí, produjo resultados "halagadores", porque se empieza a notar el apoyo de las autoridades, haciendo referencia a que el Concejo Municipal de esta capital, habría declarado como "huéspedes gratos" a todos los artistas plásticos que llegaron a la "tierra de Carlos V".

"Ahora tenemos un nuevo estatuto fortalecido, renovado, el cual está ahora en vigencia desde su promulgación, que ha sido ayer (domingo) en la ciudad de Potosí. Nosotros estamos trabajando constantemente en este tema, donde hemos podido desarrollar este arduo trabajo en la ciudad de Potosí", refirió Fernández.

Durante los tres días que los artistas estuvieron en Potosí, se aprovechó para desarrollar talleres abiertos y demostraciones magistrales de dibujo, que sedujo a toda la sociedad, quienes degustaron de esta interrelación con los virtuosos del país.

El presidente de la ABAP, aseguró que son la única institución reconocida por el Ministerio de Culturas, por su fundación que data de 1961, que tiene como afiliados a los artistas plásticos, por ello existe una gran responsabilidad y compromiso, para que se les pueda escuchar en todas las necesidades que requiere el sector, como salud y vivienda.

Además se buscará gestionar espacios para mayor desarrollo artístico de las filiales; pedir que se incluya a los profesionales académicos en cargos de docencia en la educación escolar; y el de gestionar la restauración de la Escuela de Bellas Artes "Alfredo Domínguez" de la ciudad de Tupiza.

Después de la promulgación del estatuto orgánico de la ABAP, dentro de 90 días se elaborará el Reglamento Interno para su aprobación en una reunión que podría ser en Sucre o Santa Cruz.

Arte, Pintura, Cultura, Teatro